- Industry: Art history
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Jusqu'à l'époque moderne cours royales ont été un élément majeur du mécénat artistique. Monarques employé leurs propres artistes, en leur donnant des titres tels que peintre du roi, mais ils sont généralement appelés peintres de la Cour. Qu'ils pourraient être parmi les plus célèbres artistes de l'époque : en Grande-Bretagne, Henry VIII a importé Holbein, et Charles, j'ai nommé Van Dyck "Principalle Paynter dans l'ordinaire de leurs Majestés". Elizabeth j'ai nourri le premier génie né d'art britannique, Hilliard. Charles, j'ai construit l'une des plus grandes collections d'art royal et abondamment fréquenté les arts en général.
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Un assemblage d'images se rapportant les uns aux autres en quelque sorte à créer une œuvre unique ou la partie d'une œuvre d'art. A montage est plus formelle qu'un collage et est généralement basé sur un thème. Il est également utilisé pour décrire l'expérimentation dans la photographie et le cinéma, en particulier les oeuvres de Man Ray et Laszlo Moholy-Nagy qui fait une série de courts-métrages et montages photographiques dans les années 1930. (Voir aussi le Photomontage)
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Une photo composée de petites pièces. Traditionnellement ces pièces étaient fabriquées à partir de terre cuite, des morceaux de verre, de céramique ou de marbre, incrusté dans les sols et les murs. Mosaïque a été utilisé comme un moyen de décoration depuis plus de cinq mille ans. C'était les mosaïques islamiques introduits en Espagne par les Maures au VIIIe siècle qui a inspiré le Catalan du XXe siècle l'architecte Antoni Gaudí, qui a organisé des morceaux de carreaux cassés avec fragments de bouteilles de verre et plaques de Chine par-dessus les murs dans le parc Güell et dans certaines parties de la cathédrale de la Sagrada Familia, à Barcelone. Mosaïques est également devint populaires au Mexique, en particulier dans l'art de Diego Rivera et Juan O'Gorman, qui ont utilisé des mosaïques en pierre dans leurs peintures murales qui reposaient sur des idées socialistes et exalté l'héritage indigène et populaire dans la culture mexicaine (voir muralisme mexicain). Cette éthique de tous est devenu populaire dans les années 1970 lorsque artistes ont commencé à redécouvrir les techniques artisanales. The British artiste Matt Collishaw fait une mosaïque de carreaux de céramique du visage d'une femme prise d'une photo granuleuse d'une femme sur internet.
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Un fragment récurrent, thème ou motif qui s'affiche dans une œuvre d'art. Dans le passé, c'était souvent associée à des conceptions islamiques, mais il fait aussi allusion à un thème ou un symbole qui renvoie à maintes reprises, comme la corde et la cigarette dans les peintures du peintre figuratif américain Philip Guston ou un modèle, comme les dessins abstraits du milieu du vingtième siècle abstrait peintre Victor Pasmore. L'artiste vidéo de Bill Viola souvent utilise le motif de l'eau pour représenter la naissance et la mort, comme exemplifié dans son installation multi-vidéo cinq anges pour le millénaire. Motif peut également faire référence à l'objet de l'oeuvre. L'expression « peindre le motif' ont été soulevées dans le contexte de l'impressionnisme, ce qui signifie peindre sur place.
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Tout d'abord utilisé dans les années 1960 en ce qui concerne les œuvres mixtes qui avaient un élément électronique. Événements de Warhol, mis en scène avec la roche groupe the Velvet Underground, sous le titre de l'Exploding Plastic Inevitable, quel musique combinée, la performance, la film et l'éclairage, ont été qualifiées de multimédia. Depuis la fin des années 1970 multi média est venu de définir une œuvre d'art qui utilise une combinaison de médias électroniques, qui pourraient inclure le film, audio, vidéo et ordinateurs.
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Moulage de sculpture en bronze et les différentes techniques de la gravure, ont pendant des siècles a permis de faire plusieurs exemples d'une œuvre d'art. Chaque exemple d'une édition d'une estampe ou une médaille de bronze est une œuvre authentique de l'artiste, bien qu'il peut y avoir des variations techniques susceptibles d'affecter la valeur. Le nombre obtenu est habituellement strictement limité, principalement pour des raisons commerciales mais, dans le cas d'eaux-fortes en particulier, aussi pour des raisons techniques — gravure plaques portent très rapidement, donc des impressions plus tard sont inférieures. Vers 1955, les artistes Jean Tinguely et Agam, désireux de rendre leur travail plus largement disponibles, a avancé l'idée de très grandes, effectivement illimitée, éditions des oeuvres qui pourraient être vendus à très bas prix. Ce sont eux qui semblent avoir inventé le terme multiple pour ces travaux, qui serait faite par des procédés industriels. Les multiples premières furent finalement produits par la Galerie Denise René à Paris en 1962, et depuis un grand nombre d'artistes ont créé de multiples.
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Une peinture appliquée directement sur un mur dans un espace public est décrite comme une peinture murale. Commencement de la popularité de la fresque dans l'ouest du monde au XIXe siècle, avec un sens nouveau, axée sur la communauté de l'identité nationale. L'avantage d'une peinture murale est son accessibilité à un large public, qui a fait aimer ce nombreuses idéologies politiques. Dans les années 1930 il y a une tendance dans le monde entier à faire de l'art public plus en réaction au développement introspective de l'art moderne. En Amérique latine, Etats-Unis et Grande-Bretagne, peinture murale est devenu populaire grâce à des commandites gouvernementales sous la forme d'organisations comme l'Association internationale des artistes. En 1933, Mario Sironi a publié son manifeste de la peinture murale et commandé les peintures murales de Giorgio De Chirico et Carlo Carrà. En Allemagne, l'Italie et les peintures murales de USSR reflète la propagande totalitaire de l'État. Par les années 70 peintures murales dans le monde occidental ont été conçus pour la vie politique locale, révélant souvent un sentiment de fierté nationale, raciale ou civique dans la région. (Voir aussi le muralisme mexicain)
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Les Nabis (du mot hébreu pour le Prophète) était un groupe de peintres de français post-impressionniste actifs de 1888 à 1900. Certains de ses membres clés que se sont réunis à Académie Julian à Paris, qui a offert une alternative libérale à l'École des beaux-arts officiels . Fondé en secret par Paul Sérusier, le groupe comprenait Pierre Bonnard, Edouard Vuillard et Maurice Denis. Synthétisme inspirée de Gauguin, ces artistes a adopté un style caractérisé par des plaques plates de couleur, contours "BOLD" et le dessin simplifié. Leur vision non conventionnelle amenés à expérimenter la peinture sur différents supports, y compris le carton et le velours et de créer des scénographies pour le théâtre symboliste (voir symbolisme).
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Le mot naïf signifie rudimentaire, simple, pas affectée. Comme une notion artificielle, qu'il se réfère spécifiquement aux artistes qui également n'ont eu aucune formation officielle dans une école d'art ou l'Académie. Naïve art se caractérise par une simplicité enfantine d'exécution et de la vision. En tant que tel que n'a été évaluée par les modernistes cherchant à s'éloigner de ce qu'ils considèrent comme la sophistication sincère de l'art créé au sein du système traditionnel. Artiste naïf le plus célèbre des temps modernes est Henri Rousseau, connu comme Le Douanier (douanier) de l'emploi à temps plein, qu'il a occupé. Autres sont Bauchant, et en Grande-Bretagne le matelot St Ives Alfred Wallis, dont le travail a influencé Ben Nicholson. Naïfs artistes sont parfois appelées primitives modernes (voir primitivisme). La catégorie chevauche aussi avec ce qu'on appelle l'art brut, ou en France, Art Brut. Il s'agit d'artistes qui sont en marge de la société, tels que des criminels et des malades mentaux.
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Un récit est tout simplement une histoire. Narrative est art qui raconte une histoire. Beaucoup de Western art a été narrative, illustrant des histoires de religion, mythe et légende, histoire et littérature (voir tableau d'histoire). Publics étaient considérées comme familier avec les histoires en question. De la peinture de genre du XVIIe siècle a montré des scènes et récits de la vie quotidienne. Dans the Victorian age, peinture narrative des sujets de la vie quotidienne est devenu très populaire et est souvent considéré comme une catégorie en soi (c'est-à-dire victorienne peinture narrative). Dans l'art moderne, formaliste idées ont abouti à la narration étant désapprouvée. Toutefois, codé des renvois aux enjeux politiques ou sociaux ou à des événements dans la vie de l'artiste sont monnaie courante. Ces ouvrages sont des allégories efficacement modernes et nécessitent généralement l'information de l'artiste à être pleinement compris. Le plus célèbre exemple est le Guernica de Picasso.
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