- Industry: Art history
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Einer natürlichen oder künstlichen Objekt (oder Fragment eines Objekts) gefunden (oder manchmal gekauft) von einem Künstler und gehalten weil einige systeminterne Interesse der Künstler sieht in ihm. Found Objekte möglicherweise setzen auf einem Regal und als Kunstwerke in sich selbst, sowie die Inspiration für den Künstler behandelt. Des Bildhauers, den Henry Moore zum Beispiel zusammengestellt, Knochen und Feuersteine, die er als natürliche Skulpturen sowie Quellen für seine eigene Arbeit behandelt zu haben scheint. Found Objekte können auch geändert, indem der Künstler und dargestellt als Kunst, mehr oder weniger intakt wie in der Dada und Surrealismus des Künstlers Marcel Duchamp Readymades oder als Teil des ein Gefüge. Wie so oft, Picasso Originator, ab 1912 war, er begann, Zeitungen und solche Dinge wie Streichholzschachteln in seiner kubistischen Collagen zu integrieren und seine kubistische Konstruktionen aus verschiedenen erbeutete Materialien machen. Umfangreiche Objekte gefunden wurde, von Dada, Surrealismus und Pop-Künstlern und später Künstler wie Carl Andre, Tony Cragg, Bill Woodrow, Damien Hirst, Sarah Lucas und Michael Landy u.a. genutzt.
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Eine Wandmalerei-Technik in Italien aus über das dreizehnte Jahrhundert entwickelt und perfektioniert, zur Zeit der Renaissance. Zwei Schichten des Putzes sind auf einer Wand angewendet und erlaubt, zu trocknen. Auf dem zweiten, wenn das Design im Umriss gezeichnet wird. , Gemälde, ein Gebiet von der Wand entspricht einem Arbeitstag zu machen ist frisch verputzt und das Design nachvollzogen mit ungedeckten Teilen verbinden. In diesem Bereich ist dann auf während noch nass, mit Wasser-basierten Paint gemalt. Die Farbe ist in den feuchten Putz integraler Bestandteil davon, so dass es eine dauerhafte Wandbild Technik absorbiert. Einige Retuschieren von kann getan werden, wenn der Putz trocken ist, aber eine ganze Fresko auf den trockenen Putz haftet zu abblättern.
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Surrealistische Automatist Technik entwickelt von Max Ernst in Zeichnungen von 1925. Frottage ist das französische Wort für reiben. Ernst inspirierte wo das Korn der Bretter durch viele Jahre der Wäsche noch verschärft wurde hatte einen alten Holzboden. Die Muster der Körnung vorgeschlagene seltsame Bilder zu ihm . Er diese durch Blatt Papier auf den Boden legen und dann reiben Sie mit einem weichen Bleistift gefangen genommen. Die Ergebnisse legen nahe, geheimnisvolle Wälder mit Vogel-ähnliche Kreaturen bevölkert und Ernst veröffentlichte eine Sammlung dieser Zeichnungen 1926 unter dem Titel Histoire Naturelle (Natural History). , Er ging auf eine Vielzahl von strukturierten Oberflächen verwenden und schnell angepasst die Technik, Ölgemälde, nannte es Grattage (kratzen). In Grattage die Leinwand ist bereit mit einer Schicht oder mehreren Malen dann über das texturierte-Objekt, das dann über geschabt ist gelegt. Im Ernst Wald und Dove scheinen die Bäume kratzen über das Rückgrat eines Fisches erstellt worden sein.
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Kunst-Bewegung, die von der italienische Dichter Filippo Tommaso Marinetti 1909 ins Leben gerufen. Am 20. Februar veröffentlichte er sein Manifest des Futurismus auf der Titelseite der Pariser Zeitung Le Figaro. Unter modernistischen Bewegungen Futurismus war außergewöhnlich vehement seine Kündigung der Vergangenheit. Dies war, weil das Gewicht der vergangenen Kultur in Italien als besonders bedrückend fühlte. In das Manifest, Marinetti behauptet, dass 'wir Italien von ihren unzähligen Museen, die ihr wie unzählige Friedhöfe bedecken frei'. Was die Futuristen stattdessen vorgeschlagen war eine Kunst, die die moderne Welt der Industrie und Technik gefeiert: "Wir erklären — eine neue Schönheit, die Schönheit der Geschwindigkeit. Rennsport motor Auto — ist schöner als der Sieg von Samothrake. ' (A feierte antike griechische Skulptur im Louvre in Paris. ) Futuristischen Malerei verwendet Elemente der Neoimpressionismus und Kubismus Kompositionen zu erstellen, die die Idee der Dynamik, Energie und Bewegung, des modernen Lebens ausgedrückt. Chief Künstler waren Balla, Boccioni, Severini. Boccioni war eine bedeutende Bildhauer sowie Maler.
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Kunst, die von einem vorgegebenen System, die oft ein Element des Zufalls enthalten. Die Praxis hat seine Wurzeln im Dada, aber es war der Pionier Harold Cohen der auf der ersten Praktiker der generativen Kunst galt wenn er Computer-gesteuerte Roboter zum Generieren von Gemälden in den späten 1960ern verwendet. Vor kurzem der Turner Prize-Gewinner, die Keith Tyson ein ArtMachine gebaut, ein komplexes rekursives System, die detaillierte Vorschläge für Kunstwerke für Tyson machen generiert. Generative Kunst wird überwiegend in Bezug auf eine bestimmte Art von Kunst im Netz, eingesetzt, insbesondere weil Künstler Programme entwickeln, die abgerufen und von der Öffentlichkeit kontrolliert werden kann. Generative Kunst ist auch Prozess Kunst zugeordnet.
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Gemälde von Themen aus dem Alltag, in der Regel klein. Entwickelt, insbesondere in Holland im siebzehnten Jahrhundert, am meisten in der Regel mit Szenen aus dem bäuerlichen Leben oder trinken in Tavernen. In Großbritannien Hogarth moderne moralische Themen waren eine besondere Art von Genre, in ihrer Offenheit und oft beißen Sozialsatire. Einfacher Genre Malerei entstand in späteren achtzehnten Jahrhundert in zum Beispiel G Morland, H Morland und Wheatley. Wurde im viktorianischen Zeitalter nach Erfolg von hervorragend qualifizierten aber tief sentimental Arbeit von Wilkie sehr beliebt. Genre-Malerei ist eine der fünf Genres oder Arten der Malerei, im siebzehnten Jahrhundert gegründet.
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Die Genres oder Arten der Malerei, wurden von der Académie Royal im siebzehnten Jahrhundert kodifiziert. In absteigender Reihenfolge ihrer Bedeutung den Genres waren Geschichte, Portrait, Genre, Landschaft und Stilleben. Dieser Ligatabelle, bekannt als der Hierarchie der Genres, stützte sich auf den Begriff der Mensch das Maß aller Dinge – Landschaft und Stillleben waren die niedrigste, weil nicht menschlichen Gegenstand Konstruktionsmethoden. Geschichte am höchsten war, da er mit den edelsten Veranstaltungen der menschlichen Geschichte und Religion.
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Begriff prägte die britische Kritiker und Dichter Herbert Read, 1952. Er die Phrase in einer Rezension von der britische Pavillon auf der Biennale des gleichen Jahres verwendet. Die Briten Beitrag war eine Ausstellung der Arbeiten der Gruppe junger Bildhauer, die unmittelbar nach dem zweiten Weltkrieg im Zuge der ältere Henry Moore hervorgegangen. ihre Arbeit und die der Moore zu jener Zeit war geprägt von stacheligen, fremd aussehende oder, verdreht, gefoltert, misshandelte oder gestrahlt suchen menschliche oder manchmal Tier Zahlen. , Die sie ausgeführt wurden in Bronze oder geschweißte Metall entkernt und anschaulich ausgedrückt verschiedener Zustände des Geistes und Emotionen, die Ängste und Befürchtungen der Nachkriegszeit. Die Künstler waren Robert Adams, Kenneth Armitage, Reg Butler, Lynn Chadwick, Geoffrey Clarke, Bernard Meadows, Eduardo Paolozzi und William Turnbull. A-Skulptur von Moore war außerhalb des Pavillons. ihrer Arbeit Read schrieb: "diese neuen Bilder gehören zu der Ikonographie der Verzweiflung oder der Missachtung; und weitere unschuldige des Künstlers, desto effektiver überträgt er die Kollektivschuld. Sind hier Bilder von Flug- oder unregelmäßigen Klauen "Selbstversenkung der Etagen der stillen Meere", der verabscheute Fleisch, Geschlecht, die Geometrie der Angst frustriert. ' Das Angebot innerhalb der lesenden Text ist von dem Dichter TS Eliot 'Prufrock'. Wiesen die schwarze Krabbe 1952 kann Lesen Bild des 'unregelmäßige Klauen "Versenkung" ' bezeichnet haben.
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Oberbegriff von 1714 bis 1830 auf die Stile, die durch die Kontrolle über die vier King Georges in Großbritannien weit verbreitet angewendet. Bezieht sich normalerweise auf Architektur, Möbel, Silber und dergleichen, anstatt Malerei. Unifying charakteristisch, sofern vorhanden, eine bestimmte klassische Zurückhaltung und Harmonie.
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Ein Begriff, der ursprünglich eingesetzt, die Malerei des abstrakten Expressionismus Künstler Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Hans Hofmann und andere beschreiben wurden. Was sie gemeinsam hatten, war die Anwendung von Farbe im freien großen Gesten mit dem Pinsel. In Pollock Fall möglicherweise der Pinsel ein getrocknet, oder einen Stock in die Farbe getaucht und über die Leinwand schleppte. , Die er auch direkt aus der Dose ausgeschüttet. Die Idee war, dass der Künstler seine inneren Impulse physisch handeln würde und etwas von seiner Emotion oder Geisteshaltung von den Betrachter in die resultierende Farbe-Marken gelesen werden würde. De Kooning schrieb: Ich male so, weil ich mehr und mehr Dinge hinein setzen zu halten, können — Drama, Wut, Schmerz, Liebe — mit Ihren Augen wird es wieder eine Emotion oder eine Idee. ' Ein solcher Ansatz zur Malerei hat seinen Ursprung im Expressionismus und Automatismus (vor allem die Gemälde von Joan Miró). In seiner 1970 Geschichte, abstrakter Expressionismus, Irvine Sandler unterscheiden zwei Zweige der Bewegung, die 'Geste Maler' und die 'Farbe Feld'-Maler. Der Begriff gestische ist gekommen, um auf alle Gemälde, die in dieser Weise geschehen angewendet werden.
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