- Industry: Art history
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Steht für Bundesministerium Kunstprojekt (Works Progress Administration). An amerikanischen Regierungsprogramm, Arbeit für Arbeitslose Künstler während der großen Depression der 1930er Jahre zu geben. Es war einer aus einer Aneinanderreihung der Kunst Programme Satz oben unter der amerikanische Präsident Roosevelts New Deal Politik zur Bekämpfung der Depression. 1933 Richtete er die öffentliche Arbeiten der Kunst-Projekt das in fünf Monaten 3.749 Künstler beschäftigt der produzierte 15.633 Kunstwerke für öffentliche Einrichtungen. Bilder wurden erwartet, um amerikanische Szenen zu sein, aber ansonsten Künstler erhielten völlige Freiheit. Von 1934-43 der Treasury Abschnitt für Malerei und Skulptur beschäftigte Künstler Gemälde, Wandbilder und Skulptur für die Verschönerung der Regierungsgebäude zu schaffen. Von 1935-39 lief das Finanzministerium auch eine parallele Regelung, die Treasury-Kunst-Hilfsfonds. The Federal Art Project, verwaltet durch die Works Progress Administration, lief von 1935-43 und innerhalb eines Jahres nach Beginn war einige 5.500 Künstler, Lehrer, Designer, Handwerker, Fotografen und Forscher beschäftigt. Einige der wichtigsten Werke, die aus diesen Projekten kam Wandbilder in öffentlichen Gebäuden am Beispiel der mexikanischen Muralists inspiriert wurden. Diese Programme gab einen enormen Schub an Art in America, nicht zuletzt durch die Anhebung der Moral von Künstlern und sind jetzt gilt ein entscheidender Faktor bei der Explosion der Kreativität in der amerikanischen Kunst nach gewesen zu sein die zweite Welt Krieg (siehe abstrakten Expressionismus). Tate hat keine Werke aus dem Bundes-Kunst-Projekt selbst. Illustrated hier sind spätere Werke von Künstlern, die auf der FAP gearbeitet.
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Kann von Frauen als Kunst definiert werden Künstler bewusst im Lichte der Entwicklungen in der Kunsttheorie der feministischen seit etwa 1970 gemacht. 1971 Veröffentlicht die Kunsthistorikerin Linda Nochlin einen bahnbrechenden Aufsatz 'Warum haben es wurde No Great Women Artists?'. In es untersucht sie die sozialen und wirtschaftlichen Faktoren, die talentierte Frauen daran gehindert hatte, den gleichen Status wie ihre männlichen Kollegen zu erreichen. Von den achtziger Jahren Kunst Historiker wie Griselda Pollock und Rozsika Parker wollten weiter, die Sprache der Kunstgeschichte mit seinen Geschlecht belasteter Begriffe wie Altmeister und Meisterwerk zu untersuchen. sie in Frage gestellt, den zentralen Ort der weiblicher Akt im westlichen Kanon, Fragen, warum Männer und Frauen so unterschiedlich dargestellt werden. 1972 In seinem Buch Sichtweisen des marxistischen Kritiker John Berger hatte geschlossen ' Männer betrachten Frauen. Frauen sehen sich angeschaut wird '. Anderen Worten westlichen Kunst repliziert die ungleichen Beziehungen in der Gesellschaft bereits eingebettet. Feministische Kunst folgte eine ähnliche Flugbahn. In die manchmal sogenannte erste Welle feministischen Kunst, Frauen, die Künstler schwelgte in feminine Erfahrung, vaginal Bilder und Menstruationsblut, Erkundung, posiert nackt als Göttin Zahlen und trotzig mit Medien wie Stickerei, die 'women's Work' gegolten hatte. Eines der großen Ikone Werke dieser Phase feministischer Kunst ist Judy Chicagos The Dinner Party, 1974-79. Späteren feministischen Künstler lehnte diesen Ansatz und versucht, den Ursprung unserer Ideen von Weiblichkeit und Weiblichkeit offenbaren. Sie verfolgt die Idee der Weiblichkeit als eine Maskerade — eine Reihe von Posen angenommen durch Frauen, sozialen Erwartungen der Weiblichkeit entsprechen.
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Seit der Ankunft der abstrakten Kunst wurde der Begriff figurative eingesetzt, jede Form der modernen Kunst bezeichnet, die starken Verweise der realen Welt und ganz besonders die menschliche Figur behält. In einem allgemeinen Sinn, die figürlichen gilt auch rückwirkend für alle Kunst vor der abstrakten Kunst. Moderne figurative Kunst kann im Unterschied zu modernen Realismus gesehen werden, in diesem figurative Kunst moderne Idiome verwendet, während die moderne Realisten im Stile datierten so Postimpressionismus (mehr oder weniger) arbeiten. In der Tat ist die moderner figurativer Kunst mehr oder weniger identisch mit der allgemeinen Strömung des Expressionismus, die durch des zwanzigsten Jahrhunderts und zurückverfolgt werden kann. Picasso nach über 1920 ist das große Vorbild der modernen figurativen Malerei und Alberto Giacometti seit etwa 1940 ist der große figurativer Bildhauer. Nach dem zweiten Weltkrieg Figuration kann verfolgt werden, durch die Arbeit von Francis Bacon, Lucian Freud und die anderen Künstler der School of London und durch Pop-Art, Neoexpressionismus, und neuen Geist-Malerei.
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Französische phrase Bedeutung Ende des Jahrhunderts. Als historischer Begriff bezieht sich speziell auf Ende des neunzehnten Jahrhunderts und sogar speziell zum Jahrzehnt der 1890er Jahre. Regenschirm Begriff umarmen, Symbolik, Dekadenz und alle damit zusammenhängenden Phänomene (z.B. Jugendstil) die erreichte seinen Höhepunkt in diesem Jahrzehnt. Fast gleichbedeutend mit Begriffen der achtzehn der neunziger Jahre, Mauve-Jahrzehnt, das gelbe Jahrzehnt Naughty der neunziger Jahre. Fin de Siècle drückt jedoch apokalyptische Sinn für Ende einer Phase der Zivilisation. Geist, die beispielhaft in Frankreich von Toulouse-Lautrec und in Großbritannien Beardsley und Conder. Real Ende kam nicht in 1900, sondern mit dem ersten Weltkrieg 1914. (Siehe auch Edwardian. )
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Der neunzehnten Jahrhundert französische Dichter Charles Baudelaire identifiziert der Flaneur (Kinderwagen) in seinem Essay 'Die Maler des modernen Lebens' (1863) als Dilettante Beobachter des modernen städtischen Lebens, ein Zeichen, dass die Funktionen in vielen impressionistischen Gemälden und wurde im 20. Jahrhundert von der Situationisten aufgenommen.
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Eine internationale Avantgarde-Gruppe oder kollektiv gegründet und im Jahr 1960 seinen Namen gegeben, der Litauisch-amerikanischer Künstler George Maciunas; mit der ursprünglich für eine gleichnamige Zeitschrift die Arbeit einer Gruppe von Künstlern und Komponisten zentriert um John Cage. Der lateinische Name bedeutet fließen. Auf Englisch eine Flux eine fließende ist heraus. Maciunas sagte, dass der Zweck des Fluxus, war ' fördern eine revolutionäre Flut und Flut in der Kunst, lebendige Kunst, fördern Antikunst '. Dies hat starke Anklänge an Dada, Fluxus viel gemeinsam hatten. Die Gruppe verschmolzen auf dem Kontinent, zuerst in Deutschland, wo Maciunas für die US-Armee arbeitete. Fluxus anschließend inszenierte eine Reihe von Festivals in Paris, Kopenhagen, Amsterdam, London und New York an dem enthaltenen Aktivitäten Konzerte avantgardistische Musik und Performances, die oft verschütten raus auf die Straße. Fast alle Avantgarde-Künstler der Zeit in Fluxus, wie Joseph Beuys, Dick Higgins, Alice Hutchins, Yoko Ono, Nam June Paik, Ben Vautier, Robert Watts, Emmett Williams, teilgenommen und es spielte eine wichtige Rolle bei der Öffnung der Definitionen von was Kunst, führte zu intensiven und fruchtbaren Pluralismus in der Kunst seit den 1960er Jahren (siehe zB Konzeptkunst gesehen werden kannPerformance-Kunst, Film & Video-Kunst, Postmoderne). Zu seiner Blütezeit war der 1960er Jahre, aber es noch immer.
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Bezeichnung für die Behandlung eines Objekts oder den menschlichen Körper in einem Bild in der Perspektive von in der Nähe der Sicht und im rechten Winkel auf die Bildfläche zu sehen. Zum Beispiel einen Körper aus entweder die Füße oder die Oberseite des Kopfes betrachtet.
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In Bezug auf Kunst hat die Begriff Form zwei Bedeutungen. Zuerst bezieht sich auf die Gesamtform der Arbeit erlittenen — seine physische Natur. Zweitens innerhalb eines Kunstwerks Form bezieht sich auf das Element der Form unter den verschiedenen Elementen, aus denen sich eine Arbeit. Malerei zum Beispiel besteht aus den Elementen von Linie, Farbe, Textur, Raum, Umfang, und Format sowie Form. Skulptur besteht fast ausschließlich aus Formular. , Bis die Entstehung der modernen Kunst, als Farbe seiner Rival, Form wurde das wichtigste Element in der Malerei war und vor allem auf den menschlichen Körper beruhte. In Behandlung oder Formular zu erstellen, in der Kunst des Künstlers soll natürliche Erscheinungen zu ändern, um ein neues Formular, das ist ausdrucksstark, das heißt, vermittelt einige Empfindung zu machen oder was bedeutet an sich. In der modernen Kunst, wuchs die Idee, dass Form expressive, selbst wenn weitgehend oder vollständig von Erscheinungen geschieden sein könnte. 1914 Prägte die Literaturkritiker Clive Bell Begriff bedeutende Form um (siehe Formalismus) zu beschreiben. Die Idee spielte eine wichtige Rolle in der abstrakten Kunst. 1914 Pionier die britischen Maler David Bomberg schrieb: ' Ich appelliere an ein Gefühl der Form — wo ich naturalistische Form benutze habe ich es alles irrelevante Frage beraubt ' My-Objekt ist der Bau der Reinform. ' Sogar Weltraum kann Form haben — der Bildhauer Henry Moore bemerkte einmal, dass ein Loch soviel Form Bedeutung als feste Masse haben kann. (Siehe auch biomorphe. )
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Im allgemeinen beschreibt der Begriff Formalismus der kritischen Position, dass der wichtigste Aspekt der künstlerischen Arbeit seine Form, d. h. ist, die Art, wie, die es gemacht wird, und rein visuellen Aspekten, anstatt seinen erzählerischen Inhalt oder ihre Beziehung zu der sichtbaren Welt. In der Malerei daher einen formalistischen Kritiker würden konzentriert sich ausschließlich auf die Qualitäten der Farbe, Pinselführung, Form, Linie und Komposition. Formalismus als eine kritische Haltung entstand als Reaktion auf den Impressionismus und Postimpressionismus (vor allem die Gemälde von Cézanne) in die beispiellose Schwerpunkt wurde auf die rein visuelle Aspekte der Arbeit gelegt. 1890 Der impressionistischen Maler und Graphiker, Maurice Denis, veröffentlichte ein Manifest mit dem Titel Definition des Neo-Traditionism. Der Eröffnung Satz Dies ist einer der am häufigsten zitierten Texte in der Geschichte der modernen Kunst: "denken Sie daran, dass ein Bild, bevor es ein Bild von einem Schlacht-Pferd, eine nackte Frau oder einige Geschichte ist im Wesentlichen eine Ebene Fläche, bedeckt in Farben, die in einer bestimmten Reihenfolge angeordnet ist. ' Denis betont, dass ästhetische vergnügen sich in der Malerei selbst nicht sein Thema. In Britain formalistische Kunst-Theorie von der Bloomsbury-Maler und Kunstkritiker Roger Fry und dem Bloomsbury-Schriftsteller Clive Bell entwickelt wurde. In seinem 1914 Buch Art, Bell den Begriff der wesentlichen Form formuliert, dass Formular selbst Gefühl vermitteln kann. All dies schnell zu abstrakten Kunst, eine Kunst der reinen Form geführt. Formalismus dominiert die Entwicklung der modernen Kunst bis in die 1960er Jahre, wann es ihren Höhepunkt in der sogenannten New-Kritik an der amerikanischen Kritiker Clement Greenberg und andere, besonders in ihren Schriften auf Farbfeld-Malerei und Post Painterly Abstraction erreicht. War es damals genau diesen Formalismus begann durch postmoderne herausgefordert.
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Format wird traditionell verwendet, um die Form oder die Proportionen der Unterstützung, zum Beispiel die Leinwand, ein Gemälde oder andere im Wesentlichen flach Kunstwerk wie ein Relief zu beschreiben. Die beiden häufigsten traditionelle Formate für Gemälde sind die horizontalen Rechteck, die oft als Querformat und das aufrechte Rechteck bekannt als Porträt bezeichnet. Ein anderes Format für traditionelles, aber weniger verbreitet ist der kreisförmigen bekannt als das Tondo. Square-Formate wurden manchmal verwendet, insbesondere z. B. von JMW Turner und des zwanzigsten Jahrhunderts Ad Reinhardt. Des Malers, den Piet Mondrian gelegentlich eine quadratische Leinwand hing an einer Ecke wie ein Diamant verwendet. Aus den 1960er Jahren auf eine viel freiere Ansatz zum Formatieren, zeigte sich in einigen der Werke von Künstlern wie Frank Stella und Ellsworth Kelly und die Form der Leinwand wurde ein wichtiges Element in der Komposition des Werkes.
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