- Industry: Art history
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Terme appliqué à l'art dans lequel le processus de prise de son n'est pas caché mais reste un aspect important de le œuvre achevée de sorte qu'une partie ou même la totalité de son sujet est la réalisation de le œuvre. Processus est devenue une préoccupation largement répandue des artistes dans les années 1960 et 1970, mais comme beaucoup d'autre peut être suivi à la peinture expressionniste abstrait de Jackson Pollock. Dans ceux-ci que les couches successives de peinture gouttait et coulée peuvent être identifiés et les actions de l'artiste dans la fabrication, que le travail peut être en partie reconstruit. Le champ de couleur plus tard des peintures de Morris Louis révèlent clairement son processus de coulage de la peinture sur la toile. In Process art trop il met l'accent sur les résultats sur matériaux particuliers de mener à bien le processus déterminé par l'artiste. Dans Louis encore une fois, les formes sont le résultat de l'interaction de l'artiste action, le type et la viscosité de la peinture, ainsi que le type et la capacité d'absorption de la toile. Richard Serra fait œuvre en jetant le plomb fondu dans les coins d'une chambre et Robert Morris en faisant des coupes longues longueurs de feutre et ensuite accrocher sur un clou ou en les plaçant sur le sol et leur permettant de prendre sur quelles que soient les configurations ont été dictées par l'interaction des propriétés innées de la feutrine, action de l'artiste et la gravité. The British peintre que Bernard Cohen fait des peintures en établissant un processus de réglage pour le travail et ensuite le mener jusqu'à ce que la toile était pleine. Le travail photographique de John Hilliard caméra enregistrement sa propre Condition de 1971 est un exemple particulièrement pur de l'art de processus, comme c'est le 4 ensembles de Michael Craig-Martin complets de presse-papiers.
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Un impression terme appliqué à toutes les impressions individuelles faites avant le travail sur un bloc ou une plaque d'impression est terminé, afin de vérifier la progression de l'image. Également dénommé « preuve du procès » ou « preuve du procès de couleur ». Cela ne doit pas être confondu avec les termes de l'artiste une preuve (AP) et une preuve (PP de l'imprimante) qui sont des impressions de l'impression finale faite en outre à l'édition publiée pour l'artiste ou l'imprimante.
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Proportion est la relation entre une partie d'un tout dans d'autres parties. Dans l'art, elle a généralement signifié une préoccupation des artistes à la recherche d'une formule mathématique pour le corps humain parfait. à l'époque de la Renaissance, de Leonardo da Vinci et de Albrecht Dürer a tenté de trouver une formule qui permettrait à l'organisme à s'inscrire exactement dans un carré ou un cercle. Leur système semble avoir été d'abord faire la hauteur identique à la largeur des bras tendus, puis d'ajouter à la hauteur pour que la hauteur totale est égale à huit têtes. Recherches Renaissance en proportion ont été inspirés par l'écrivain romain antique d'un traité sur l'architecture, Vitruve. Un général plus formule parfaite proportion est le nombre d'or ou le juste milieu. C'est défini comme une ligne divisée de manière qu'une partie plus petite est en grande partie comme la plus grande partie est à l'ensemble. Ça marche à peu près 08:13, soit un peu plus un tiers à deux tiers. D'une manière ou d'une autre que la Section d'or peut être détectée dans la plupart des oeuvres. Il a ainsi nommé parce qu'il a été considéré comme ayant quelque vertu esthétique spéciale en soi .
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La provenance d'une oeuvre d'art est l'histoire de sa propriété. Le mot vient de le provenir du verbe français, provenir. Provenance est essentiel pour identifier avec certitude la paternité d'une œuvre d'art. Quand les jeux sont faits, aucun montant de discernement ne peut battre une bonne provenance. Provenance de l'idéal serait constitué d'une histoire de possession traçable droit retour au studio de l'artiste. Un autre aspect important de l'histoire d'une œuvre d'art est les expositions on po l'importance de la provenance n'a pas échappé à l'attention des faussaires. Dans les années 1990 un faux inséré faussaire références à forgé peintures en matériaux tels que les catalogues d'exposition dans les archives du Musée. Ce convaincu les acheteurs, même lorsque la qualité de la contrefaçon n'était pas particulièrement bonne. Les ouvrages illustrés chacun ont une provenance intéressante. The Hone a été découvert au Brésil, le Malevitch fut vendu par le gouvernement soviétique ; la Martin est l'un des trois panneaux d'un triptyque autrefois célèbre qui avaient été démantelés dans les années 1930. Un panneau fut ensuite rachetée par Tate. Les deux autres ont disparu. Ils ont par la suite traqué et réunis par un collectionneur privé et finalement légué à la Tate et réunis avec l'autre panneau. S'il vous plaît suivez lie à « textes » de ces œuvres : Hone, esquisse pour « le prestidigitateur", (texte court) ; Malevitch, suprématisme dynamique, (Catalogue complet) ; Martin, le jugement dernier, (Catalogue complet et illustré de compagnon).
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Généralement associé aux années 1960 et la drogue hallucinogène LSD. Il y a beaucoup d'exemples d'artistes qui prennent des médicaments afin de sensibiliser et d'élargir leur vision mentale antérieure, mais c'était les effets hallucinatoires de LSD ayant tel un effet puissant sur les artistes. Day-Glo et anti-naturaliste en couleur, art psychédélique contenue souvent des motifs tourbillonnants, imagerie érotique et messages cachés, le tout visant à se référer à l'évolution des États de conscience sous l'influence de la drogue. Une grande partie de l'art est née la communauté hippie de San Francisco, en particulier les artistes Stanley Mouse, Rick Griffin et Alton Kelley, qui ont été commandées par le promoteur rock Bill Graham pour produire des affiches pour les groupes The Grateful Dead, Jimi Hendrix et The Big Brother Holding Company.
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Œuvres d'art qui est dans le domaine public, indépendamment de si elle est située sur une propriété publique ou privée, ou si elle a été acheté avec l'argent public ou privé. Habituellement, mais pas toujours, l'art a été commandée spécialement pour le site dans lequel il se trouve. Monuments, monuments commémoratifs et statues civiques et sculptures sont les formes les plus établis d'art public, mais l'art public peut également être transitoire, sous la forme de spectacles, danse, théâtre, poésie, graffitis, affiches et installations. Public art peut souvent servir comme un outil politique, comme les affiches de propagande et les statues de l'Union soviétique ou les fresques peintes par les unionistes d'Ulster en Irlande du Nord. Art public peut être aussi une forme de protestation civique, comme dans le graffiti pulvérisé sur le côté du métro de New York dans les années 1980.
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Mouvement fondé par Edouard Jeanneret (mieux connu comme l'architecte moderne Le Corbusier) et Amédée Ozenfant. Ils ont énoncé la théorie du purisme dans leur livre Après le Cubisme (après le cubisme) publiée en 1918. Ils ont critiqué la fragmentation de l'objet dans le cubisme et la manière dans laquelle cubisme était devenu, selon eux, décoratif de cette époque. Au lieu de cela ils ont proposé un genre de peinture où les objets sont représentés comme des formes de base puissants dépouillé de détail. A élément crucial du purisme était son étreinte de technologie et de la machine et il visait à donner un objet mécanique et industrielle une qualité intemporelle et classique. Références à l'architecture grecque antique sont visibles dans la cannelure (comme une colonne grecque) sur les bouteilles dans des compositions de natures mortes de Ozenfant. Le plus important de autre artiste associé du purisme était Fernand Léger. Purisme atteint son point culminant dans Pavillon de l'esprit de Le Corbusier Nouveau (pavillon de l'esprit nouveau), construit en 1925 pour l'Exposition internationale de décoratif et Arts industriels à Paris. C'était accroché avec le travail par les trois directeurs et comprenait également les cubistes, les Gris et les Lipschitz. Après cela la relation clé entre Ozenfant et Le Corbusier se sépara.
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Art de l'imagerie homosexuelle ou lesbienne qui s'articule autour des questions qui ont évolué sur le genre et l'identité politique des années 1980. Bien qu'il y a eu beaucoup de représentations de l'homosexualité et le lesbianisme dans l'histoire de l'art, c'était dans les années 1980, dans le sillage du mouvement féministe et la crise du sida qui l'esthétique queer est né. Artistes ont commencé à documenter un paysage culturel qui s'est rapidement en voie de disparition, ainsi que le retour de bâton qui avait eu lieu contre la liberté sexuelle. Une grande partie de l'art résonne avec les thèmes de la vie et la mort, en particulier les photographies de Nan Goldin et Wolfgang Tillmans et les installations de Felix Gonzalez-Torres. Il est aussi une exploration critique de la représentation, comme dans les photos de lesbiennes par Catherine Opie et dans les études de la scène gay S & M à New York par Robert Mapplethorpe.
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Photogrammes sont des tirages photographiques qui ne nécessitent pas l'utilisation d'une caméra et sont fabriqués par la pose des objets directement sur papier photosensible et en l'exposant à la lumière. Le processus est aussi vieille que la photographie elle-même, mais son apparition à nouveau dans différents contextes d'avant-garde dans les années 1920. Man Ray raffinée et personnalisée de la technique à tel point que les nouvelles impressions finalement été transporté son nom — rayographes.
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Un des mouvements d'avant-garde russes qui ont proliféré à Moscou et à Saint-Pétersbourg dans les années d'environ 1910-20. C'est l'invention de Michel Larionov et son partenaire Natalya Goncharova en 1912. Rayonnisme, ou Rayism, était des premières formes de l'art abstrait, basé sur le paysage et consistant en interaction dynamique linéaire forme finalement dérivé de rayons de lumière. De son rayonniste peinture Nocturne Larionov écrira plus tard: « cette peinture a été inspirée par la tombée de la nuit à Odessa. Il y a un problème de la combinaison des escaliers, intérieurs et extérieurs de maisons et représente la pression du corps de couleur foncée sur les tons clair semi. Le problème de cette peinture est d'organiser ces tons dans un certain ordre. C'est le conflit des rayons semi-clair avec les raies sombres. '
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