- Industry: Art history
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Durante o século XIX Paris, na França, se tornou o centro de uma poderosa escola nacional de pintura e escultura, culminando com as deslumbrantes inovações do Impressionismo e Pós-Impressionismo. Assim, nos primeiros anos do século XX que Paris tornou-se um ímã para artistas de todo o mundo e o foco das principais inovações da arte moderna, nomeadamente Fauvismo, cubismo, arte abstrata e surrealismo. o termo que escola de Paris cresceu para descrever este fenômeno. o gêmeo chefes (cozinheiros d'école) foram Pablo Picasso, que se estabeleceu em Paris, de seu Spain nativo em 1904 e o francês Henri Matisse. Também em 1904, o pioneiro moderno escultor Constantin Brancusi chegou em Paris da Roménia e em 1906 o pintor e escultor Amedeo Modigliani da Itália. Chaïm Soutine chegou da Rússia em 1911. The Russian pintor Marc Chagall viveu em Paris de 1910-14 e, em seguida, novamente de 1923-39 e 1947-9, após o qual ele se mudou para o sul da França. The Dutch pioneiro de pura pintura abstracta, Piet Mondrian, estabeleceu-se em Paris em 1920 e Wassily Kandinsky em 1933. o apogeu da escola de Paris foi encerrada pela segunda Guerra Mundial, embora o termo continuou a ser usado para descrever os artistas de Paris. No entanto, de cerca de 1950 sua dominância cedida à ascensão da escola de Nova Iorque.
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Grupo de quatro artistas escocês, Cadell, Fergusson, Hunter, Peploe que foram os primeiros a introduzir a cor intensa do movimento fauvista francês na Grã-Bretanha. Figura líder foi Fergusson que visitou Paris regularmente da década de 1890 em e, em seguida, viveu lá de 1907-14. Cena de arte de a experiência desse contato próximo com a avant-garde em Paris ficou com ele toda a sua vida.
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Uma variedade de estêncil de impressão, usando uma tela feitas de tecido (seda ou sintéticas) esticado firmemente sobre uma moldura. Áreas de a não-impressão em tecido são bloqueadas por um estêncil que pode ser criado por pintura em cola ou laca, mediante a aplicação de película adesiva ou papel, ou pintando um sensíveis à luz resistir para a tela que é desenvolvida, em seguida, como uma fotografia (foto-screenprint). Tinta ou pintura é forçado através do tecido aberto com uma lâmina de borracha, conhecida como um rodo, no papel. Serigrafia tem sido utilizado comercialmente desde a década de 1920 e por artistas desde a década de 1950. Quando ela foi retomada pelos artistas na década de 1930 América a serigrafia do' do termo foi usado para denotar a impressão de um artista, em oposição ao trabalho comercial. o termo 'serigrafia' (seda foi usada originalmente para a malha) foi e ainda é usada, particularmente na América.
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Escultura é tridimensional arte feita por um dos quatro processos básicos. Estes são escultura (em pedra, madeira, Marfim ou osso) modelagem em argila modelização (em argila ou cera) e, em seguida, converter o modelo em bronze; construir (uma evolução do século XX). Os mais antigo conhecidos humanos artefatos reconhecíveis como seria chamamos escultura data desde o período conhecido como Paleolítico Superior, que é cerca de 40.000 a 10.000 anos atrás. Esses objetos são pequenas figuras femininas com seios bulbosa e nádegas esculpidas em pedra ou marfim e são considerados como figuras de fertilidade. o mais famoso deles é conhecido como a Vênus de Willendorf (o lugar na Áustria, onde foi encontrada em 1908). Escultura florescida no Egito antigo de cerca de 5.000 anos atrás e na antiga Grécia, de cerca de 2.000 anos mais tarde. Alcançou o que é considerado para ser um pico de perfeição no período de cerca de 500-400 A.C. na Grécia. Em que tempo, bem como fazer escultura esculpida, os gregos trouxeram a técnica da conversão de escultura em bronze de um alto grau de sofisticação. Após a queda do Império Romano, a técnica de fundição de bronze foi quase perdeu mas, juntamente com esculpido escultura, passou por um revival importante no renascimento. No século XX uma nova maneira de fazer a escultura emergiu com as construções cubista de Picasso. Estes eram temas de natureza morta feitos de materiais de sucata (encontrada) coladas. Escultura de construídos em várias formas tornou-se um grande fluxo na arte moderna. (Construtivismo; Assembléia; Meio ambiente; Instalação; Minimal arte; Nova geração escultura. ) Técnicas usadas incluíam o metal de solda, introduzido por Julio González, que também ensinou a Picasso. (Ver também por exemplo David Smith; Reg Butler. )
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Escola de Roma. Termo guarda-chuva para os artistas, com sede em Roma, ou tendo uma relação estreita com ele, na década de 1920 e 1930. Como escola de Paris o termo abrange uma grande variedade de tipos de arte. No entanto, um retorno ao classicismo foi uma corrente dominante (ver também retorno à ordem). Grandes artistas incluem De Chirico, Balla, Guttuso, Martini, Pirandello, Severini.
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Como um termo geral usado para descrever a quebra longe de artistas mais jovens e mais radicais de um grupo de arte, para formar um agrupamento novo ou existente Academia. a palavra é originalmente alemão e sua aparência mais antiga parece ser em nome do grupo de secessão de Munique fundado em 1892. No mesmo ano seguiu a Berliner Secession, liderada por Max Liebermann e posterior Lovis Corinth e em 1913 por secessão Freie em que Max Beckmann e Ernst Barlach estavam envolvidos. Grupo de secessão de o mais famoso é o bildener Vereinigung Künstler Oesterreichs (secessão) fundada em 1897 e geralmente conhecido simplesmente como a secessão de Viena. Foi liderada por um dos maiores de todos os pintores simbolista, Gustav Klimt. Em 1898 a secessão encarregou o arquitecto Joseph Olbrich para construir um salão de exposição. o resultado é uma obra-prima da arquitectura Art Nouveau que continua a ser uma das jóias de Viena. Também contém mural grande de Klimt o friso de Beethoven. Nos anos seguintes que a secessão de Viena realizou uma série de exposições (vários anos) que reuniu uma votação nominal da vanguarda internacional. Lá foi uma ênfase particular na arquitetura e design, e a secessão de Viena desempenhado um importante papel no mais amplo movimento de Art Nouveau e os primórdios do design moderno. Em 1903 foi fundada uma companhia do projeto chamado a Wiener Werkstätte (oficinas de Viena), inspirado pelo movimento inglês artes e ofícios. Seus produtos agora são peças de Museu. Mais tarde grandes artistas associadas com a secessão de Viena incluem Egon Schiele e Oskar Kokoschka dois dos grandes pioneiros do Expressionismo.
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Os sete e cinco da sociedade foi formada em Londres em 1919 e realizou sua primeira exposição no ano seguinte. Inicialmente foi um grupo conservador e pode ser visto como uma manifestação britânica de regresso à ordem que se seguiu à primeira Guerra Mundial. a primeira exposição Catálogo explicou que a sociedade não foi formada ' para anunciar um novo "ism"—(we) sentir que de tarde houve muito pioneirismo demasiadas linhas no completamente muito de pressa. ' Isso perfeitamente encapsula a atitude de "retorno à ordem". No entanto, em 1924 Ben Nicholson, um dos pioneiros da arte abstracta na Grã-Bretanha, juntou-se a sete e cinco. Ele foi seguido por outras modernistas incluindo Hepworth, Moore e mais tarde, Piper. Eles efetivamente sequestraram o grupo, expulsando os não-modernistas. Em 1935 eles rebatizou de sete e cinco grupo abstrato em realizada a primeira exposição de tudo abstrata na Grã-Bretanha na Zwemmer Gallery, em Londres.
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Um termo do grego filosofia platônica que significava uma cópia de uma cópia de uma forma ideal. Em pós-modernistas pensada, particularmente através dos escritos de Gilles Deleuze e Jean Baudrillard, o termo tem sido reviveu no contexto de argumentos sobre a relação entre uma obra de arte original e sua replicação. Para o simulacro de Baudrillard tem precedência sobre o original, com o efeito que o original já não é relevante.
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O termo inventado por Robert Delaunay para descrever a pintura abstrata desenvolvida por ele e sua esposa Sonia Delaunay de cerca de 1910. Seu trabalho também foi denominado Orfismo pelo poeta e crítico Apollinaire. o termo é derivado de teorias de Chevreul M-E, cujo livro de teoria da cor De la loi du contraste simultanée des couleurs (sobre a lei do contraste simultâneo das cores) foi publicado em Paris em 1839. Tinha um crescente impacto sobre pintores franceses de então em diante, especialmente os impressionistas e pós-impressionistas em geral e especialmente as Neo-Impressionists. Pinturas de o Delaunays consistiam de encravamento ou sobreposição de patches ou aviões, de cores contrastantes (ou complementares). Na teoria de Chevreul e na realidade, reunidas de cores contrastantes (ou seja, simultânea) reforçar mutuamente, dando a pintura maior intensidade e a vibração da cor. As composições foram inicialmente derivadas de arquitetura (e. g. série de Windows de R Delaunay) mas em 1912 ele tinha começado a fazer pinturas em formatos circulares totalmente abstratos (Disques e Formes circulaires cosmiques série). Essas composições no entanto ainda, finalmente, foram baseadas em natureza. Em 1912 Delaunay escreveu: «Directa a observação da essência luminosa da natureza é para mim indispensável».
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