- Industry: Art history
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약 1980 이전 년간 최소와 개념 미술의 우위에 서양 예술에 대한 일반적인 반응 이 반응을 그림에서 신 표현주의 및 관련 현상의 형태를했다. 조각의 제작 기법의 넓은 범위도 전통적인 재료와 같은 돌과 대리석 조각과 같은 방법의 사용의 사용에 주목할만한 수익이있었습니다. 비유와 은유 이미지는 시적시켜주는 제목과 함께 재현. 영국의 젊은 조각가의 강한 그룹은 누구의 작품 매우 다른 있지만, 신속하게 새로운 영국의 조각으로 알려진 나타났다. 새로운 영국 조각과 관련된 주요 작가 스티븐 콕스, 토니 Cragg에, 배리 플래너, 안토니 곰리, 리처드 집사, Shirazeh Houshiary, 아니 쉬 카푸어, 앨리슨 야수 빌 우드 하였다
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1980 년대 후반부터 예술가 가능하게 한 정교한 기술을 설명하는 데 사용되는 용어 새로운 매체는 CD-ROM에서 디지털 예술의 생산 및 유통을 활성화 할 수 있습니다 휴대 전화와 월드 와이드 웹에, 매체의 대량 유입을 정의합니다. 마이 스페이스와 유튜브 같은 웹 사이트는 버튼의 클릭으로 수백만의 사람들에게 예술을 배포 할 수있는 장소 인, 새로운 미디어의 핵심 요소입니다. (또한 브라우저 아트보기, 미디어, 넷 아트, 소프트웨어 아트)
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Estilo altamente emocional de arquitectura, pintura y escultura, nacido durante los años 1630 a 1680 en Roma pero con influencia en toda Europa. Los mayores exponentes fueron: el escultor y arquitecto, Bernini, en Roma, y en el norte de Europa, Rubens, cuyas decoraciones de techo encomendadas por Carlos I (Stuart) en el Salón de banquetes (Banqueting Hall) en Londres, aun pueden apreciarse. Uno de los grandes discípulos de Rubens fue Van Dyck, en Inglaterra, durante 1632 y hasta su muerte en 1641, periodo en el que fungió como pintor de la corte de Carlos. Algunos de sus seguidores británicos incluyen a Dobson, Lely, Huysmans, Kneller, y a pintores de decoraciones de paredes y techos tales como Verrio y Thornhill.
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Término inventado por el artista Gustav Metzger en la década de 1960 y puesto en práctica por su artículo 'Machine, Arte auto-creativo y auto-destructivo' en la edición del verano de 1962 de la revista Arca Desde 1959 sus obras incluyeron ácido rociado en hojas de nylon como una protesta contra las armas nucleares. El procedimiento produjo formas que cambiaban rápidamente antes de que el nylon fuera consumido en su totalidad, por lo que el trabajo era al mismo tiempo de auto-creativo y auto-destructivo. En 1966 Metzger y otros organizaron el Simposio Destrucción en el Arte en Londres. Seguido por otro más en Nueva York en 1968. El Simposio fue acompañado por una demostración pública del arte auto-destructivo incluyendo la quema de las Torres Skoob por John Latham. Estas fueron torres de libros (skoob a la inversa es books, la palabra inglesa para libros) y la intención de Latham fue demostrar directamente su opinión de que la cultura occidental estaba agotada. En 1960, el artista suizo Jean Tinguely realizó la primera de sus esculturas de máquinas autodestructivas, Hommage à New York, que se destruyeron en pedazos en el Jardín de Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
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En el contexto del arte bienal ha llegado a significar una gran exposición internacional que se celebra cada dos años. La primera fue la Bienal de Venecia en 1895, que se situó en el Giardini, un parque público, y que ahora alberga treinta pabellones nacionales permanentes y muchas pequeñas estructuras temporales. Los primeros años fueron dominados por el arte europeo, pero la exposición incluye ahora las contribuciones de países de América del Sur, África, Asia y Medio Oriente. Al final del siglo XX se produjo un aumento dramático en las bienales y en 2007 había unas cincuenta en todo el mundo, incluyendo la Bienal de Pekín, la Bienal de Liverpool, la Bienal de Praga, la Bienal de São Paulo y de la Bienal de Sharjah, en el Golfo. Esta explosión de exposiciones internacionales de arte a gran escala refleja el auge económico en la compra de arte internacional.
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Complejo estilo internacional arquitectónico y de diseño, paralelo al simbolismo en bellas artes. Desarrollado a través de 1890 y llevado a una amplia audiencia en 1900 mediante la Exposición Universal de París. Se caracteriza por la sinuosa linealidad y formas orgánicas basadas en formas vegetales. En Gran Bretaña, Mackintosh contenía estas cualidades dentro de una geometría severa pero excéntrica. Estilo ejemplificado en las entradas de estaciones de metro de París realizadas por Guimard, el cristal de Tiffany, las sillas de Mackintosh y su Escuela de Arte de Glasgow, y diseños de libros de Beardsley, Charles Ricketts y seguidores como Arthur Rackham. Floreció hasta ser aniquilado por la primera guerra mundial.
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Une technique de gravure en taille-douce, utilisée pour créer des effets sonores plutôt que des lignes. De fines particules de matière résistant aux acide, tels que la colophane en poudre, sont attachés à une plaque d'impression par chauffage. La plaque est ensuite plongé dans un bain d'acide, à l'instar de la gravure. L'acide mange dans le métal autour des particules pour produire un modèle granulaire de petits anneaux en retrait. Ces encre suffisante de cale pour donner l'effet d'un espace de lavage lorsque encré et imprimé. Les zones de l'étendue de l'imprimé peuvent être contrôlés par vernir les parties de la plaque blanche dans la conception finale. Gradations de tonalité peut être réalisé en faisant varier la longueur de temps dans le bain d'acide ; plus longtemps produisent plus profondément mordu anneaux, imprimer des zones les plus sombres du tonus. La technique a été développée en France dans les années 1760 et est devenu populaire en Grande-Bretagne à la fin du XVIIIe siècle et au début du XIXe. Il est souvent utilisé en combinaison avec d'autres techniques de la taille-douce.
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Comme un terme dans l'art history and criticism se réfère à la reprenant plus ou moins directe dans un work of art d'un objet réel ou même une œuvre d'art existant. La pratique peut être suivi à des collages cubistes et des constructions de Picasso et Georges Braque en 1912, dans lequel des objets réels tels que les journaux ont été inclus afin de se représenter. Crédit a été développé beaucoup plus loin dans le ready-made, créée par l'artiste français Marcel Duchamp de 1915. Plus tristement célèbre d'entre eux fut fontaine, urinal masculin signé, intitulé et présenté sur un piédestal. Plus tard, le surréalisme aussi fait un large usage d'appropriation en collages et objets tels que le téléphone de homard de Salvador Dalí. Vers la fin des années 1950 a ouvert un crédit images et objets apparaissent largement dans les travaux de Jasper Johns et Robert Rauschenberg, dans Pop art. Cependant, le terme semble être entré en usage spécifiquement en ce qui concerne certains artistes américains dans les années 1980, notamment de Sherrie Levine et les artistes de la Neo-Geo groupe particulièrement de Jeff Koons. Sherrie Levine reproduits comme son propre travail d'autre œuvres d'art, dont des tableaux de Claude Monet et Kasimir Malevich. Son objectif était de créer une nouvelle situation et par conséquent un sens nouveau ou un ensemble de significations, pour une image familière. Crédit art soulève des questions d'originalité, authenticité et qualité d'auteur et appartient à la tradition longtemps moderniste de l'art qui met en doute la nature ou de la définition même de l'art. Crédit artistes ont été influencés par l'essai de 1934 par le philosophe allemand Walter Benjamin, le œuvre d'Art à l'âge de la Reproduction mécanique et reçu l'appui contemporaine de la critique américaine Rosalind Krauss dans son livre de 1985 l'originalité de l'Avant-Garde et autres mythes modernistes. Crédit a été largement utilisé par les artistes depuis les années 1980.
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Se réfère à l'art qui défie les définitions reconnues existantes de l'art. On admet généralement été inventé par Marcel Duchamp autour de 1913 quand il a fait son premier ready-made, qui est toujours considérées par certains comme Anti-art (par exemple par le groupe Stuckist). En 1917, Duchamp a présenté un urinoir, intitulé la fontaine, pour une exposition à New York, qui devint par la suite notoire et finalement très influent. Anti-art est associé par Dada, le mouvement artistique et littéraire, fondé à Zurich en 1916 et, simultanément, à New York, où Duchamp a été une figure centrale. Amour de car Dada il ya eu de nombreux mouvements artistiques qui ont pris position sur l'Anti-art, du mouvement lo-fi Mail art pour les YBAs, dont certains ont embrassé les absurdités de Dada et de Duchamp d'ironie, paradox et punning.
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