- Industry: Art history
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Termo inventado pelo artista Gustav Metzger no início dos anos 1960 e colocados em circulação por seu artigo 'máquina, Auto-criativo e autodestrutiva Art' na edição de Verão de 1962 da revista arca. de 1959 que tinha feito trabalho pulverizando o ácido em folhas de nylon como um protesto contra as armas nucleares. As formas de rápida mudança de procedimento produzida antes o náilon foi todo consumido, assim o trabalho era simultaneamente auto-criativo e autodestrutiva. Em 1966 Metzger e outros organizaram a destruição no Simpósio de arte em Londres. Este foi seguido por outro em Nova Iorque em 1968. O Simpósio foi acompanhada por uma demonstração pública de arte autodestrutiva, incluindo a queima de Skoob Towers por John Latham. Estes eram torres de livros (skoob é livros em ordem inversa) e intenção de Latham foi demonstrar diretamente sua visão de que a cultura ocidental foi queimada. Em 1960 a artista suíço que Jean Tinguely fez a primeira de suas esculturas de máquina auto-destrutivo, Hommage à Nova York, que amassado própria para peças no jardim de esculturas do Museu de arte moderna, Nova York.
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O termo usado por Walter Benjamin em seu influente ensaio de 1936 ' A obra de arte na idade da reprodução mecânica ', onde ele é identificado como uma parte integrante de uma obra de arte que não pode ser comunicada através da reprodução mecânica, como a fotografia de qualidade.
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Tem significados diferentes como um substantivo e um verbo. Na arte que um atributo (substantivo) é um objeto ou animal associado a uma determinado personagem. Atributos de mais comuns são os dos antigos deuses gregos. Por exemplo pombas, aves associados com amor, são atributos da deusa do amor, Afrodite ou Vênus. Para que um nu feminino com uma pomba ou pombas pode ser identificado como Vênus. o antigo instrumento musical conhecido como uma lira é um atributo de Apolo, Deus da música e das artes. Um arco e flechas e/ou uma lança, juntamente com cães, é atributos da deusa Diana, que era famosa como uma Caçadora. Ela também era deusa da Lua, tantas vezes tem uma crescente em seu cabelo. Atributo (verbo) uma obra de arte é para sugerir que pode ser de um determinado artista, embora não haja nenhuma evidência para isso. a obra da coleção de Tate que ilustra perfeitamente ambos significados é a obra de escola francesa, Apollo. Isso inclui o atributo principal da Apollo de uma lira, mas também alguns subsidiária atributos como o sunburst atrás de sua cabeça (ele também é conhecido como o Deus do sol), a coroa de louros ele está vestindo e os objetos no canto esquerdo, que representam as artes — escultura entre eles. Esta pintura em vários momentos foi atribuída para os pintores Antonio Verrio, Louis Chéron e Nicholas de Largillière.
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Uma tradução literal da palavra francesa 'ateliê' é estúdio ou oficina. Estúdio do artista o indivíduo também era um lugar onde o ensino de jovens artistas teve lugar, mas essa função foi gradualmente suplantada pela ascensão da Academia. No início do século XX, alguns ateliers desenvolvidos em locais de produção comunal, particularmente na Alemanha, onde surgiu um desejo de unificar a arte com produção industrial. Em 1919 Walter Gropius fundou a Bauhaus em uma tentativa de casar-se com as artes com a tecnologia da era mecânica. Atelier muitas vezes denota um grupo de artistas, designers ou arquitetos trabalhar coletivamente. Atelier 5 é uma empresa de arquitetura Suíça fundada em 1955 e inspirado por visões de Le Corbusier, baseado em Rotterdam Atelier Van Lieshout, fundada por Joep van Lieshout é um grupo de artistas que conceber modos alternativos de vida e de trabalho.
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Arte feita por montagem de elementos díspares, muitas vezes ser eliminados pelo artista, por vezes comprado especialmente. a prática remonta à construções cubista de Picasso, as três obras tridimensionais, ele começou a fazer a partir de 1912. Dos primeiros exemplos é sua vida ainda de 1914 que é feito de pedaços de madeira e um comprimento de toalha franja, juntas coladas e pintadas. Picasso se manteve-se um praticante intermitente de montagem. Foi a base de objetos surrealistas, tornou-se difundido na década de 1950 e 1960 e continua a ser amplamente utilizado, por exemplo, por the YBAs.
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Um grupo de artistas norte-americanos que utilizava técnicas realista para retratar a miséria social e injustiça no ambiente urbano norte-americano do século XX. Artistas incluídos Robert Henri, considerado como o fundador da escola de Ashcan e John Sloan.
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Movimento na concepção emergentes do círculo pré-rafaelita e iniciado por William Morris em 1861, quando ele fundou a concepção empresa de Morris e Co em Londres. Ele recrutou Rossetti, Madox Brown e Burne-Jones como artista-designers e princípio chave era levantar design a nível da arte. Também para disponibilizar bom design a maior audiência possível. Visto como líder de design moderno, por exemplo, por Pevsner no livro pioneiros do Design moderno: William Morris a Walter Gropius publicado pela primeira vez de 1936. Morris salientado design funcional simples sem o excesso de ornamento e imitação do passado típico de estilos vitorianos. Papéis de parede ou tecidos foram baseados em motivos naturais particularmente formas vegetais tratadas como plana padrão. Influência chave no movimento estético e Art Nouveau, bem como mais tarde design moderno.
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Uma sociedade expositora fundada em Londres em 1933 e ativa até 1971. Era principalmente uma organização política de esquerda de centro e ele abraçou todos os estilos de arte modernista e tradicional. o seu objectivo era a 'unidade de artistas pela paz, democracia e Desenvolvimento Cultural'. Realizou uma série de exposições de grande grupo sobre temas políticos e sociais a partir de 1935 com a exposição artistas contra o fascismo e a guerra. AIA o suporte para a esquerda lado republicano na Guerra Civil espanhola (1936-9) através de exposições e outras actividades de angariação de fundos. Ele tentou promover um acesso mais amplo à arte através de exposições e pinturas murais públicas. Em 1940, publicou uma série de arte lithographs intitulado Everyman impressões nas edições grandes e, portanto, baratas.
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Organização fundada em 1966 por Barbara Steveni com seu marido John Latham. Seu propósito era colocar artistas em organizações governamentais, comerciais e industriais. APG surgiu da idéia de que os artistas são um recurso humano subutilizado pela sociedade. Artistas são isoladas do público pelo sistema de galeria, e no gueto da arte mundial são protegidos contra as realidades mundanas da indústria comércio e governo. a idéia era que artistas, designadas pessoas Incidental por Latham, trariam completamente alternativas maneiras de ver e pensando ter sobre as organizações que eles foram colocados in. APG seriam, assim, reconhecer o estatuto de outsider do artista e transformá-lo em benefício social positivo. Em 1966 Steveni e Latham juntaram Jeffrey Shaw e Barry Flanagan, logo seguido por Stuart Brisley, David Hall e Ian MacDonald Munro. Entre as colocações feitas por APG foi um em 1975-6 de Latham-se na estância escocesa em Edimburgo. Esta resultou em propostas radical para o futuro das pontas enorme entulho industrial, conhecidas como bings, encontrados na região. Latham proposta conservá-las como obras de arte e marcando-as com balizas. APG organizou uma grande exposição na Hayward Gallery, Londres, em 1971. Continuou até 1989 quando foi reconstituída como Ó + I (organização e imaginação).
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O termo que Arte Povera foi introduzido pelo crítico de arte italiano e curador, Germano Celant, em 1967. Seus textos pioneiros e uma série de exposições chaves fornecida uma identidade coletiva para um número de jovens artistas italianos, com sede em Turim, Milão, Génova e Roma. Arte Povera emergiu de dentro de uma rede de urbano cultural atividade nestas cidades, como o milagre econômico italiano dos anos pós-guerra imediatos combinados em um caos de instabilidade económica e política. o nome literalmente significa "arte pobre", mas os pobres palavra aqui refere-se à exploração de assinatura do movimento de uma vasta gama de materiais para além da quasi-precious as tradicionais da pintura a óleo sobre tela, ou bronze ou mármore esculpido. Arte Povera denota, portanto, não uma arte empobrecida, mas uma arte feita sem restrições, uma situação de laboratório no qual qualquer base teórica foi rejeitado a favor de uma total abertura em relação a materiais e processos. Principais artistas foram Giovanni Anselmo, denota Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Piero Gilardi, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini e Gilberto Zorio. o auge do movimento foi de 1967 a 1972, mas sua influência sobre mais tarde arte tem sido duradoura. Também pode ser visto como contribuição italiana para a arte conceitual.
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