- Industry: Art history
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Dans sa forme la plus simple échantillonnage simplement re-traite la culture existante, généralement sur le plan technologique, dans beaucoup de la même manière qu'un collage fait. Le début des années 80 artistes ont commencé à cannibaliser des fragments de son, image, musique, danse et performance pour créer de nouvelles œuvres d'art. Ces projets hybrides utilisés d'échantillonnage pour générer des événements en direct ou basés sur le temps qui perverti nos notions de temps, espace, artiste et le public, virtuel et réel. Dans les deux dernières décennies, que ce punk DIY esthétique est venu à représenter un défi radical aux notions de droits d'auteur, l'originalité et la propriété intellectuelle, tout en créant de nouveaux récits et rafraîchissant l'archive culturel. Artistes comme Christian Marclay et Candice Breitz manipulent le film et musique, remixer des images familières dans les récits épiques.
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L'école d'art d'avant-garde (Academia Altamira) à Buenos Aires, en Argentine, fondée en 1946 par l'artiste argentin italien Lucio Fontana et d'autres. Son objectif était de promouvoir l'idée qu'un nouvel art était nécessaire afin de refléter le monde moderne, telle que révélée par la science. En pratique, cet art est abstrait. Également en 1946 Fontana et un groupe de ses élèves publié le Manifiesto Blanco (blanc manifeste) énonçant leurs idées. Fortement influencé par le futurisme, il réclame un art qui est une synthèse de la couleur, son, mouvement, temps et espace. Élèves de chez Fontana à l'Académie d'Altamira a été l'artiste brésilien Sergio de Camargo. En 1947 Fontana revient en Italie.
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En 1976, à l'apogée de l'art Minimal et de l'art conceptuel, le peintre américain R. B. Kitaj, alors basé à Londres, en Grande-Bretagne, a organisé, à la Hayward Gallery de Londres, une exposition intitulée The Human Clay. Exclusivement, il se composait de la peinture et le dessin figuratif et a fait grand bruit. Dans son ouvrage de catalogue, Kitaj a utilisé le terme School de Londres en souplement pour décrire les artistes qu'il avait réuni. Le nom a collé pour faire référence aux peintres à l'époque qui poursuivaient obstinément des formes de la peinture figurative, face à des formes d'avant-garde qui prévaut. Chef d'artistes associés à l'idée de l'école de Londres, en plus de Kitaj lui-même, étaient Michael Andrews, Frank Auerbach, Francis Bacon, Lucian Freud, David Hockney (bien que vivant aux USA), Howard Hodgkin et Leon Kossoff. Le travail de ces artistes a été mis en évidence frais et donné un nouvel élan par le regain d'intérêt pour la peinture figurative par une jeune génération qui a eu lieu à la fin des années 1970 et 1980 (voir peinture Néo-expressionnisme et nouvel esprit).
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Au XIXe siècle, Paris, France, est devenu le centre d'une puissante école nationale de peinture et de sculpture, culminant dans les innovations éblouissantes de l'impressionnisme et le post-impressionnisme. Ainsi, dans les premières années du XXe siècle que Paris est devenu un aimant pour les artistes du monde entier et la mise au point des principales innovations de l'art moderne, notamment fauvisme, cubisme, art abstrait et le surréalisme. Le terme école de Paris a grandi pour décrire ce phénomène. Le jumeaux chefs (chefs d'école) étaient le français Henri Matisse et Pablo Picasso qui s'installe à Paris de son Espagne natale en 1904. Aussi en 1904, pionnier modern sculpteur Constantin Brancusi arrive à Paris en provenance de Roumanie et en 1906 le peintre et sculpteur Amedeo Modigliani d'Italie. Chaïm Soutine est arrivé de Russie en 1911. Le russe peintre Marc Chagall a vécu à Paris de 1910-14 et là encore de 1923-39 et 1947-9, après quoi il a déménagé pour le sud de la France. Hollandais pionnier de la peinture abstraite pure, Piet Mondrian, s'installe à Paris en 1920 et Wassily Kandinsky en 1933. L'âge d'or de l'école de Paris s'est terminée par la seconde guerre mondiale, bien que le terme a continué à être utilisé pour décrire les artistes de Paris. Toutefois, depuis environ 1950 sa domination cédée à la montée de l'école de New York.
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Groupe de quatre artistes écossais, Cadell, Fergusson, Hunter, Peploe qui furent parmi les premiers à introduire la couleur intense du mouvement français Fauve en Grande-Bretagne. Leading figure fut Fergusson qui visite régulièrement à Paris depuis les années 1890 sur et ensuite y vit depuis 1907-14. Scène l'expérience de ce contact étroit avec l'avant-garde de l'art à Paris est resté avec lui toute sa vie.
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Une variété de gabarit d'impression, utilisant un écran fait de tissu (soie ou synthétique) étiré étroitement sur une trame en. La non-impression des zones sur le tissu sont noircies par un pochoir qui peut être créé par la peinture sur la colle ou de la laque, par application de film adhésif ou papier, ou peindre un photosensible résister sur l'écran qui est ensuite développée comme une photo (photo-capture d'écran). D'encre ou de peinture est forcé à travers le tissu ouvert avec une lame de caoutchouc, connue comme une raclette en caoutchouc, sur le papier. Sérigraphie a été utilisée commercialement depuis les années 1920 et par les artistes depuis les années 1950. Quand il fut repris par des artistes dans l'Amérique des années 1930 la « sérigraphie » de terme a été utilisé pour désigner l'estampe de l'artiste, par opposition aux travaux commerciaux. Le terme « sérigraphie » (soie a été initialement utilisé pour le maillage) a été et est toujours utilisé, notamment en Amérique.
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La sculpture est art tridimensionnelle faite par l'un des quatre processus fondamentaux. Ceux-ci sont sculpture (en pierre, bois, Ivoire ou OS) modélisation en argile ; modélisation (en argile ou en cire) et puis coulée du modèle en bronze ; construction (un développement du XXe siècle). Les plus ancien connus artefacts humains reconnaissables comme ce que nous appellerions sculpture date de la période connue comme le Paléolithique supérieur, qui est à peu près de 40 000 à 10 000 ans. Ces objets sont de petites figures féminines avec bulbes seins et les fesses, sculptées dans la pierre ou en ivoire et sont censés pour être les figures de la fertilité. Le plus célèbre d'entre eux est connu comme la Vénus de Willendorf (le lieu en Autriche, où il a été constaté en 1908). Sculpture a prospéré dans l'Egypte ancienne d'environ 5 000 ans et dans la Grèce antique de quelque 2 000 ans plus tard. En Grèce, il a atteint ce qui est considéré comme un sommet de la perfection dans la période d'environ 500-400 avant JC. à que temps, ainsi que fabrication sculpté sculpture, les Grecs a la technique du moulage de sculpture en bronze à un haut degré de sophistication. Après la chute de l'Empire romain, la technique de coulée de bronze était presque perdue, mais, avec sculpté sculpture, a connu un renouveau important à la Renaissance. Du XXe siècle, une nouvelle façon de faire de la sculpture émergés avec les constructions cubiste de Picasso. Il s'agissait de sujets de nature morte fabriqués à partir de matériaux de rebut (trouvé) collées ensemble. Sculpture de construit sous diverses formes est devenu un courant majeur dans l'art moderne. (Constructivisme ; Assemblage ; Environnement ; Installation ; Art minimal ; Sculpture de nouvelle génération. ) Techniques utilisées comprenaient le métal de soudure, introduit par Julio González, qui a également enseigné à Picasso. (Voir aussi par exemple David Smith ; Reg Butler. )
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École de Rome. Terme générique pour les artistes, basé à Rome, ou ayant des liens étroits avec elle, dans les années 1920 et 1930. Comme l'école de Paris le terme englobe une grande variété de types de l'art. Toutefois, un retour au classicisme est un courant dominant (voir aussi retour à l'ordre). Major artistes : De Chirico, Balla, Guttuso, Martini, Pirandello, Severini.
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Naam gegee aan Britse en Amerikaanse weergawes van kuns wat inspirasie uit bronne in die populêre en kommersiële kultuur getrek het. Hierdie bronne het ingesluit Hollywood films, advertensies, verpakking, pop musiek en strokiesprent boeke. In Europa was 'n soortgelyke beweging Nouveau Réalisme (Nuwe Realisme) genoem. Pop het in die middel van die 1950's begin en sy hoogtepunt in die 1960's bereik. Dit was 'n opstand teen die heersende ortodoksie in kuns en die lewe en kan gesien word as een van die eerste manifestasies van Postmodernisme. Moderne kritici was geskok deur die Pop kunstenaars se gebruik van so 'n lae onderwerp en deur hulle glo onkritiese hantering daarvan. Trouens het Pop beide kuns in nuwe areas van onderwerp geneem en nuwe maniere in die voorstelling daarvan ontwikkel. Hoof kunstenaars in Amerika was Lichtenstein, Oldenburg, Warhol; in Brittanje, Blake, Caulfield, Hamilton, Hockney, Jones, Self.
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Comme un terme général utilisé pour décrire la rupture loin des artistes plus jeunes et plus radicales, une Académie existant ou un groupe de l'art, pour former un nouveau regroupement. Le mot est à l'origine allemande et sa première apparition semble être au nom du groupe de la sécession munichoise formé en 1892. La même année, qu'elle a été suivie de la Sécession berlinoise, dirigée par Max Liebermann et plus tard Lovis Corinth et en 1913 par la sécession de la Freie auquel ont participé Max Beckmann et Ernst Barlach. Le plus célèbre groupe de sécession est le bildener Vereinigung Künstler Oesterreichs (sécession) fondé en 1897 et généralement connu simplement comme la Sécession viennoise. Il a été conduit par l'un des plus grands de tous les peintres symbolistes, Gustav Klimt. En 1898 la sécession confié à l'architecte Joseph Olbrich à construire une salle d'exposition. Le résultat est un chef-d'œuvre d'architecture Art Nouveau qui reste l'un des joyaux de Vienne. , Il contient également murale grande de Klimt la Frise Beethoven. Au cours des années suivantes, que la sécession de Vienne a organisé une série d'expositions (plusieurs par an) qui a réuni un appel nominal de l'avant-garde internationale. Il y a un accent particulier sur l'architecture et du design, et la sécession de Vienne a joué un rôle majeur dans le vaste mouvement d'Art Nouveau et les débuts du design moderne. En 1903, une société de design a été fondée appelé la Wiener Werkstätte (ateliers de Vienne), inspiré par le mouvement anglais Arts and Crafts. Ses produits sont maintenant des pièces de musée. Plus tard les artistes majeurs associés à la sécession de Vienne : Egon Schiele et Oskar Kokoschka deux des grands pionniers de l'expressionnisme.
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