- Industry: Art history
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Association des artistes abstraits mis en place à Paris en 1931 avec le but de promouvoir l'art abstrait à travers des expositions collectives. Adhésion rapidement acquise à environ 400. Dirigeants étaient Herbin et Vantongerloo, mais chaque grand peintre abstrait ont participé, y compris des personnalités comme Gabo, Kandinsky et Mondrian. In Britain membres des groupements modernistes sept et cinq de la société et une unité, maintenus en contact étroit avec l'Abstraction-Création. Les membres de leur chef étaient Hepworth, Moore, Nicholson, Nash et Piper. Abstraction-Création embrassé l'ensemble du domaine de l'art abstrait, mais tendue vers les formes plus austères, représentées par l'art concret, constructivisme et néo-plasticisme. Expositions régulières ont eu lieu jusqu'en 1936 et cinq publications annuelles ont été délivrées.
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Terme appliqué aux nouvelles formes de l'art abstrait, mis au point par les peintres américains dans les années 1940 et 1950. L'abrégé expressionnistes reposaient principalement à New York et est aussi fait connaître comme l'école de New York. Le nom évoque leur objectif de faire de l'art qui, en résumé, était aussi expressive ou émotive dans ses effets. Ils étaient inspirés par l'idée surréaliste qu'art doit provenir de l'inconscient et par l'automatisme de Miró. Au sein de l'expressionnisme abstrait ont été deux grandes catégories. Il s'agissait des soi-disant peintres action dirigées par Pollock et De Kooning et les peintres du champ coloré, notamment Rothko, Newman et encore. Les peintres d'action travaillées d'une manière improvisée spontanée, souvent à l'aide de grosses brosses pour faire le balayage de marques gestuelles. Pollock a placé sa toile au sol et dansé autour de lui verser directement de la peinture de la can ou il traîne de la brosse ou un bâton. De cette façon qu'ils placés directement leurs impulsions intérieures sur la toile. Les peintres de champ la couleur étaient profondément intéressés à la religion et des mythes. , Ils ont créé des compositions simples avec de grandes zones d'une seule couleur destinée à produire une réponse contemplative ou méditation dans la visionneuse.
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Le terme abrégé proprement parler veut dire séparer ou de retirer quelque chose de quelque chose d'autre. En ce sens s'applique à l'art dans lequel l'artiste a commencé avec quelques objet visible et abstrait des éléments qu'il arrive à plus ou moins simplifiées ou schematised forme. Terme également appliqué à l'art à l'aide de formes qui n'ont aucune source du tout dans la réalité extérieure. Ces formes sont souvent, mais pas nécessairement, géométriques. Certains artistes de cette tendance ont préféré les termes tels qu'art concret ou art non-objectif, mais dans la pratique, le terme abrégé est utilisé dans tous les domaines et la distinction entre les deux est de toute façon pas toujours évidente. Un cluster d'idées théoriques se trouve derrière l'art abstrait. Saké de l'idée de l'art pour l'art — d'art purement sur la création de superbes effets. L'idée que l'art peut ou devrait être comme une musique — que tout comme la musique est patrons du son, les effets de l'art doivent être créés par purs patterns de formes, de couleurs et de ligne. L'idée, dérivée du philosophe grec Platon, que la plus haute forme de beauté se trouve pas dans les formes du monde réel, mais en géométrie. L'idée que l'art abstrait, dans la mesure où elle ne représente pas le monde matériel, peut être considéré pour représenter le spirituel. Art abstrait en général est considéré comme portant une dimension morale, car il peut être vu de se présenter aux vertus telles que l'ordre, de pureté, de simplicité et de spiritualité. Les pionniers de la peinture abstraite furent Kandinsky, Malevitch et Mondrian d'environ 1910-20. Un pionnier de la sculpture abstraite était le constructiviste russe Naum Gabo. Depuis lors, l'art abstrait a formé un flux central de l'art moderne.
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L'abject est un complexe psychologique, philosophique et linguistique concept développé par Julia Kristeva dans son livre 1980 pouvoirs de l'horreur. Elle a été en partie influencée par les idées antérieures de l'écrivain français, le penseur et le surréaliste dissident, Georges Bataille. On peut dire très simplement que l'abject est composé de ces éléments, en particulier du corps, qui transgressent et menacent notre sentiment de propreté et de la bienséance. Kristeva elle-même a commenté "ordures et les cadavres me montrent ce que j'ai en permanence Poussée de côté afin de vivre". Dans la pratique l'abjecte couvre toutes les fonctions corporelles, ou les aspects du corps, qui sont considérées comme impur ou inapproprié pour l'affichage public ou de discussion. L'abject présente un fort contexte féministe, femelles fonctions corporelles en particulier sont « abjected » par un ordre social patriarcal. Dans les années 1980 et 1990 de nombreux artistes a pris connaissance de cette théorie et il reflètent dans leur travail. En 1993, le Whitney Museum, New York, ont organisé une exposition intitulée Art abjecte : répulsion et désir dans l'Art américain, qui a donné le terme une monnaie plus large dans l'art. Cindy Sherman est considérée comme essentielle à l'abject en art, ainsi que bien d'autres dont Louise Bourgeois, Helen Chadwick, Paul McCarthy, Gilbert & George, Robert Gober, Carolee Schneemann, Kiki Smith et Jake et Dinos Chapman.
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En 1906, un groupe d'écrivains français, artistes et compositeurs ont établi l'Abbaye de Créteil dans une villa à Créteil, au sud-est de Paris. Le mouvement inclus les peintres Albert Gleizes, Charles Berthold-Mahn et Jacques d'Otemar, les poètes Charles Vildrac, Georges Duhamel, René Arcos, Alexandre Mercereau, Jules Romains et Henri-Martin Barzun, le compositeur Albert Doyen et l'imprimante Lucien Linard. Le groupe a été en partie inspiré par l'écrivain de la Renaissance française François Rabelais, qui avaient écrit sur une commune autonome un monastère appelé l'Abbaye de Thelema qui avait défendu le travail de groupe et des auto-amélioration intellectuelle. Communauté de l'Abbaye de Créteil n'a duré que jusqu'en février de 1908, encore dans sa brève existence, il appuie les travaux de Roger Allard, qui deviendra un promoteur du cubisme et les œuvres du poète français Pierre-Jean Jouve.
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Une technique de gravure qui utilise l'action chimique pour produire des lignes gravées dans une plaque métallique. La plaque, traditionnellement en cuivre mais maintenant généralement de zinc, est préparé avec un sol résistant à l'acid. Les lignes sont dessinées à travers le sol, exposant le métal. La plaque est ensuite plongé dans l'acide et le métal exposé est « mordu », produisant des lignes incisées. Des lignes de produits plus profondément mordu plus fortes exposition acide et plus longue. L'étude resist est supprimé et l'encre appliquée aux lignes enfoncés, mais effacé de la surface. La plaque est ensuite placée contre papier et passé à travers une presse taille-douce avec forte pression pour transférer l'encre des lignes encastrées. Encre peut-être parfois être laissé sur la surface de la plaque pour fournir une tonalité de fond. Gravure a été utilisée pour la décoration métal dès le XIVe siècle, mais a été probablement pas utilisée pour la gravure bien avant le début du XVIe siècle. Depuis puis eau-forte de nombreuses techniques ont été développées, qui sont souvent utilisés en conjonction avec l'autre : soft-motif gravure utilise une intarissable résister ou au sol, pour produire des lignes plus douces ; broche bouchée implique l'acide peinture ou éclaboussures sur la plaque ; béance dans lesquelles des zones de la plaque sont exposés à acide avec aucune résistance ; photo-gravure (également appelé photogravure ou heliogravue) est produit par le revêtement de la plaque d'impression avec un léger motif d'acide-résistance sensible et puis exposer cela à la lumière de reproduire une image photographique. Foul mordre les résultats de l'érosion accidentelle ou involontaire de l'acide résistent.
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Britannique moderne réaliste le groupe formé en 1938 des artistes qui ont tous soit enseigné ou étudié à l'école de peinture et de dessin à 316 Euston Road à Londres. Ils se trouvaient dans une réaction consciente contre les styles avant-gardistes. Au lieu de cela ils ont affirmé l'importance de la peinture des sujets traditionnels d'une manière réaliste. Cette attitude était fondée sur un programme politique pour créer un art largement compréhensible et socialement pertinent. Certains d'entre eux étaient membres du parti communiste. Cependant leur travail n'est pas propagandiste de la manière du réalisme socialiste. Les artistes étaient Graham Bell, William Coldstream, Lawrence Gowing, Rodrigo Moynihan, Victor Pasmore et Claude Rogers.
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Plus précisément et avec une majuscule, le terme est associé à art allemand moderne, en particulier la Brücke et Blaue Reiter des groupes, mais dans ce sens étroit correspond mieux au expressionnisme allemand. Expressionnisme comme un général entend art dans lequel l'image de la réalité est plus ou moins fortement déformé dans la forme et la couleur pour la rendre expressive des sentiments intérieurs d'artistes ou idées à ce sujet. Dans l'art expressionniste couleur en particulier peut être très intenses et non-naturaliste, pinceau est généralement libre et application de peinture tend à être généreux et très texturée. Art expressionniste tend à être émotionnel et parfois mystique. Il peut être vu comme une extension du romantisme. Dans sa forme moderne, on peut dire de commencer avec Van Gogh et forment alors un flux important de l'art moderne, englobant, entre autres, groupes de Munch, le fauvisme et Matisse, Rouault, la Brücke et Blaue Reiter, Schiele, Kokoschka, Klee, Beckmann, la plupart des Picasso, Moore, Sutherland, Bacon, Giacometti, Dubuffet, Baselitz, Kiefer et l'expressionnisme nouvelle des années 80. Il est allé abstraite avec l'expressionnisme abstrait.
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Une fascination avec des fées et le surnaturel est un phénomène de l'époque victorienne et a donné lieu à un brin distinctif d'art représentant des sujets de fée tirées de mythe et légende et particulièrement à partir de Shakespeare joue le de rêve songe d'une nuit. Rapide, pré-victorienne, on peut citer Fuseli, Blake et Von Holst. Fitzgerald en est plus tard Dadd créé des peintures de keynote, mais plus cohérente et convaincante. Illustrations de fée notable aussi provoquée de Richard Doyle. Autre contributions proviennent de nombreux peintres dont Landseer et même Turner. Épanouissement final franchies dans les livres illustrés de Rackham autour de 1900-14.
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Un faux ou la falsification est une copie d'une œuvre d'art ou une œuvre d'art dans le style d'un artiste particulier, qui a été produit avec l'intention de tromper. Le plus tristement célèbre faussaire du XXe siècle a été le peintre hollandais Han Van Meegren qui a fait de nombreuses peintures prétendant être de Jan Vermeer. (voir aussi la réplique)
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