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Nome dado para a pintura de Matisse, Derain e seu círculo de 1905 a 1910 aproximadamente. Eram chamados les fauves — as feras selvagens — por causa de seu uso de cores estridentes e pinceladas aparentemente selvagem. Seus súditos altamente foram simplificados para que seu trabalho era também bastante abstrato. Fauvismo pode ser visto como uma extensão extrema do pós-impressionismo de Van Gogh combinado com os neo-Impressionismo de Seurat. Fauvismo também pode ser visto como uma forma de expressionismo. o nome foi cunhado pelo crítico Louis Vauxcelles, quando seu trabalho foi mostrado pela primeira vez no salão de outono em Paris em 1905. Outros membros do grupo incluíam Braque, Dufy, Rouault, Vlaminck.
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Defende o projeto de arte Federal (Works Progress Administration). An American programa do governo para dar trabalho aos artistas desempregadas durante a grande depressão da década de 1930. Foi um de uma sucessão de arte programas conjunto acima sob a política do New Deal do presidente americano Roosevelt para combater a depressão. Em 1933, montou a obras públicas do projeto de arte que, em cinco meses, empregava 3.749 artistas que produziu 15.633 obras de arte para instituições públicas. Fotos eram esperadas para ser cenas americanas, mas caso contrário artistas receberam liberdade completa. De 1934-43 a seção do tesouro de pintura e escultura empregavam artistas para criar pinturas, murais e esculturas para o embelezamento dos edifícios federais. De 1935-39 o tesouro também passou um regime paralelo, o tesouro Relief Fund de arte. o projeto de arte Federal, administrado pelo Works Progress Administration, funcionou de 1935-43 e dentro de um ano do início foi empregando alguns 5.500 artistas, professores, designers, artesãos, fotógrafos e pesquisadores. Algumas das mais importantes obras que saíram esses projetos foram inspirados pelo exemplo dos muralistas mexicanos a murais em edifícios públicos. Estes programas deram um enorme impulso à arte na América, não menos, elevando o moral dos artistas e são agora considerado ter sido um fator crucial para a explosão de criatividade na arte americana seguindo a segunda guerra mundial (ver expressionismo abstracto). Tate não tem nenhuma obra do projeto arte Federal em si. Ilustrada aqui são obras de artistas que trabalharam sobre o FAP.
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Pode ser definida como arte por mulheres artistas feitas conscientemente à luz da evolução na teoria da arte feminista desde 1970. Em 1971, o historiador de arte Linda Nochlin publicou um ensaio inovador 'Porque têm lá foi sem grandes mulheres artistas?'. Em ela investigou os fatores sociais e econômicos que tinham impedido talentosas mulheres de alcançar o mesmo status que suas contrapartes masculinas. Pelos anos 80 arte historiadores como Griselda Pollock e Rozsika Parker estavam indo mais longe, para examinar a língua da história da arte com seus termos carregados de gênero como o velho mestre e obra-prima. Eles questionaram o lugar central do nu feminino no cânone ocidental, perguntando por que homens e mulheres são representadas tão diferente. Em seu livro 1972 maneiras de ver o crítico marxista John Berger concluiu ' os homens olham para as mulheres. Mulheres assistir se sendo olhado '. Arte ocidental em outras palavras Replica as relações desiguais já incorporadas na sociedade. Arte feminista seguiu uma trajetória semelhante. No que às vezes é conhecido como arte feminista de primeira onda, mulheres artistas agradar experiência feminina, explorando imagens vaginal e sangue menstrual, posando nua como figuras da deusa e desafiadoramente, usando meios tais como o bordado que tivesse sido considerado 'trabalho feminino'. Uma das grandes obras icônicas desta fase da arte feminista é o jantar de Judy Chicago, 1974-79. Mais tarde feminista artistas rejeitaram esta abordagem e tentaram revelar as origens de nossas idéias de feminilidade e feminilidade. Eles perseguiram a idéia de feminilidade, como um baile de máscaras — um conjunto de poses adotado por mulheres de acordo com as expectativas sociais da feminilidade.
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Desde a chegada da arte abstracta, o termo figurativo tem sido usada para se referir a qualquer forma de arte moderna que mantém fortes referências ao mundo real e particularmente para a figura humana. Em geral, um sentido figurativo também se aplica retroactivamente a toda a arte antes de arte abstrata. Arte figurativa moderna pode ser visto como distinto de realismo moderno, em que a arte figurativa usa expressões idiomáticas modernas, enquanto realistas modernas trabalham em estilos pré-datando pós-impressionismo (mais ou menos). Na verdade, a arte figurativa moderna é mais ou menos idêntico com a corrente geral do expressionismo que pode ser rastreado através do século XX e diante. Picasso depois de 1920 é o grande exemplar da moderna pintura figurativa, e Alberto Giacometti de 1940 é o grande escultor figurativo. Figuração de após a segunda guerra mundial pode ser rastreada através do trabalho de Francis Bacon, Lucian Freud e outros artistas da escola de Londres e através da Pop arte, Neo-expressionismo e pintura do novo espírito.
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Francês a frase final do significado do século. Como termo histórico aplica-se especificamente ao final do século XIX e mesmo mais especificamente à década de 1890. Termo guarda-chuva, abraçando o simbolismo, decadência e fenômenos todas relacionados (por exemplo, arte Nouveau) que atingiu um pico nessa década. Quase sinônimo de termos os dezoito anos noventa, na década de malva, o amarelo década Naughty anos noventa. Fin de siècle no entanto exprime sentido apocalíptico do final de uma fase da civilização. Espírito, exemplificado na França por Toulouse-Lautrec e na Grã-Bretanha Beardsley e Conder. Real final veio não em 1900, mas com a primeira guerra mundial de 1914. (Veja também eduardiano. )
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O poeta francês do século XIX Charles Baudelaire identificado o flâneur (carrinho) em seu ensaio "o pintor da vida moderna' (1863) como o observador diletante da vida urbana moderna, um personagem que apresenta em muitas pinturas impressionistas e foi retomado no século XX pelos situacionistas.
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Um grupo de vanguarda internacional ou coletiva fundada e recebeu seu nome em 1960 pelo artista Lituano-americano George Maciunas; originalmente para uma revista de mesmo nome, apresentando o trabalho de um grupo de artistas e compositores, centrados em torno de John Cage. o latim nome significa fluir. Em inglês um fluxo é um fluir para fora. Maciunas disse que o objectivo do Fluxus era ' promover uma inundação revolucionária e maré na arte, promover a arte de viver, anti-arte '. Isso tem fortes ecos do Dadaísmo com o qual Fluxus tinha muito em comum. o grupo se-uniram no continente, primeiro na Alemanha onde Maciunas trabalhou para o exército dos EUA. Fluxus posteriormente encenou uma série de festivais em Paris, Copenhagen, Amsterdam, Londres e Nova York, no qual as atividades incluíram concertos de música de vanguarda e performances frequentemente transbordar para a rua. Quase todo artista vanguardista da época tomou parte no Fluxus, como Joseph Beuys, Dick Higgins, Alice Hutchins, Yoko Ono, Nam June Paik, Ben Vautier, Robert Watts, Emmett Williams, e desempenhou um papel importante na abertura de definições do que a arte pode ser que levou para o pluralismo intenso e proveitoso, visto na arte desde a década de 1960 (ver por exemplo, a arte conceitualArte performática, filme & vídeo-arte, pós-modernismo). Seu auge foi a década de 1960, mas ainda continua.
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Termo usado para descrever o tratamento de um objeto ou o corpo humano em uma foto que vi na perspectiva de perto do ponto de vista e perpendicularmente à superfície de imagens. Por exemplo um corpo visto do topo da cabeça ou os pés.
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Em relação à arte, a forma de termo tem dois significados. Primeiro refere-se ao formulário geral tomado pelo trabalho — sua natureza física. Forma em segundo lugar, dentro de uma obra de arte refere-se ao elemento da forma entre os vários elementos que compõem uma obra. Pintura por exemplo consiste nos elementos de linha, cor, textura, espaço, escala e formato, bem como forma. Escultura consiste quase exclusivamente de forma. Até o surgimento da arte moderna, quando a cor tornou-se sua forma rival, era o elemento mais importante na pintura e baseou-se sobretudo no corpo humano. Em tratamento ou criação de formulário em arte, a artista visa modificar aparências naturais a fim de fazer um novo formulário que é expressivo, ou seja, transmite uma sensação ou significado em si. Em arte moderna aparências que cresceu a ideia que forma poderia ser expressiva, mesmo que em grande parte ou completamente divorciada de aparências. Em 1914, o crítico Clive Bell cunhou o formulário significativo do termo para descrever este (ver formalismo). a idéia que desempenhou um papel importante na arte abstrata. Em 1914, os britânicos pioneiro pintor abstracto David Bomberg escreveu: ' faço um apelo a um sentido do formulário — onde eu uso naturalista forma ter despojado-lo de toda a matéria irrelevante ' meu objeto é a construção de forma pura. ' Mesmo espaço pode ter forma — o escultor Henry Moore observou uma vez que 'um buraco pode ter tanto significado de forma que uma massa sólida'. (Veja também biomórfica. )
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Em geral, o formalismo do termo descreve a posição crítica que o aspecto mais importante de uma obra de arte é a sua forma, ou seja, o caminho que é feito e seus aspectos puramente visuais, em vez de seu conteúdo narrativo ou sua relação com o mundo visível. Na pintura, portanto, uma formalista crítico incidirá exclusivamente sobre as qualidades de cor, pincelada, forma, linha e composição. Formalismo como uma postura crítica surgiu em resposta ao Impressionismo e pós-impressionismo (especialmente a pintura de Cézanne) no qual ênfase sem precedentes foi colocado sobre os aspectos puramente visuais do trabalho. Em 1890 o pós-impressionista pintor e escritor sobre arte, Maurice Denis, publicaram um manifesto intitulado definição de Neo-Traditionism. Sentença de a abertura do presente é um dos textos mais amplamente citados na história da arte moderna: ' Lembre-se, que uma foto, antes que seja uma foto de um cavalo de batalha, uma mulher nua ou uma história, é essencialmente uma superfície plana coberta de cores dispostas numa certa ordem. ' Denis sublinhou que prazer estético foi encontrado na pintura em si não é assunto seu. Na Grã-Bretanha teoria formalista da arte foi desenvolvida pelo pintor de Bloomsbury e crítico Roger Fry e o escritor de Bloomsbury Clive Bell. Em seu livro de 1914 Art, Bell formulou a noção de forma significativa, que forma se pode transmitir sentimento. Tudo isto levou rapidamente a arte abstrata, arte de forma pura. Formalismo dominou o desenvolvimento da arte moderna até a década de 1960 quando ele atingiu o seu auge na chamada nova crítica do crítico americano Clement Greenberg e outros, particularmente em seus escritos sobre o campo de cor pintura e Post Painterly Abstraction. Foi precisamente na época que o formalismo de começou a ser desafiado pelo pós-modernismo.
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