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Término originalmente utilizado para describir la obra de 1950 de los pintores del expresionismo abstracto Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still, que fue caracterizado por grandes áreas de color más o menos plana solo. 'El color Field Painters' fue el título del capítulo relativo a estos artistas en innovador la historia del erudito americano Irvine Sandler, expresionismo abstracto, publicado en 1970. Alrededor de 1960 surgió una forma más puramente abstracta de la pintura del campo de color en la obra de Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland y otros. Diferenció del expresionismo abstracto en que estos artistas eliminaron el contenido emocional, mítico o religioso del movimiento anterior y la aplicación altamente personal y pictórica o gestual asociado. En 1964, una exposición de artistas de treinta y uno asociado con este desarrollo fue organizada por el crítico Clement Greenberg en el Museo de arte del Condado de Los Angeles. Él lo titula abstracción Post-Painterly, un término usado a menudo también para describir el trabajo de la generación de 1960 y sus sucesores. En Gran Bretaña hubo un importante desarrollo de la pintura del campo de color en los años sesenta en el trabajo de Robyn Denny, John Hoyland, Richard Smith y otros.
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Estalló la Guerra Civil inglesa en 1641 a fin el gran florecimiento artístico que tuvo lugar bajo Charles me (Stuart), ejemplificado en el arte de su pintor de la corte Van Dyck, quien murió ese mismo año. Durante la guerra, lugar de Van Dyck fue llenado por su seguidor inglés William Dobson. Tras la derrota de Charles por parlamentario fuerzas lideradas por Cromwell y su ejecución en 1649, la monarquía y la cámara de los Lores fueron suprimido e Inglaterra fue declarado 'una Commonwealth o estado libre'. Desde entonces a la restauración de la monarquía en 1660 la Commonwealth en efecto fue gobernada por Cromwell. Período también conocido como interregno (entre reinos). Pintor jefe Lely.
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Blanco o grisáceo material inorgánico compuesto de carbonato de calcio. Naturalmente, aunque también se producen industrialmente a lo largo del siglo XX.
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Arte de navegador es un subgénero del Net art y se refiere específicamente a una obra de arte renegado como parte de una dirección URL, que utiliza el ordenador como materia prima, transformando los códigos, la estructura de las páginas web y los enlaces entre servidores en material visual. Algunas obras de arte de navegador se conectan automáticamente a Internet y luego proceden a destrozar las páginas web mediante la lectura de 'código' de la computadora al revés. El dúo Joan Hermskerk y Dirk Paesmans, conocido como Jodi, han ideado un programa que la red escritor del arte Tilman Baumgärtel ha descrito como transformar un PC 'en una impredecible, terrorífica máquina que parece tener una vida propia". Otros artistas, como los británicos basado en dúo Tom Corby y Gavin Baily, reducir páginas web ricos en imagen descarnada texto blanco y el artista estadounidense que Maciej Wisniewski ha desarrollado un navegador que transforma la experiencia interactiva de navegar por la red en una actividad pasiva, mirando flotante imágenes y textos. (véase también Software art)
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La mejor traducción de bricolage de la palabra francesa es hágalo usted mismo y el núcleo creativo de bricolage en un contexto de arte es la habilidad de hacer arte con cualquier material que vienen a mano. Este enfoque se hizo popular a principios del siglo XX cuando los recursos eran escasos y los aspectos del surrealismo, el dadaísmo y el cubismo tienen un carácter de bricolage. Pero no fue sino hasta la década de 1960, con la formación del movimiento italiano Arte Povera, que tomó un aspecto político bricolage y fue utilizado por los artistas para eludir el comercialismo del mundo del arte. Artistas de Arte Povera construyen esculturas de basura en un intento de devaluar el objeto artístico y afirmar el valor de la corriente y todos los días. Desde entonces, han continuado artistas hacer arte de detritus; Tomoko Takahashi construye grandes esculturas de basura encontró en las calles como un Comentario sobre la naturaleza de nuestra cultura y nuestra sociedad desechable.
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Altamente influyente Universidad fundada en Black Mountain, Carolina del norte, Estados Unidos, en 1933. Sus principios progresistas se basaron en las teorías educativas de John Rice, su fundador. En el currículo, teatro, música y Bellas Artes recibieron igualdad a todos los otros temas académicos. Enseñanza era informal y se hacía hincapié en la convivencia y actividades al aire libre. La mayor parte del trabajo de dirigir la escuela y mantenimiento de los edificios fue realizada por estudiantes y profesores. Entre sus primeros profesores de arte fue Josef Albers, que habían huido de la Alemania Nazi después de la clausura de la Bauhaus ese mismo año. Black Mountain se convirtió rápidamente en una extraordinaria potencia de la cultura moderna en América. Su Junta de asesores incluido a Albert Einstein y entre sus profesores en un momento u otro fueron algunas de las más grandes luminarias de la cultura americana moderna incluyendo al fundador de la Bauhaus, el arquitecto Walter Gropius, los pintores del expresionismo abstracto Willem de Kooning y Robert Motherwell el compositor John Cage y el bailarín Merce Cunningham. En 1949 Albers y otros se fueron como consecuencia de las divisiones internas. El colegio fue reconstituido bajo el poeta Charles Olson pero finalmente cerró en 1953. Entre sus artistas más destacados estudiantes fueron Kenneth Noland y Robert Rauschenberg.
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En pintura y escultura biomórfica formas o imágenes son las que, si bien abstracto, sin embargo se refieren a, o evocar, formas vivientes tales como las plantas y el cuerpo humano. El término viene de la combinación de las palabras griegas bios, sentido de la vida y morphe, forma de significado. BIOMORPHIC parece haber entrado en uso alrededor de la década de 1930 para describir las imágenes de los tipos más abstractas de la pintura surrealista y escultura particularmente en la obra de Joan Miró y Jean Arp (véase automatismo). Henry Moore y Barbara Hepworth también produjeron algunos biomorfos excelente en ese momento y más tarde también lo hizo Louise Bourgeois.
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Bio art utiliza biotecnología como su medio. Las creaciones de arte Bio a formar parte de la evolución y, siempre que sean capaces de reproducción, pueden durar tanto como la vida existe en la tierra. Levantan interrogantes sobre el futuro de la vida, evolución, sociedad y arte. Actualmente el aspecto dominante del Bio arte es arte genético, representado por el artista brasileño Eduardo Kac, que genéticamente un conejo verde fluorescente en el año 2000. Mientras los científicos continúan su trabajo pionero en biotecnología, artistas también están experimentando con celulares y cultivos de tejidos y Neurofisiología. Un ejemplo de esto es el dúo australiano basado en Oron Catts y Ionat Zurr que intentaron crecer réplica a escala una cuarta parte de la oreja de un artista.
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La Beaux Arts Gallery de Londres fue dirigida por el pintor Helen Lessore de 1951-65. (No hay ninguna conexión con la actual Galería de Londres del mismo nombre). Se hizo un lugar importante para la pintura realista contemporánea. Desde 1952-4 dio a cuatro pintores realistas joven John Bratby, Derrick Greaves, Edward Middleditch y Jack Smith, que todos conocían mutuamente en el Royal College of Art exposiciones individuales. Fueron conocidos como el cuarteto de Bellas Artes y desde diciembre de 1954, fueron celebrados como los pintores del fregadero de la cocina, un término referido a su materia a menudo grittily doméstica. En 1956 el cuarteto de Bellas Artes fueron seleccionados para representar a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia, junto con Ivon Hitchens y Lynn Chadwick. Otros artistas asociados con la galería de Bellas Artes incluyen David Bomberg, Raymond Mason, John Lessore, Francis Bacon, Lucian Freud, Michael Andrews, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Euan Uglow, Myles Murphy y Craigie Aitchison.
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Término inventado por el artista Gustav Metzger en la década de 1960 y puesto en circulación por su artículo "arte máquina, Auto-creativo y autodestructivo" en la edición de verano de 1962 de la revista Arca. Desde 1959 hizo trabajo de rociar ácido sobre hojas de nylon como protesta contra las armas nucleares. El procedimiento había producido formas cambios rápidamente antes de que el nylon fue consumido todo, así que el trabajo era al mismo tiempo auto-creativo y autodestructiva. En 1966 Metzger y otros organizaron la destrucción en Art Symposium en Londres. Esto fue seguido por otro en Nueva York en 1968. El Simposio fue acompañado por una manifestación pública de arte autodestructivo, incluyendo la quema de Skooba Torres por John Latham. Éstos eran torres de libros (Skooba es libros en reversa) e intención Latham es era demostrar directamente su punto de vista la cultura occidental fue quemada. En 1960 el artista suizo Jean Tinguely hizo el primero de sus esculturas máquina autodestructiva, homenaje a Nueva York, que sí mismo maltratadas en pedazos en el jardín de esculturas del Museo de arte moderno, Nueva York.
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