- Industry: Art history
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Mouvement en design qui sortent d'un cercle préraphaélite et initié par William Morris en 1861, quand il a fondé la conception la firme Morris and Co à Londres. Il recruta Rossetti, Madox Brown et Burne-Jones comme artiste-concepteurs et principe essentiel était d'élever de conception au niveau de l'art. Également pour autoriser la bonne conception au plus large public possible. Vu comme donnant lieu à un design moderne par exemple de Pevsner dans livre pionniers du Design moderne : William Morris à Walter Gropius paru à 1936. Ornement morris a souligné au design fonctionnel simple sans les excès et l'imitation du passé typique de style victorien. Fonds d'écran ou de tissus étaient fondées sur des motifs naturels, particulièrement des formes de plantes traitées comme déplié. Influence clé sur l'esthétique du mouvement et Art Nouveau ainsi que plus tard un design moderne.
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Une société exposante fondée à Londres en 1933 et active jusqu'en 1971. C'était principalement une organisation politique de centre-gauche et il a embrassé tous les styles de l'art moderniste et traditionnelle. Son objectif était la « unité des artistes pour la paix, de démocratie et de développement culturel ». Il a tenu une série de grandes expositions sur des thèmes politiques et sociales commençant en 1935 avec l'exposition artistes contre le fascisme et la guerre. AIA le prise en charge de la gauche républicaine dans la guerre civile espagnole (1936-9) à travers des expositions et autres activités de collecte de fonds. Il a essayé de promouvoir un accès plus large à l'art à travers des expositions itinérantes et des peintures murales publics . En 1940, il publie une série d'art lithographies intitulé Everyman estampes, éditions grand et donc bon marché.
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Organisation fondée en 1966 par Barbara Steveni avec son mari John Latham. Son but était de mettre les artistes dans des organismes gouvernementaux, commerciaux et industriels. APG a émergé l'idée que les artistes sont une ressource humaine sous-utilisé par la société. Artistes sont isolés du public par le système de Galerie, et dans le ghetto de l'art mondial sont protégés des banales réalités du commerce de l'industrie et le gouvernement. L'idée était que les artistes, désignés accessoire personnes par Latham, apporteraient complètement autre façons de voir et penser à porter sur les organisations qu'ils ont été placés po APG auraient donc reconnaître le statut d'outsider de l'artiste et la tourner vers avantage social positif. En 1966 King et Latham ont été rejoints par Jeffrey Shaw et Barry Flanagan, bientôt suivie par Stuart Brisley, David Hall et Ian Munro MacDonald. Parmi les placements effectués par APG a été l'un en 1975-6 de Latham lui-même à l'Office écossais à Edimbourg. Ce a abouti à des propositions radicales pour l'avenir des trucs énormes déblais industrielle, appelées bings, disponibles dans les environs. Latham a proposé les conservant comme œuvres d'art et les marquant avec balises. APG ont organisé une grande exposition à la Hayward Gallery, Londres, en 1971. Elle a continué jusqu'en 1989 quand il a été reconstitué sous le nom de O + I (Organisation et Imagination).
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Le terme Qu'arte Povera a été présenté par le critique d'art italien et conservateur, Germano Celant, en 1967. Ses textes pionniers et une série d'expositions clées fourni une identité collective pour un certain nombre de jeunes artistes italiens basé à Turin, Milan, Gênes et Rome. Arte Povera émergé au sein d'un réseau de villes culturel comme le miracle économique italien des années de l'immédiat après-guerre, l'activité dans ces villes, s'est effondré dans un chaos d'instabilité économique et politique. Le nom signifie littéralement « art pauvre », mais les pauvres de mot ici se réfère à l'exploration du mouvement signature d'un large éventail de matériaux au-delà du précieux quasi plus traditionnels de la peinture à l'huile sur toile, bronze ou marbre sculpté. Arte Povera désigne donc pas un art pauvre, mais un art sans restrictions, une situation de laboratoire dans lequel aucune base théorique a été rejetée en faveur d'une ouverture complète aux matériaux et procédés. Artistes de premier plan ont été Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Piero Gilardi, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini et Gilberto Zorio. L'apogée du mouvement a été de 1967 à 1972, mais son influence sur plus tard art a été durable. Peut également être considérée comme la contribution italienne à l'art conceptuel.
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Se réfère aux travaux de l'Arte Movimento Nucleare, fondée par l'artiste italien Enrico Baj ainsi que Sergio Dangelo et Gianni Bertini, à Milan en 1951. Gianni Dova était un membre plus tard. Leur premier manifeste a été publié l'année suivante et un autre en 1959. Le nom pourrait se traduire par l'art à l'ère nucléaire, depuis le groupe spécifiquement indiqué pour faire de l'art en la matière. Leurs manifestes mis en garde contre les dangers de la mauvaise application de la technologie nucléaire. Ils déclarée opposée à l'art abstrait géométrique et propose plutôt l'utilisation des techniques de l'automatiques. Ils étaient ainsi étroitement alignés avec Art Informel. Dans les années 1950, Baj faisait des peintures avec des suggestions de champignon et de paysages dévastés. Dans sa peinture tardive et les travaux de collage il donna le nom de « l'eau lourde » de la peinture émail et émulsion de l'eau distillée, qu'il avait l'habitude. Ces œuvres comprennent une série sardonique des officiers de l'armée de quel feu ! Feu ! est un. Plusieurs expositions ont eu lieu, mais le mouvement essoufflée dehors vers 1960.
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Un groupe de militants, dont Carl Andre, Lucy Lippard et Robert Smithson, qui se sont réunis en 1969, à New York, à promouvoir les droits des artistes et à contester la création de l'art de prendre des positions politiques contre les discriminations et les inégalités.
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Complexe style international en architecture et design, parallèle au symbolisme en beaux-arts. Développé dans les années 1890 et présentée au grand public de l'Exposition Universelle de 1900 à Paris. Caractérisés par linéarité sinueuse et des formes organiques fluides basées sur des formes végétales. En Grande-Bretagne, Mackintosh contenait ces qualités au sein de la géométrie sévère mais excentrique. Style témoigne des entrées de la station de métro parisien par Guimard, Tiffany verre, chaises Mackintosh et le Glasgow School of Art et les dessins de l'ouvrage de Beardsley, Charles Ricketts et partisans tels que Arthur Rackham. Flourished jusqu'à tué par la première guerre mondiale.
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Terme français décrivant une bande large de types apparentés de la peinture abstraite très répandue, voire dominante, dans les années 1940 et 1950, y compris les tendances comme les taches, la peinture de matière et de l'Abstraction lyrique. a principalement fait référence à l'art européen, mais il embrasse l'expressionnisme abstrait américain. Le terme a été utilisé par le critique français Michel Tapié en son 1952 livre Un Art Autre pour décrire les types d'art qui ont en commun qu'elles étaient fondées sur hautement improvisée (c.-à-d. informel) procédures et étaient souvent très gestuelle. Tapié vu cet art comme « autre » parce qu'il lui est apparu comme une rupture totale avec la tradition. Une importante source de ce genre de peinture était la doctrine surréaliste d'automatisme. Une exposition intitulée Un Art Autre a été organisé à Paris la même année que le livre de Tapié et inclus Appel, Burri, De Kooning, Dubuffet, Fautrier, Mathieu, Riopelle, Wols. Autres personnalités étaient Henri Michaux, Hans Hartung et Pierre Soulages. Le terme Art Autre, du titre du livre de Tapié, est également utilisé pour cet art, mais l'Art Informel semble avoir émergé comme le nom que vous souhaitez.
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Concevoir le style des années 1920 et 1930 en meubles, céramique, textiles, bijoux, verre, etc. , c'est aussi un style remarquable de l'architecture cinéma et hôtel. Nommé après que l'International Exhibition of Modern Decorative et Arts industriels, qui s'est tenue à Paris en 1925. Peut être vu comme successeur et une réaction contre l'Art Nouveau. Chef de différence de style Art Nouveau est l'influence du cubisme, Art Déco donnant généralement un caractère plus fragmenté, géométrique. Cependant, imagerie basées sur des formes végétales et courbes sinueuses sont restés dans un style Art déco, par exemple celui de Clarice Cliff en Grande-Bretagne. Art déco a été en effet très variée, montrant des influences de l'art égyptien antique, aztèque et autre art ancien d'Amérique centrale et la conception des navires modernes, des trains et des automobiles. Art Deco a également puisé dans l'architecture moderne et le design du Bauhaus et des architectes comme Le Corbusier et Mies van de Rohe.
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Terme français traduit comme « art brut ». , Terme inventé par l'artiste français Jean Dubuffet pour décrire l'art fait en dehors de la tradition de l'art, dominé par une formation académique, il a appelé « art culturel » — art culturel. Art Brut inclus graffiti et le travail des aliénés, prisonniers, enfants et naïf ou artistes primitifs. Ce que Dubuffet valorisée dans ce matériau était l'expression brute d'une vision ou émotions, illimitée par convention. Ces qualités, il a tenté d'intégrer dans son propre art, auquel le terme Art Brut s'applique aussi parfois. Dubuffet fait une grande collection d'Art Brut et fonde, en 1948, la Compagnie de l'Art Brut à promouvoir son étude. Sa collection se trouve maintenant dans un musée, La Collection de l'Art Brut dans la ville suisse de Lausanne. Une autre collection majeure, utilisant le terme « Outsider Art », est la Collection Musgrave Kinley Outsider Art, maintenant en prêt à l'Irish Museum of Modern Art, Dublin.
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