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Grupo italiano formado em 1922 por Funi, Sironi, Carra e outros. Oficialmente lançado em 1923 em uma reunião em Milão, com Mussolini, como um dos oradores. Mussolini foi o fundador do partido fascista italiano e em 1922 tomou o poder tornar-se ditador da Itália. Depois de ser representada na Bienal de Veneza de 1924 o grupo dividir e foi reformado. o novo Novecento Italiano encenou sua primeira exposição do grupo em Milão em 1926. Objetivo do do grupo foi reviver a tradição da pintura de história de grande formato da forma clássica. o fascismo grupo apoiado e seu trabalho tornou-se associado com o departamento de propaganda do estado.
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No barroco arte refere-se particularmente a esquemas decorativas em edifícios, especialmente pinturas de teto, em que o artista usa perspectiva e foreshortening para criar, por exemplo, a ilusão de que o teto é a céu aberto, povoado por grupos de figuras, como os Santos, anjos ou o que quer. Tais efeitos são também por vezes referidos como trompe l'oeil, uma frase francesa significa engana o olho. Mais geralmente ilusionismo pode se referir a qualquer pintura que se esforça para atingir um alto grau de mimese, ou seja, a imitação da realidade. Altos níveis de ilusionismo são normalmente encontrados em pinturas do século XVII ainda a vida. Se o artista escolhe o assunto que presta-se especialmente para a reprodução em pintura sobre tela (ou seja, é basicamente plana) os resultados podem ser excepcionalmente eficazes. Um exemplo é A trompe l'oeil Edward Collier de jornais, cartas e instrumentos de escrita em uma placa de madeira. Em teoria da arte moderna ilusionismo tem sido desaprovado alegando que nega a verdade básica do achatamento da lona. No entanto, artistas surrealistas, como Salvador Dalí e René Magritte tem usado com grande efeito para evocar o mundo alternativo da mente inconsciente.
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Uma área de tinta espessa, ou textura, em uma pintura. Primeiro perceptível em pintores do Renascimento veneziano Tiziano e Tintoretto, então na pintura barroca, por exemplo Rubens. Cada vez mais notável na paisagem do século XIX, pintura romântica e naturalista. Uso de impasto tornou-se mais ou menos obrigatória na arte moderna, como a vista tomou conta que a superfície de uma pintura deve ter a sua própria realidade, ao invés de apenas ser uma janela Lisa para um mundo ilusionista além. Com isto foi a idéia de que a textura da tinta e a forma do brushmark poderiam se ajudar a transmitir a sensação, que eles são um tipo de letra, que diretamente podem expressar as emoções do artista ou resposta para o assunto. (Veja também gestual. ) A pintura na qual impasto é uma característica proeminente pode também disse ser pictórico. Este termo carrega a implicação de que o artista está revelando a manipulação da tinta óleo em si e fazer o uso máximo de suas propriedades sensuais. a idéia de que o artista deve primeiro plano as qualidades inatas dos materiais do trabalho como parte de seu conteúdo é central na arte moderna e é resumido na verdade frase de materiais (Veja também escultura direta).
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Nova forma de paisagem pintura e cenas do cotidiano desenvolveram na França, Monet e outros de início de 1860. Fotos de com base na prática da pintura terminada fora de portas, em vez de simplesmente fazendo esboços (na verdade o pioneiro na Grã-Bretanha Constable em torno de 1813-17). Resultado foi o maior consciência de luz e cor e o padrão de deslocamento do cenário natural. Pinceladas tornou-se rápida e quebrado em pinceladas separadas para processar estes efeitos. Primeiro grupo exposição Paris 1874 recebida com escárnio, impressão Monet, nascer do sol sendo particularmente apontado para fora e dando seu nome ao movimento. Sete outras exposições realizadas em intervalos de 1886. Outros artistas de núcleo, Camille Pissarro, Renoir, além de Degas e Manet em relação ligeiramente tangencial. a segunda geração do pós-impressionismo.
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Um grupo radical de jovens artistas dentro do Instituto de artes contemporâneas (ICA), em Londres. Independente de grupo, o IG, primeiro foi convocada no inverno de 1952-3 e depois novamente em 1953-4. Foi responsável pela elaboração, discussão e divulgação de muitas das idéias básicas da Arte Pop britânica e de muito outros britânicos novos arte na década de 1950 e início dos anos 1960. Principais artistas envolvidos foram Richard Hamilton, Nigel Henderson, John McHale, Eduardo Paolozzi e William Turnbull. O IG também incluiu os críticos Lawrence Alloway e Rayner Banham e os arquitetos Colin St John Wilson e Alison e Peter Smithson (ver Brutalism). Em 1953, o IG encenado a exposição paralela de arte e vida e em 1956 o inovador é amanhã. Esta exposição na Galeria Whitechapel em Londres foi uma expressão do IG pioneiro interesse pela cultura popular e comercial. Como Alloway colocá-lo: ' filmes, ficção científica, publicidade, música Pop. Nós senti nenhum da antipatia da cultura comercial padrão entre a maioria dos intelectuais, mas aceitou como fato, é discutido em detalhe e com entusiasmo a consumia '. Isto é amanhã consistia de uma série de ambientes e uma juke box jogado continuamente.
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O design de bens produzidos em massa, feitas à máquina. a palavra foi usado primeiramente nos Estados Unidos na década de 1920 para descrever o trabalho de designers de especialista, que trabalhou no projeto de produto. Mais cedo, a introdução de Henry Ford em 1913 da linha de produção para a indústria automóvel e, posteriormente, para a produção de outras mercadorias, o que levou a uma mudança no mundo da arte para tentar soldar arte e tecnologia. Construtivismo na Rússia e a Bauhaus na Alemanha foram inspirada pela nova era da máquina, colocando a ênfase na forma que segue a função, eles criaram o projeto que tinha uma forma abstrata, geométrica.
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Uma antiga escrita e desenho médio, tinta ainda mais comumente feita de carbono e ligantes, mas historicamente também foi feita de fontes vegetais ou animais como ferro fel e sépia. Tintas são tradicionalmente preto ou marrom na cor, mas também podem conter corantes coloridos ou pigmentos. Eles são tradicionalmente usados com pincéis de de Marta ou variedades de quill, reed ou caneta.
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Termo usado para descrever obras de arte de mídia mista que ocupam um espaço inteiro de sala ou galeria, e em que geralmente o espectador pode entrar. Algumas instalações, no entanto, destinam-se simplesmente para ser caminhava ao redor e contemplado, ou são tão frágeis que eles só podem ser vistos de uma entrada, ou uma extremidade de um quarto. Instalação de arte emergiu uma forma anterior do ambiente. , Um dos criadores dos ambientes foi o artista americano Allan Kaprow em obras no feita de cerca de 1957. Em uma entrevista sem data publicada em 1965 Kaprow disse de seu primeiro ambiente: ' eu simplesmente enchi a galeria inteira — quando você abriu a porta você encontrou-se em meio a um ambiente inteiro — os materiais eram variados: folhas de plástico, amassado em celofane, emaranhados de fita adesiva, seções de esmalte cortado e daubed e pedaços de pano colorido '. Lá também luzes penduradas dentro tudo isto e 'cinco máquinas de fita espalhados ao redor do espaço jogado sons eletrônicos que eu tinha composto'. Materiais diversos (mídia mista), luz e som mantiveram-se fundamental para a arte da instalação. De que o tempo na criação de instalações tornou-se uma importante vertente da arte moderna, cada vez mais de cerca de 1990, e muitos artistas têm-los feito. Em 1961 em Nova York, Claes Oldenburg criou um ambiente de início, a loja, do que seu contador e placas com batata e presunto vem. , Um dos proeminentes criadores de instalações que utilizam a luz é James Turrell.
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Também descrito como os ambientes, o termo é usado para descrever a construções de mídia mista ou assemblages projetados geralmente para um lugar específico e por um período temporário. Obras, muitas vezes, ocupam um espaço inteiro de sala ou galeria que o espectador tem invariavelmente para percorrer a fim de envolver-se totalmente com a obra de arte. Algumas instalações, no entanto, destinam-se simplesmente para ser caminhava ao redor e contemplado, ou são tão frágeis que eles só podem ser vistos de uma entrada, ou uma extremidade de um quarto. Instalação de arte emergiu uma forma anterior do ambiente. , Um dos criadores dos ambientes foi o artista americano Allan Kaprow em obras feitas de cerca de 1957 em diante. Em uma entrevista sem data publicada em 1965 Kaprow disse de seu primeiro ambiente: ' eu simplesmente enchi a galeria inteira — quando você abriu a porta você encontrou-se em meio a um ambiente inteiro — os materiais eram variados: folhas de plástico, amassado em celofane, emaranhados de fita adesiva, seções de esmalte cortado e daubed e pedaços de pano colorido. ' Também havia luzes penduradas dentro tudo isto e ' 5 máquinas espalhados ao redor do espaço jogado sons eletrônicos que eu tinha composto de fita. ' Materiais diversos (mídia mista), luz e som mantiveram-se fundamental para a arte da instalação. De que o tempo na criação de instalações tornou-se uma importante vertente da arte moderna, cada vez mais de cerca de 1990, e muitos artistas têm-los feito. Em 1961 em Nova York, Claes Oldenburg criou um ambiente de início, a loja, do que seu contador e placas com batata e presunto vem. , Um dos proeminentes criadores de instalações que utilizam a luz é James Turrell.
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O ato de criticar uma instituição como prática artística, a instituição, sendo geralmente um museu ou uma galeria de arte. Institucional crítica começou na década de 1960 quando os artistas começaram a criar arte em resposta às instituições que comprou e exibiu seu trabalho. Na década de 60 a instituição de arte foi muitas vezes percebida como um lugar de 'confinamento cultural' e, portanto, algo para atacar esteticamente, politicamente e teoricamente. Hans Haacke é dos principais expoentes da crítica institucional, particularmente visando financiamento e doações a museus e galerias. Em 1971, o Museu Wallraf-Richartz, Colónia rejeitou seu trabalho Manet-Projekt 74 de um dos seus shows. o trabalho foi relacionada com a recente aquisição dos museus bando de espargos de Edouard Manet e detalhada a proveniência do fundo pintura e nazista do doador. De durante os 1990 tornou-se uma moda para discussões críticas a ser realizada pelos curadores e diretores dentro de galerias de arte e museus que centra-se sobre este assunto, tornando a instituição, não só o problema, mas também a solução. Isto mudou a natureza da crítica institucional, algo que se reflete na arte de Carey Young, que considera este dilema.
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