- Industry: Art history
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Le nom donné par l'artiste russe Kasimir Malevich à l'art abstrait, il a développé de 1913. La première exposition réelle de toiles suprématistes était en décembre 1915 à St-Pétersbourg, lors d'une exposition appelée O. 10. L'exposition comprenait trente-cinq peintures abstraites de Malevitch, parmi eux le célèbre carré noir sur fond blanc (Musée russe, Saint-Pétersbourg) qui a dirigé la liste de ses œuvres dans le catalogue. En 1927, Malevitch publie son livre The Non-objectif mondial, un des documents théoriques plus importants de l'art abstrait. Dedans, il écrit: « durant l'année 1913, essayant désespérément de libérer l'art depuis le port en lourd du monde réel, j'ai pris refuge dans la forme du carré. « Hors de la "place des suprématistes" comme il l'appelait, Malevitch développé toute une gamme de formes, y compris des rectangles, des triangles et des cercles souvent dans des couleurs intenses et belles. Ces formes sont lancées contre un fond généralement blanc et le sentiment de la couleur dans l'espace en suprématistes peinture est un aspect crucial de celui-ci. Suprématisme, a été l'un des principaux mouvements de l'art moderne en Russie et a été étroitement associée à la révolution. Après l'ascension de Staline de 1924 et l'imposition du réalisme socialiste, la carrière de Malevitch langui. Dans ses dernières années avant sa mort en 1935 il a peint des images réaliste. En 1919, l'artiste russe El Lissitsky rencontré Malevich et fut fortement influencé par le suprématisme, comme ce fut le hongrois né Laszlo Moholy-Nagy.
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Terme se référant à presque tous les aspects de la vie britannique et de la culture pendant le long règne de la Reine Victoria, de 1837 à 1901. En ce qui concerne le design, l'art et comportement social cependant, il porte une connotation de congestion, de discipline et de dévouement rigide à la tradition. Dans l'art, plus précisément le terme est peut-être illustré dans la peinture de genre qui offre un panorama extraordinaire de la vie de l'époque, y compris Rural naturalisme et réalisme Social, mais genre victorienne peut-être particulièrement associée avec le sentimental et rassurer les travaux de Wilkie et ses disciples.
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L'introduction de la vidéo dans les années 1960 a radicalement modifié l'état d'avancement de l'art. L'aspect le plus important de la vidéo, c'était qu'il était bon marché et facile à faire, permettant aux artistes d'enregistrer et de documenter leurs performances facilement. Ce mettre moins de pression sur où se trouvait leur art en leur donnant la liberté à l'extérieur de la Galerie. L'un des pionniers de l'art vidéo était Bruce Nauman qui vidéo permettant de révéler les processus cachés créatives de l'artiste en se filmant dans son atelier. Technologie vidéo devenant plus sophistiquée, l'art évolué à partir des enregistrements en temps réel, granuleuses, noir et blancs à l'accent de nos jours sur des installations à grande échelle en couleur. Œuvres multiples filtrés de Bill Viola sont théâtrales et ont souvent un récit ; et Gillian Wearing utilise un style documentaire pour faire de l'art sur les aspects cachés de la société.
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L'informaticien Jaron Lanier a popularisé la réalité virtuelle à terme dans les années 1980 pour décrire une technologie qui permet à une personne interagir avec un environnement de simulation informatique, être elle fondée sur un réel ou un lieu imaginaire. Environnements de réalité virtuelle sont des expériences visuelles généralement, affichés sur les écrans d'ordinateur ou à travers des expositions spéciales stéréoscopiques. Certaines simulations incluent d'autres informations sensorielles comme le son grâce à des haut-parleurs ou des écouteurs. Explorations dans la réalité virtuelle d'artistes a commencé de façon relativement modeste ; en 2002, le duo Langlands et Bell, créé un tour de réalité virtuelle de la cachette de ben Laden en Afghanistan et le public ont été invités à naviguer le bâtiment à l'aide d'un joystick. Avec l'introduction de Second Life sur internet, les artistes sont maintenant installer des galeries et mise en scène des expositions virtuelles dans le monde virtuel alternatif. Les Hollandais expositions d'étape Tour de l'Art de l'équipe et vendent art dans Second Life et Cao Fei, incarnant la Chine à la Biennale de Venise 2007 reproduit son exposition dans le Pavillon chinois dans Second Life.
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Un grand vitrage cabinet utilisé pour afficher des objets d'art. Souvent utilisé dans les musées, la vitrine a été ouvert par des artistes tels que Joseph Cornell dans les années 1950 et Joseph Beuys dans le milieu des années 1960 pour afficher des matériaux inhabituels, qu'ils ont investi avec une signification spirituelle ou personnelle. Parmi les autres artistes qui ont utilisé des vitrines dans leur travail l'artiste américain Jeff Koons et le sculpteur britannique Rebecca Warren.
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Les vorticistes étaient un groupe d'avant-garde britannique formé à Londres en 1914 par l'artiste et écrivain, polémiste, Wyndham Lewis. Leur seule exposition collective a eu lieu à Londres l'année suivante. Le vorticisme a été lancé avec le premier numéro (de deux) de la Blast magazine qui contenait entre autres manifestes agressif matériel deux par Lewis « dynamitage » ce qu'il considérait pour être l'effeteness de l'art britannique et de la culture et de proclamer l'esthétique Vorticiste: ' le nouveau Vortex plonge au cœur du présent « nous produisons une nouvelle Abstraction vivant ». Vorticiste peinture combine fragmentation cubiste de la réalité avec des images dur tranchant, dérivé de la machine et de l'environnement urbain, pour créer une expression très efficace du sens vorticistes du dynamisme du monde moderne. C'était en effet un équivalent britannique au futurisme, mais avec des différences doctrinales, et Lewis était profondément hostile aux futuristes. D'autres artistes ont été Lawrence Atkinson, Jessica Dismorr, Cuthbert Hamilton, William Roberts, Helen Saunders, Edward Wadsworth et les sculpteurs Jacob Epstein et Henri Gaudier-Brzeska. David Bomberg n'était pas officiellement membre du groupe mais a produit une œuvre majeure dans un style similaire. La première guerre mondiale a mis le vorticisme fin, bien qu'en 1920, Lewis a fait une brève tentative de faire revivre avec groupe X.
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Art made by assembling disparate elements often scavenged by the artist, sometimes bought specially. The practice goes back to Picasso's Cubist constructions, the three dimensional works he began to make from 1912. An early example is his Still Life 1914 which is made from scraps of wood and a length of tablecloth fringing, glued together and painted. Picasso himself remained an intermittent practitioner of assemblage. It was the basis of Surrealist objects, became widespread in the 1950s and 1960s and continues to be extensively used e. G. By the YBAs.
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Im Wesentlichen eine einzigartige Variante der herkömmlichen Print. Ein Eindruck von einem reprintable Block, z. B. eine geätzte Platte oder Holzschnitt, gedruckt wird, aber so, dass nur eine dieser Art vorhanden ist, z. B. durch die Einbeziehung einzigartige Hand-Färbung oder Collage. Der Begriff kann auch auf Radierungen verweisen, die eingefärbt und wischte in einer ausdrucksvollen, nicht exakt reproduzierbare Weise; Drucke gemacht aus einer Vielzahl von Drucken Elemente, die von einem Eindruck zum nächsten ändern; oder Abzüge sind bemalt oder sonst von hand überarbeitet, vor oder nach dem Drucken.
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Der französische Kurator Nicholas Bourriaud veröffentlicht ein Buch mit dem Titel relationale Ästhetik im Jahr 1998, in dem er den Begriff als Bedeutung beschrieb "eine Reihe von künstlerischen Praktiken, die als ihre theoretischen und praktischen Ausgangspunkt den gesamten menschlichen Beziehungen und ihrer sozialen Kontext, sondern als einen unabhängigen und privaten Raum tragen. "Er sah Künstler als Vermittler und nicht als Entscheidungsträger und Kunst als Informationsaustausch zwischen dem Künstler und der Zuschauer. Die Künstlerin gibt in diesem Sinne Publikum Zugang zu macht und die Mittel, um die Welt zu verändern. Bourriaud zitiert die Kunst des Gillian Wearing, Liam Gillick, Philippe Parreno und Douglas Gordon als Künstler, die für diese Agenda zu arbeiten.
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Renvoie à un épisode de l'histoire de la colonie d'artistes en Grande-Bretagne à St Ives, en Cornouailles. Depuis sa fondation en 1927, la St Ives Society of Artists a été la société de l'exposition dominant de St Ives. En 1939, Barbara Hepworth, Ben Nicholson et Naum Gabo déménagé à St Ives formant le noyau de ce qui est devenu un groupe fort, moderne dans la colonie. Depuis environ 1943, la Société St Ives a cherché à intégrer les artistes modernes dans ses expositions, mais dans la pratique de leur travail ont tendance à être accroché dans les endroits les moins importants dans l'ancienne église utilisés pour les expositions. En 1947, les artistes modernes ont commencé à organiser des expositions distinctes et plus particulièrement dans la crypte de l'église elle-même. Ils sont devenus connus comme le Groupe de la crypte. Il y avait deux spectacles en 1947 et un tiers en 1948. La répartition entre les modernes et plus traditionnels artistes St Ives a été confirmé plus tard en 1947, lorsque le notoirement réactionnaires Sir Alfred Munnings a été élu président de la Société. Toutefois, également en 1948, les membres du Groupe de la crypte sont devenus membres fondateurs de la Société des arts Penwith. Cela a finalement établi une identité distincte pour les artistes modernes à St Ives et le Groupe de la crypte n'avait plus de raison d'exister. Principaux membres inclus Wilhelmina Granges-Graham, Patrick Heron, Peter Lanyon, John Wells, Bryan Wynter.
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