- Industry: Art history
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L'iconographie de cette oeuvre est l'imagerie en elle. Le terme vient de l'image de sens mot grec ikon. Une icône était à l'origine une image du Christ sur un panneau utilisé comme un objet de dévotion à l'Église grecque orthodoxe au moins le VIIe siècle le. D'où le terme icône est venu à être fixé à n'importe quel objet ou l'image qui est en circulation, ou a une signification particulière attachée à elle. Une iconographie est une plage particulière ou le système de types d'image utilisée par un artiste ou les artistes dans un sens particulier. Par exemple dans la peinture religieuse chrétienne, il y a une iconographie des images comme l'agneau qui représente le Christ, ou la colombe qui représente l'Esprit Saint. Dans l'iconographie du mythe classique cependant, la présence d'une colombe suggère que toute femme aussi présente serait la déesse Aphrodite ou Vénus, pour la signification des images particulières peut dépendre du contexte. Au XVIIIe siècle, William Blake a inventé une iconographie complexe personnelle pour illustrer sa vision de l'homme et Dieu, et beaucoup de bourses a été consacrée à interpréter. Du XXe siècle, que l'iconographie de le œuvre de Picasso est le plus souvent autobiographique, tandis que Joseph Beuys a développé une iconographie de substances comme le feutre, de graisse et de miel, d'exprimer ses idées sur la vie et de la société. , Iconographie (ou iconologie) est également la discipline universitaire de l'étude d'images dans l'art et leurs significations.
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Groupe italien formé en 1922 par Funi, Sironi, Carra et autres. Officiellement lancé en 1923 lors d'une réunion à Milan, avec Mussolini comme l'un des orateurs. Mussolini fut le fondateur du parti fasciste italien et en 1922 a pris le pouvoir pour devenir dictateur de l'Italie. Après étant représenté à la Biennale de Venise de 1924, le groupe divisé et a été réformé. Le nouveau Novecento Italiano mis en scène sa première exposition de groupe à Milan en 1926. De le groupe devait faire revivre la tradition de la peinture d'histoire de grand format de la manière classique. Le fascisme de groupe pris en charge et son travail s'associés avec le département de la propagande d'État.
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Dans le style Baroque art se réfère en particulier à des régimes décoratifs dans les bâtiments, notamment des peintures de plafond, où l'artiste utilise perspective et réduction pour créer, par exemple, l'illusion que le plafond est à ciel ouvert par des groupes de figures telles que les saints, les anges ou que ce soit. Ces effets sont aussi parfois appelés trompe le œil, une expression française signifiant trompe le œil. Plus généralement illusionnisme peut faire référence à n'importe quelle peinture qui s'efforce d'atteindre un haut degré de la mimesis, signifiant l'imitation de la réalité. Des niveaux élevés d'illusionnisme se trouvent généralement dans les natures mortes du XVIIe siècle. Si l'artiste choisit le sujet qui se prête particulièrement à la reproduction en peinture sur toile (c.-à-d. est essentiellement plat) les résultats peuvent être exceptionnellement efficaces. Un exemple est A trompe-l'oeil de Edward Collier de journaux, des lettres et des instruments sur une planche de bois. Dans la théorie de l'art moderne illusionnisme a été désapprouvée parce qu'il nie la vérité fondamentale de la planéité de la toile. Toutefois, les artistes surréalistes tels que Salvador Dalí et René Magritte ont l'utilisé à bon escient pour évoquer le monde alternatif de l'inconscient.
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Un espace de peinture épaisse, ou texture, dans un tableau. Tout d'abord perceptible dans les peintres de la Renaissance vénitienne Titien et le Tintoret, puis dans la peinture Baroque, par exemple Rubens. De plus en plus notable dans le paysage du XIXe siècle, le naturaliste et peinture romantique. Utilisation d'empâtement est devenu plus ou moins obligatoire dans l'art moderne, la vue s'est emparée que la surface d'une peinture doit avoir sa propre réalité plutôt que de simplement être une fenêtre de douce dans un monde d'illusion au-delà. Avec celui-ci est allé à l'idée que la texture de la peinture et la forme de la brushmark pourraient eux-mêmes contribuer à transmettre le sentiment, qu'ils sont une sorte d'écriture, qu'ils peuvent exprimer directement les émotions ou la réponse à la question de l'artiste. (Voir aussi gestuelle. Peinture ) A, dans laquelle empâtement est une caractéristique importante peut également dit être picturale. Ce terme porte l'implication que l'artiste est se délectant dans la manipulation de la peinture à l'huile elle-même et recourant au maximum de ses propriétés sensuelles. L'idée que l'artiste doit au premier plan les qualités innées des matières de l'ouvrage dans le cadre de son contenu est une centrale en art moderne et est résumée dans la vérité de l'expression aux matériaux (voir aussi la taille directe).
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Nouvelle façon de paysage de la peinture et des scènes de la vie quotidienne développé en France par Monet et d'autres depuis le début des années 1860. Photos de basé sur la pratique de la peinture fini hors des portes, par opposition à simplement faire des croquis (réellement pionnier en Grande-Bretagne par l'agent autour de 1813-17). Résultat était une plus grande sensibilisation de la lumière et la couleur et le motif mouvant de la scène naturelle. Pinceau devenue rapide et cassé en plots séparés pour rendre ces effets. Première exposition de groupe Paris 1874 accueillie avec dérision, Impression de Monet, soleil levant étant particulièrement distingué out et qui donne son nom au mouvement. Sept autres expositions organisées à intervalles à 1886. Autres artistes core, Camille Pissarro, Renoir, plus Degas et Manet en relation légèrement tangentielle. Deuxième génération du postimpressionnisme.
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Un groupe radical de jeunes artistes au sein de l'Institute of Contemporary Arts (ICA) à Londres. L'Independent Group, ou IG, a organisé la première fois au cours de l'hiver 1952-3, puis en 1953-4. , Il était responsable de la formulation, la discussion et la diffusion d'un grand nombre des idées fondamentales du British Pop art et de beaucoup d'autres nouvelles britannique art dans les années 1950 et 1960. Artistes de premier plan impliqués ont été Richard Hamilton, Nigel Henderson, John McHale, Eduardo Paolozzi et William Turnbull. Le IG a également inclus le critique Lawrence Alloway et Rayner Banham et les architectes Colin St John Wilson et Alison et Peter Smithson (voir Brutalisme). En 1953 l'IG met en scène l'exposition parallèle de l'Art et la vie et en 1956 la révolutionnaire c'est demain. Cette exposition à la Whitechapel Gallery de Londres a été pionnier de l'expression de l'IG, intérêt pour la culture populaire et commerciale. Comme Alloway mettre: "films, science fiction, publicité, musique Pop. Nous ressenti aucun de l'aversion pour l'élevage commercial standard parmi la plupart des intellectuels, mais il a accepté comme un fait, il a examiné en détail et il consommé avec enthousiasme ". C'est demain consistait en une série d'environnements, et un juke-box lues en continu.
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La conception des marchandises fabriquées en série, faits à la machine. Le mot était d'abord utilisée en Amérique dans les années 1920 pour décrire le travail des designers de spécialiste qui ont travaillé sur la conception du produit. Plus tôt, introduction de Henry Ford en 1913 de la ligne de production pour l'industrie automobile et ensuite pour la production des autres marchandises, a conduit à un déplacement dans le monde de l'art de tenter de souder ensemble les art et technologie. Constructivisme en Russie et à l'école du Bauhaus en Allemagne ont été inspiré par le nouvel âge de la machine, en mettant l'accent sur la forme suivant fonction, ils ont créé le design qui avait une forme abstraite, géométrique.
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Une écriture ancienne et moyen de dessin, encre est encore plus souvent faite de carbone et de liants, mais historiquement est également faite de sources végétales ou animales comme le gall fer et sépia. Encres sont traditionnellement noirs ou bruns, mais peut également contenir colorés des colorants ou des pigments. Ils servent traditionnellement avec des brosses martre ou variétés de plume, de roseau ou de stylo.
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Terme utilisé pour décrire les œuvres multimédias qui occupent un espace tout entier de la chambre ou de la Galerie et dans lequel le spectateur peut habituellement entrer. Certaines installations, toutefois, visent simplement à être promené et envisagé, ou sont tellement fragiles qu'ils ne peuvent être visualisés d'une porte, ou de l'une des extrémités d'une pièce. Installation art issu de la forme antérieure de l'environnement. , Un des initiateurs des environnements a été l'artiste américain Allan Kaprow dans les œuvres d'environ 1957 sur. Dans une interview non datée, publiée en 1965 Kaprow, dit de son premier environnement: ' je remplis tout simplement la Galerie entière — lorsque vous avez ouvert la porte vous vous trouvé au milieu d'un ensemble de l'environnement — les matériaux étaient variés : froissé de feuilles de plastique, cellophane, enchevêtrements de Scotch, sections de barré et recouvertes en émail et des morceaux de tissus colorés '. y étaient aussi lumières accrochées dans tout cela et "cinq magnétophones répartis dans l'espace joue des sons électroniques dont j'avais composé". Matériel divers (mixte), son et lumière est restés fondamentale à l'art de l'installation. De que lors de la création d'installations est devenu un volet important dans l'art moderne, plus en plus depuis environ 1990, et ont fait de nombreux artistes. En 1961 à New York, Claes Oldenburg a créé un environnement précoce, The Store, d'où son compteur et plaques avec pomme de terre et de jambon est livré. , Un des créateurs d'installations utilisant la lumière est James Turrell.
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Également décrit comme des environnements, le terme est utilisé pour décrire les constructions mixtes ou assemblages généralement conçues pour un lieu précis et pour une période temporaire. Œuvres occupent souvent un espace chambre ou Galerie tout entier que le spectateur a invariablement à traverser afin de s'engager pleinement dans le œuvre d'art. Certaines installations, toutefois, visent simplement à être promené et envisagé, ou sont tellement fragiles qu'ils ne peuvent être visualisés d'une porte, ou de l'une des extrémités d'une pièce. Installation art issu de la forme antérieure de l'environnement. , Un des initiateurs des environnements a été l'artiste américain Allan Kaprow dans les œuvres dès environ 1957. Dans une interview non datée, publiée en 1965 Kaprow, dit de son premier environnement: ' je remplis tout simplement la Galerie entière — lorsque vous avez ouvert la porte vous vous trouvé au milieu d'un ensemble de l'environnement — les matériaux étaient variés : froissé de feuilles de plastique, cellophane, enchevêtrements de Scotch, sections de barré et recouvertes en émail et des morceaux de tissus colorés. ' Il y avait aussi des lumières accrochées dans tout cela et ' cinq magnétos répartis dans l'espace joué des sons électroniques dont j'avais composé. ' Divers matériaux (mixte), son et lumière sont restés fondamentales à l'art de l'Installation. De que lors de la création d'installations est devenu un volet important dans l'art moderne, plus en plus depuis environ 1990, et ont fait de nombreux artistes. En 1961 à New York, Claes Oldenburg a créé un environnement précoce, The Store, d'où son compteur et plaques avec pomme de terre et de jambon est livré. , Un des créateurs d'installations utilisant la lumière est James Turrell.
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