- Industry: Art history
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約1970年からフェミニスト美術理論の発展に照らして意識的に作られた女性のアーティストによるアートとして定義することができる。1971年に美術史家リンダNochlinは、"なぜ、そこには大女性アーティストを行われていない？"画期的なエッセイを発表した。その中で彼女はその男性と同じ地位を達成するから、優秀な女性を妨げていた社会的、経済的要因を調査した。によってそのようなグリゼルダポロックとロジカパーカーのような1980年代の美術史家がそのジェンダーにロードされるような古いマスターや傑作などの用語で美術史の言語を調べるために、さらにつもりでした。彼らは男性と女性がそのよう異なって表現されている理由を尋ね、西部キヤノンの女性の裸体の中心的な場所に疑問を呈した。マルクス主義批評家を見ての彼の1972本の方法でジョンバーガーは男性が女性を見て"と結論していた。女性は自分自身が"見られて見て。言い換えれば、西洋美術には既に社会に埋め込まれている不平等な関係を複製します。フェミニストアートは同じような軌跡を追った。時々ファーストウェーブフェミニスト芸術として知られているもので、女性のアーティストは女神の数字として裸のポーズとふてくされて"女性の仕事"と思われていたような刺繍などのメディアを使用して、膣画像や月経血を探索する、女らしい経験でreveled。フェミニスト美術のこの段階の偉大な象徴的な作品の一つは、ジュディシカゴのディナーパーティー、1974年から1979年のもの。後でフェミニストのアーティストがこのアプローチを拒否し、女性らしさと女性らしさの私達のアイデアの起源を明らかにする試み。彼らは、マスカレード、女性らしさの社会の期待に適合するように女性たちによって採用されたポーズのセットとして女性らしさのアイデアを追求。
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抽象芸術の到着以来、比喩的な言葉は、現実の世界に、特に人間の姿への強い参照を保持している現代美術の任意のフォームを参照するために使用されています。一般的な意味で比喩的にも抽象的な芸術の前にすべての芸術に遡及的に適用されます。近代的な造形美は、その造形美に現代的なリアリズムとは異なるとみなすことができる現代的な現実主義者は、ポスト印象派の（多かれ少なかれ）より以前のスタイルで作業しながら、現代的なイディオムを使用しています。実際には、近代的な造形美は、20世紀を通して、上に辿ることができる表現の一般的な現在と多かれ少なかれ同じです。ピカソは、約1920年後の現代具象絵画の偉大な模範であり、そして約1940年からアルベルトジャコメッティは偉大な比喩的な彫刻家です。後に第二次世界大戦の造形はフランシスベーコン、ルシアンフロイドとロンドンの学校の他の芸術家の作品を通じて追跡、そしてポップアート、新表現主義、そして新たな精神の絵画を通してすることができます。
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フランス語のフレーズは、世紀の終わりを意味する。歴史的な用語として1890年代の10年をさらにより具体的に19世紀の終わりとするために特別に適用されます。象徴主義、デカダンスとすべての関連する現象（Eを採用する包括的な用語なこの十年でピークに達したアールヌーヴォー）。用語エイティーン90年代、薄紫十年、黄十年、いたずらNinetiesとほぼ同義。退廃的な、しかし文明の段階の最後の終末論的意味を表現しています。精神は、トゥールーズロートレック、そしてイギリスビアズリーとコンドルにフランスに例示。本当の終わりは1900年が第一次世界大戦1914としませんでした。（またエドワード参照してください。）
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十九世紀フランスの詩人シャルルボードレールは、現代の都市生活の好事家オブザーバーとして彼のエッセイ（1863）"現代生活の画家"で、多くの印象派の絵画の特徴とがで取り上げられたことが文字を怠け者（ベビーカー）を同定したシオニストによって二十世紀。
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国際的な前衛的なグループや集団リトアニア語/アメリカ人アーティスト、ジョージマチューナスが1960年に設立され、その名前を与え、もともとジョンケージを中心としたアーティストや作曲家のグループの作品をフィーチャーした同名の雑誌のために。ラテン系の名前が流れることを意味します。英語ではフラックスは流出しています。マチューナスのフルクサスの目的は"生きた芸術、反芸術の促進、芸術における革命的な洪水や潮を促進"するためであると述べた。これは、フルクサスは多くの共通点を持っていたとダダの強いエコーを持っています。マチューナスが米軍に勤務、ドイツで最初の大陸に合体したグループ、。フルクサスは、その後の活動が頻繁に通りにこぼれるの前衛音楽のコンサート公演を含まれるパリ、コペンハーゲン、アムステルダム、ロンドンとニューヨークでお祭りのシリーズを上演した。時間のほとんどすべての前衛芸術は、ヨーゼフボイス、ディックヒギンズ、アリスハッチンズ、オノヨーコ、ナムジュンパイク、ベンボーティエ、ロバートワッツ、エメットウィリアムズとして、フルクサスに参加し、そしてそれは、開口部に重要な役割を果たしたアップ（例えばコンセプチュアルアート、パフォーマンスアート、フィルム＆ビデオアート、ポストモダニズムを参照）1960年代以降の美術に見られる強烈な、実り多い多元につながったことができるものを芸術の定義の。その全盛期は1960年代だったが、それはまだ続けている。
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近いから視点への視点と画像面に直角に見える画像内のオブジェクトまたは人体の治療を説明するために使用される用語。例えば、体は足や頭の上のいずれかから見た。
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芸術との関係で長期フォームは2つの意味があります。最初それは仕事、その物理的性質で撮影した全体のフォームを指します。第二に、芸術的な表現形式の作品の中で作品を構成するさまざまな要素間の形状の要素を指します。たとえば絵画は、線、色、質感、空間、スケール、およびフォーマットだけでなく、フォームの要素で構成されています。彫刻がほぼ独占的にフォームの構成されています。現代美術の出現までは、色がライバルになったときに、フォームは、絵画の中で最も重要な要素であり、人体のすべての上に基づいていた。当該技術分野でフォームを治療または作成にアーティストは、自分自身のいくつかの感覚や意味を伝えるれる表現力豊かな新しいフォームを、作るために自然な外観を変更することを目指しています。現代美術ではアイデアは、そのフォームは、主にまたは完全に外見から離婚であっても表現力の可能性がある成長した。1914年に評論家クライブベルは（フォーマリズムを参照）、これを記述する用語の重要なフォームの造語。アイデアは抽象的な芸術で重要な役割を果たした。1914年に英国のパイオニア抽象画家デイヴィッドBombergは書いた："私はの感覚に訴える形 - どこで自然なフォームを使用する私はそれを除去しているすべての無関係な問題で"私のオブジェクトは純粋な形の構造である。穴は固体の塊"と同じくらいの形状の意味を持つことができる"であってもスペースは、フォームの彫刻家ヘンリームーアは、かつてと述べた持つことができます"。（また、生物の形態に似た参照してください。）
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一般的には、長期的形式主義は芸術作品の最も重要な側面は、その形式、つまり、それが行われる方法と、その純粋に視覚的な面ではなく、その物語の内容や目に見える世界との関係であることが重要な位置を示して。したがって、絵画では、形式主義評論家は色、筆、形、線と組成の資質に専念だ。批判的な立場としての形式主義は、印象派と前例のない重点が作品の純粋に視覚的な側面に配置されたポスト印象派（特にセザンヌの絵）に反応してされて入ってきた。1890年に芸術上のポスト印象派の画家や作家、モーリスデニスは、ネオTraditionismの定義と題する声明を発表した。このオープニングの文は、現代美術の歴史の中で最も広く引用さのテキストのいずれかです："それは戦いの馬、ヌード、女性、またはいくつかの物語の絵になる前に画像が、、基本的に平坦な表面であることを、忘れないでください特定の順序で配置された色で覆われて。"デニスは、審美的な喜びは、絵画そのものではなく、その件名で発見されることになっていたことを強調した。イギリス形式主義芸術論にブルームズベリーの画家や評論家ロジャーフライとブルームズベリー作家クライブベルによって開発されました。彼の1914本のアートでは、ベルは、フォーム自体が気持ちを伝えることができる重要なフォームの概念を定式化。すべてこれは、抽象的な芸術に迅速に純粋な形の芸術を導いた。それは、特にカラーフィールドペインティングとポスト絵画の抽象化について、その著作の中で、アメリカの評論家クレメントグリーンバーグなどの、いわゆる新しい批評にピークに達したときに形式主義は1960年代まで、近代美術の発展を支配していた。それは、形式主義はポストモダニズムによって挑戦されるようになったのは、その時点で正確だ。
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形式は、伝統的絵画やレリーフなどの芸術の他の本質的な作業の例のためのサポートの形状や比率、キャンバスを、記述するために使用されます。絵画の2つの最も一般的な伝統的な形式は、しばしば横向きと縦向きとして知られている直立長方形と呼ばれる横長の長方形です。別の伝統的な、あまり一般的なフォーマットはトンドと呼ばれる円形の一つです。スクエアフォーマットは時々JMWターナーによって、20世紀アドラインハートで特に、例えば、使用されている。抽象画家ピエトモンドリアンは、時折、ダイヤモンドのような1つのコーナーでハングアップして正方形のキャンバスを使用していました。フォーマットにもっと自由なアプローチで1960年代からこのようなフランクステラとエルズワースケリーなどのアーティストたちの作品のいくつかに明らかになり、キャンバスの形状は、作業の構成で重要な要素となった。
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天然または人造のオブジェクト（またはオブジェクトの断片）がアーティストによって（または時々買って）見ているためアーティストのそれに見て、いくつかの本質的な関心の維持。見つかったオブジェクトは、棚に入れて、自分自身の芸術作品として扱わだけでなく、アーティストのインスピレーションを提供することになってしまいます。たとえば彫刻家ヘンリームーアは、彼が自然彫刻だけでなく、彼自身の仕事のための情報源として扱われているように見える骨とフリントを集めた。見つかったオブジェクトは、ダダとシュルレアリスム作家マルセルデュシャンのreadymadesのように、または集成体の一部として、どちらかほぼ無傷で、アーティストによって変更とアートとして提示されることがあります。ほど頻繁に、ピカソは彼が彼のキュビスムのコラージュに新聞やマッチ箱のようなものを組み込むために、そして様々な清掃した材料から彼のキュービズムの構造を作るために始めたときに、1912年から、創始者だった。見つかったオブジェクトの広範な使用は、ダダ、シュルレアリスム、ポップアーティストによる、とそのようなカールアンドレ、トニークラッグ、ビルウッド、ダミアンハースト、サラルーカスや他の多くの間でマイケルランディとして後のアーティストによって作られた。
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