- Industry: Art history
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En ce qui concerne l'art, la forme du terme a deux acceptions. Tout d'abord, il se réfère à la forme générale prise par le travail, de sa nature physique. En second lieu, au sein d'une œuvre d'art forme fait référence à l'élément de forme dans les différents éléments qui composent une œuvre. Peinture par exemple se compose des éléments de ligne, couleur, texture, espace, échelle et format ainsi que forme. Sculpture consiste presque exclusivement en forme. Jusqu'à ce que l'émergence de l'art moderne, quand la couleur est devenu son rival, forme a été l'élément le plus important dans la peinture et reposait avant tout sur le corps humain. Traitement ou création de forme dans l'art de l'artiste vise à modifier les apparences physiques afin de faire une nouvelle forme qui est expressif, c'est-à-dire, transmet une sensation ou la signification en soi. Dans l'art moderne que l'idée que la forme pourrait être expressif même si largement ou totalement divorcée des apparitions. En 1914, le critique Clive Bell a inventé la forme significative de terme pour décrire ce (voir formalisme). L'idée jouée un rôle important dans l'art abstrait. En 1914, les britanniques pioneer peintre abstrait David Bomberg a écrit: "je fais appel à un sens de la forme — lorsque j'utilise la forme naturaliste j'ai dépouillé de toute la matière hors de propos" mon objet est la construction de la forme Pure. ' Espace même peut avoir la forme — le sculpteur Henry Moore a fait remarquer que « un trou peut avoir autant sens de forme comme une masse solide ». (Voir aussi biomorphique. )
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En général, le formalisme du terme décrit la position critique que l'aspect le plus important d'une œuvre d'art est sa forme, c'est-à-dire, la façon dont il est fait et ses aspects purement visuelles, plutôt que son contenu narratif ou sa relation avec le monde visible. En peinture donc un formaliste critique porterait exclusivement sur les qualités de couleur, pinceau, forme, ligne et composition. Formalisme comme une attitude critique s'est produite en réponse à l'impressionnisme et le post-impressionnisme (notamment la peinture de Cézanne) chez qui l'accent sans précédent a été mis sur les aspects purement visuels de le œuvre. En 1890, le peintre et écrivain, Maurice Denis, publie un manifeste intitulé définition de Neo-Traditionism. Phrase de l'ouverture de la présente est un des textes plus souvent citées dans l'histoire de l'art moderne: « n'oubliez pas, qu'une photo, avant qu'il soit une image d'un cheval de bataille, une femme nue ou une histoire, est essentiellement une surface plane recouverte en couleurs disposées dans un certain ordre. ' Denis a souligné que le plaisir esthétique devait se trouve dans la peinture elle-même pas son sujet. En Grande-Bretagne, théorie de l'art formaliste a été développée par le peintre de Bloomsbury et critique Roger Fry et l'écrivain Bloomsbury Clive Bell. Dans son livre 1914 Art, Bell a formulé la notion de forme significative, que forme elle-même peut transmettre de sentiment. Tout ceci a conduit rapidement à l'art abstrait, un art de pure forme. Formalisme dominée par le développement de l'art moderne jusqu'aux années 1960 quand elle atteint son apogée dans la soi-disant nouvelle critique de la critique américain Clement Greenberg et autres, en particulier dans leurs écrits sur le champ de couleur peinture et de la Post Painterly Abstraction. , C'est précisément à ce moment-là ce formalisme a commencé à être contestée par le postmodernisme.
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Format est traditionnellement utilisé pour décrire la forme et les proportions de la prise en charge, par exemple la toile, d'un tableau ou autre œuvre d'art essentiellement plat comme un soulagement. Les deux plus courantes des formats conventionnels pour peintures sont le rectangle horizontal souvent dénommé format paysage et le rectangle vertical appelée portrait. Un autre format traditionnel mais moins commun est celui connu comme le tondo circulaire. Formats de square ont parfois été utilisés, notamment par exemple de JMW Turner et au vingtième siècle Ad Reinhardt. Le peintre abstrait que Piet Mondrian utilisé occasionnellement une toile carrée accrochée par un coin comme un diamant. Depuis les années 1960 sur une approche beaucoup plus libre pour mettre en forme est devenu évident dans certains des travaux d'artistes tels que Frank Stella et Ellsworth Kelly et la forme de la toile est devenue un élément important dans la composition de le œuvre.
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Un objet naturel ou d'origine humaine (ou fragment d'un objet) trouvés (ou parfois acheté) par un artiste et gardé à cause de quelque intérêt intrinsèque, l'artiste voit dedans. Found objets peuvent être mis sur un plateau et traités comme des œuvres d'art en eux-mêmes, en plus de fournir la source d'inspiration pour l'artiste. Le sculpteur que Henry Moore recueillis par exemple des os et silex qui il semble avoir traités comme des sculptures naturelles ainsi que les sources pour son propre travail. Found objets peuvent également être modifiés par l'artiste et présentés comme art, soit plus ou moins intact comme le Dada et surréaliste ready-made de l'artiste Marcel Duchamp, ou dans le cadre d'un assemblage. Comme si souvent, que Picasso était un donneur d'ordre, de 1912, quand il a commencé à intégrer ses collages cubistes de journaux et des choses telles que des boîtes d'allumettes et de faire ses constructions cubistes de divers matériaux de récupération. Utilisation étendue d'objets trouvés a été faite par les artistes Dada et surréaliste, Pop et par des artistes plus tard comme Carl Andre, Tony Cragg, Bill Woodrow, Damien Hirst, Sarah Lucas et Michael Landy parmi tant d'autres.
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Une technique de peinture murale développée en Italie depuis le treizième siècle et perfectionné à l'époque de la Renaissance. Deux couches de plâtre sont appliquées à un mur et laisser sécher. Sur la seconde, que la conception est dessinée dans les grandes lignes. Pour faire la peinture, une zone du mur correspondant à travail une journée d'est fraîchement plâtré et le design a retracé se joignant les parties non couvertes. Ce domaine est ensuite peint sur tout en restant humide, à l'aide de peinture à l'eau. La peinture est absorbée par le plâtre humide devient partie intégrante de celui-ci, ce qui en fait une technique murale durable. Quelques retouches peut être fait lorsque le plâtre est sec mais une fresque entière sur plâtre sec encourt à s'écailler.
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Automatiste surréaliste technique développée par Max Ernst en dessins fabriqués à partir de 1925. Frottage est le mot français pour le frottement. Ernst a été inspiré par un plancher en bois antique, où le grain des planches a été accentué par des années de lavage. Les patrons des images étranges suggérés grainage pour lui. Il a capturé en portant des feuilles de papier sur le plancher et ensuite frotter dessus avec un crayon. Les résultats suggèrent des forêts mystérieuses peuplés de créatures de l'oiseau et Ernst publia un recueil de ces dessins en 1926 intitulé Histoire Naturelle (natural history). Il a continué à utiliser un large éventail de surfaces texturées et rapidement adapté à la technique de peinture à l'huile, qualifiant de grattage (grattage). De grattage la toile est préparée avec une couche, ou plus de peinture puis posée sur l'objet texturé qui est ensuite grattée sur. Forêt dans Ernst et colombe que les arbres semblent avoir été créé par raclage sur l'épine dorsale d'un poisson.
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Mouvement artistique lancé par le poète italien Filippo Tommaso Marinetti en 1909. Le 20 février, il publie son manifeste du futurisme sur la première page du journal de Paris Le Figaro. Entre les mouvements modernistes futurisme a été exceptionnellement véhément dans sa dénonciation du passé. C'est parce qu'en Italie, le poids de la culture depuis a été ressenti comme particulièrement oppressant. Dans le manifeste, Marinetti a affirmé que « nous libérerons Italie de ses innombrables musées qui lui couvrir comme d'innombrables cimetières ». Ce que les futuristes proposé à la place était un art qui a célébré le monde moderne de l'industrie et de la technologie: « nous déclarons — une nouvelle beauté, la beauté de la vitesse. Une course automobile voiture — est plus belle que la victoire de Samothrace. ' (A célébré la sculpture grecque antique au Musée du Louvre à Paris. ) Futuriste peinture utilise plusieurs éléments néo-impressionnisme et cubisme pour créer des compositions qui exprime l'idée du mouvement, de la vie moderne, l'énergie et le dynamisme. Chef artistes étaient Boccioni, Balla, Severini. Boccioni a été un important sculpteur mais aussi peintre.
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Art fait par un système prédéterminé qui inclure souvent un élément de hasard. La pratique s'enracine dans Dada, pourtant c'était l'artiste pionnier Harold Cohen qui a été examiné le des premiers praticiens de l'art génératif, quand il a utilisé des robots commandés par ordinateur pour générer des tableaux dans les années 1960. Plus récemment le vainqueur du prix Turner que Keith Tyson construit un ArtMachine, un système complexe récursif qui a généré des propositions détaillées des œuvres d'art pour Tyson à faire. Generative art est surtout utilisé en référence à une certaine forme d'art fait sur le net, notamment parce que les artistes concevoir des programmes qui sont accessibles et contrôlées par le public. Art génératif est également associé à art de processus.
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Peintures de sujets de la vie quotidienne, généralement petite échelle. Avancés, particulièrement en Hollande au XVIIe siècle, plus généralement des scènes de la vie paysanne ou de boire dans les tavernes. Sujets de morale moderne de en Grande-Bretagne Hogarth ont été une sorte de genre, de leur franchise et souvent mordant de la satire sociale. Plus simple genre peinture émergés à plus tard du XVIIIe siècle par exemple G Morland, H Morland et Wheatley. Est devenu immensément populaire dans l'époque victorienne, après le succès des travaux qualifié avec brio mais profondément sentimental de Wilkie. Genre de peinture est un des cinq genres ou types de peinture, établie au dix-septième siècle.
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Les genres ou types de peinture, ont été codifiées au XVIIe siècle par l'Académie royale de France. Par ordre décroissant d'importance, les genres ont été historique, Portrait, Genre, paysages et natures mortes. Ce tableau de la Ligue, connu comme la hiérarchie des genres, reposait sur la notion de l'homme la mesure de toutes choses — paysages et natures mortes étaient les plus faibles parce qu'ils n'impliquaient pas de sujet humain. Histoire était le plus élevé parce qu'il a traité avec les événements plus nobles de l'histoire humaine et avec la religion.
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