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Informelle Gruppe Portrait, in der Regel klein, Menschen, oft Familien, manchmal Gruppen von Freunden, in heimischen Interieur oder Garten-Einstellungen zeigen. Sitter werden gezeigt Interaktion miteinander oder mit Haustieren, wobei Tee, Spiele zu spielen. Kontrast mit Gericht oder großen Stil Porträt. Scheint zu frühen achtzehnten Jahrhundert für den Bedarf von neuen Mittelklassen entwickelt haben, obwohl auch aristokratischen und königlichen Gönner gewonnen. Vermutlich eingeführt in Großbritannien von Mercier ca. 1725, popularisiert durch Hogarth, dann Devis und wurde hoch modischen mit Zoffany.
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Inhalt bezieht sich im Allgemeinen auf die Thematik, die Bedeutung oder die Bedeutung der künstlerischen Arbeit, im Gegensatz zu ihrer Form. In der modernen Kunst, die dramatische Folge von Innovationen in Form vom Impressionismus ab haben dazu geführt, dass die Diskussion dieser oft Vorrang vor, die Inhalte übernommen hat. In den 1960ern und frühen 1970ern besonders radikale Flug von traditionellen Formen der Kunst, die in was geführt wurde bekannt als Konzeptkunst, gab Anlass zu arbeiten, in welcher Form und Inhalt in einer neuen Weise verschmolzen wurden.
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Begriff lose verwendet, um die Kunst der Gegenwart und der relativ jüngsten Vergangenheit, ein innovativer oder Avantgarde Art zu bezeichnen. In Bezug auf die Museen für zeitgenössische Kunst, das Datum der Ursprung für die Bezeichnung, die zeitgenössischer Kunst variiert. The Institute of Contemporary Art in London, 1947, Meister Kunst ab diesem Jahr gegründet. Während The New Museum of Contemporary Art in New York wählt die späteren Zeitpunkt von 1977. In den 1980ern Tate geplant ein Museum für zeitgenössische Kunst in der zeitgenössischer Kunst als Kunst der vergangenen zehn Jahre auf rollierender Basis definiert wurde.
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Besonders strenge Zweig der abstrakten Kunst von Vladimir Tatlin und Alexander Rodchenko in Russland um 1915 gegründet. Die Konstruktivisten glaubte Kunst sollte direkt die moderne industrielle Welt widerspiegeln. Tatlin war massgeblich von Picassos kubistische Konstruktionen (Bau-1914) geprägt, die er 1913 in Picassos Atelier in Paris sah. Diese waren dreidimensionale Stillleben aus Schrott Materialien hergestellt. Tatlin fing an seinen eigenen zu machen, aber sie waren völlig abstrakt und aus industriellen Materialien. Von 1921 waren russische Künstler folgten Tatlins Ideen fordern selbst Konstruktivisten und 1923 wurde ein Manifest veröffentlicht, in ihrer Zeitschrift Lef: ' die materielle-Formation des Objekts ist für seine ästhetische Kombination ersetzt werden. Das Objekt als Ganzes behandelt werden soll und somit werden keine erkennbaren Stil aber einfach ein Produkt einer industriellen Bestellung wie ein Auto, ein Flugzeug und dergleichen. Konstruktivismus ist eine rein technische Beherrschung und Organisation von Materialien. ' Konstruktivismus wurde in den 1920er Jahren in Russland unterdrückt aber wurde im Westen von Naum Gabo und sein Bruder Antoine Pevsner gebracht und hat einen großen Einfluss auf die moderne Skulptur.
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Eine Erweiterung des Konstruktivismus in Großbritannien ab etwa 1950 in die Arbeit von Victor Pasmore, Kenneth Martin, Mary Martin und Anthony Hill. Natürlich vorkommende proportional Systeme und Rhythmen untermauert ihre geometrische Kunst. sie wurden inspiriert von den Theorien des amerikanischen Künstlers Charles Biederman und erforscht das Vermächtnis des 'konstruktiven Art' made in den 1930er Jahren von Ben Nicholson, Barbara Hepworth und Naum Gabo, deren Beitrag zur russischen Konstruktivismus war vorbildlich. Hill bestand darauf, mit dem Begriff Constructionism für das britische Phänomen, sondern Konstruktivismus ist häufiger gefunden.
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Begriff eingeführt von Van Doesburg 1930 'Manifest der konkreten Kunst' veröffentlicht in der erste und einzige Ausgabe der Zeitschrift Art Concret. Er forderte einen Typ der abstrakten Kunst, das wäre völlig frei von jeglicher Grundlage in der beobachteten Realität und das hätte keine symbolischen Auswirkungen . Er erklärte, dass es nichts mehr konkrete oder realer als eine Linie, eine Farbe oder ein Flugzeug (eine flache Fläche Farbe). Der Schweizer Künstler Max Bill später wurde der Fahnenträger für konkrete Kunst, organisiert die erste internationale Ausstellung in Basel 1944. Er erklärte, dass das Ziel der konkreten Kunst erstellen ' in einen sichtbaren und greifbaren Form-Dinge, die zuvor nicht existierte — zur Darstellung von abstrakter Gedanken in eine sinnliche und greifbare Form'. In der Praxis konkrete Kunst ist sehr nah an der Konstruktivismus und es gibt ein Museum der konstruktive und konkrete Kunst in Zürich.
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Der Aufstieg der konzeptueller Fotografie in den 1960er Jahren fiel mit den frühen Untersuchungen in Videokunst. Mit Kameras, Künstler wie Richard Long und Dennis Oppenheim begann mit den Aufnahmen ihrer Auftritte und temporäre Kunstwerke in einer Weise, die jetzt oft als Deadpan beschrieben wird. Ziel war es, einfache, realistische Bilder des Kunstwerks, die aussahen wie dokumentarische wie möglich. Es war die Fußgängerzone Art der Fotografie, seine unerschütterliche Kapazität, alles zu fotografieren, das gleiche, sei die Künstler gefallen hat, glauben, dass es die Kunst, dargestellt in der Fotografie, die war wichtig. Präzedenzfälle für konzeptioneller Fotografie Sie bereits in den frühen finden zwanzigsten Jahrhunderts als Alfred Stieglitz Marcel Duchamp fotografiert ist vorkonfektioniert aus ein Urinal, Brunnen, für eine Ausstellung in New York gemacht. Der ursprünglichen Brunnen war verloren, aber die Fotografien von Stieglitz bleiben und Kunstwerke an sich geworden.
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Dieser Begriff kam Ende der 1960er Jahre eine Vielzahl von Arten von Kunst zu beschreiben, die nicht mehr die Form einer konventionellen Kunstobjekt hat. 1973 Erschien eine bahnbrechende Aufzeichnung der frühen Jahre der Bewegung in Form eines Buches, den sechs Jahren von dem amerikanischen Kritiker Lucy Lippard. Die 'sechs Jahre' wurden 1966-72. Der langen Untertitel des Buches genannten 'sogenannte konzeptionelle oder Informationen oder Idee Kunst'. -Konzeptkünstler setzen nicht heraus zu machen, ein Gemälde oder eine Skulptur und dann passen ihre Ideen zu dieser bestehenden Form. Stattdessen , sie denken über die Grenzen von den traditionellen Medien, und dann mit ihrem Konzept oder eine Idee in welchen Materialien erarbeiten und welcher Form geeignet ist. sie damit die Konzept-Priorität über die traditionellen Medien gaben. Daher konzeptionellen Kunst. Daraus können daraus folgt, dass die Konzeptkunst kann fast alles, aber aus den späten 1960er Jahren bestimmte prominenten Tendenzen erschienen wie Leistung (oder Aktion) Kunst, Landart und der italienischen Bewegung Arte Povera (schlechte Kunst). Armen, die hier gemeint mit geringwertigen Materialien wie Zweige, Tuch, Fett und allerlei Fundstücken und Schrott. Einige konzeptionelle Kunst bestand lediglich aus schriftlichen Erklärungen oder Anleitungen. Viele Künstler begannen, Fotografie, Film und Video zu verwenden. Konzeptkunst war ursprünglich eine Bewegung der 1960er und 1970er Jahren aber wurde seit enorm einflussreich. Künstler sind Art & Sprache, Beuys, Broodthaers Burgin, Craig-Martin, Gilbert und George, Klein, Kosuth, Latham, Long, Manzoni, Smithson.
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In einem allgemeinen Sinn kann jedes Stück von Musik oder schreiben, Malerei oder Skulptur, als eine Komposition bezeichnet werden. Genauer gesagt, bezieht sich auf die Art und Weise, in der ein Künstler hat die Elemente der Arbeit um sicherzustellen, dass sie in eine befriedigende Beziehung dem Künstler arrangiert, und es ist zu hoffen, den Betrachter. In der Kunst in der klassischen Tradition, dreieckige oder pyramidale Kompositionen wurden verwendet, da sie ein Gefühl von Ausgeglichenheit und Harmonie durch die Anordnung der Zahlen in eine stabile insgesamt geometrische Struktur geschaffen. Dies kann man zum Beispiel in die rund konisch Gruppierung der Tiere in George Stubbs Stuten und Fohlen. Die Idee der Zusammensetzung wie die Anpassung der Beziehungen der Elemente der Arbeit innerhalb des Rahmens der Leinwand, blieb unangefochten durch die Wirren der frühen modernen Bewegungen wie Kubismus und abstrakte Kunst. Dann in den späten 1940er Jahren des amerikanischen abstrakten Expressionismus-Malers, Jackson Pollock, eingeführt was kam allover Zusammensetzung aufgerufen werden, und das traditionelle Konzept als relationale Zusammensetzung bekannt wurde. Pollock scheint jedoch noch in der Regel innerhalb der Leinwand Komposition sein. Aber gleichzeitig, die abstrakte Expressionist Barnett Newman begann Gemälde, in denen große Blöcke der Farbe von oben nach unten der Leinwand lief, zu machen. Das relationale waren, die die Proportionen der Farben, gegeneinander angepasst wurden, aber sie kompositorisch radikal, waren in dem die Blöcke der Farbe lief einfach von oben und unteren Ränder der Leinwand, die bewusst nicht Newman ungerahmt. , Frank Stella in den späten 1950er Jahren war es eine Komposition erzielt, die sowohl allover auch außerhalb der Grenzen der Leinwand gebrochen war.
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Komplementäre Farben sind Farben, die einander - daher vollenden den Namen. Die Wirkung dieser Abschluss ist die Verbesserung der Farben — sehen sie stärker, wenn zusammen gestellt. Deshalb, weil sie mit einander mehr als mit allen anderen Farben kontrastieren, und wir können nur sehen Farb-im Gegensatz dazu mit anderen Farben. Die mehr Kontrast mehr Farbe. Wenn Sie in einem Zimmer vollständig bleiben bemalt einfarbig, nach ungefähr zehn Minuten, die es zu grau verblassen. Die komplementäre Farben sind die drei Primärfarben Rot, blau und gelb und ihre sekundäre. Sekundäre Farben sind die Farben, die aus der Mischung der Primärfarben in allen ihren Kombinationen von Paaren. , So sind die drei sekundären Farben grün, Orange und violett. Die komplementäre Paare sind rot-grün, blau-Orange und gelb-violett. Künstler begann nach der Entwicklung des wissenschaftlichen Farbtheorie im neunzehnten Jahrhundert die Bedeutung der Komplementärfarben besonders bewusst geworden. Diese Theorie spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung des Impressionismus und Postimpressionismus sowie Fauvismus und viel moderne Malerei danach. Der Impressionisten waren die ersten, beachten, dass die Schatten sind nicht neutral sondern die Komplementärfarbe des Lichts, die sie auslöst. So gelben Sonnenlicht löst einen violetten Schatten. Dies kann man sehr gut in Monets Frau sitzen auf einer Bank in der Falte von ihrem Arm und den Pool des Schattens zu ihren Füßen.
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