- Industry: Art history
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La première utilisation de l'art numérique de terme était dans les années 1980, quand les ingénieurs informaticiens a conçu un programme de dessin qui a été utilisé par l'artiste numérique pionnier Harold Cohen. Ceci est devenu connu comme AARON, une machine robotique conçu pour faire de grands dessins sur des feuilles de papier posé sur le sol. Depuis cette incursion début dans l'intelligence artificielle, Cohen a continué à affiner le programme de AARON comme technologie devient plus sophistiquée. Digital art peut être ordinateur généré, scanné ou dessiné à l'aide d'une tablette et une souris. Dans les années 1990, grâce à l'amélioration des technologies numériques, il était possible de télécharger la vidéo sur ordinateurs, permettant aux artistes de manipuler les images qu'ils avaient filmé avec une caméra vidéo. Cela donnait aux artistes une liberté créative jamais connue auparavant avec le film, ce qui leur permet de couper et coller dans la séquence animée d'images, créer des collages visuels. Ces derniers temps que quelques art numérique est devenu interactive, afin de permettre au public une certaine maîtrise de l'image finale.
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Groupe expressionniste allemand. En anglais, le cavalier bleu. Originated en 1909 dans la ville de Munich, où la Neue Kunstler Vereiningung, ou nouvelle artiste Association (V. , N. K. ) a été fondée par un certain nombre d'artistes d'avant-garde. La plus importante d'entre elles ont été la russe né de Wassily Kandinsky et l'allemand, Franz Marc. En 1911, Kandinsky et Marc rompt avec le reste de la N. K. , V. , et en décembre, cette année a lieu à Munich la première exposition de Der Blaue Reiter. C'est une association informelle et non un groupe cohérent comme Brücke. Autres artistes étroitement impliqués étaient Paul Klee et August Macke. En 1912, Marc et Kandinsky publie un recueil d'essais sur l'art avec une couverture de la gravure sur bois par Kandinsky. Il s'agissait de l'Almanach Der Blaue Reiter. Pourquoi le nom a été choisi n'est pas entièrement clair. Franz Marc adorait les chevaux et ses nombreuses peintures d'eux et d'autres animaux est symptomatique de la giration, retour à la nature (un aspect de Primitivisme) de nombreux artistes modernes au début. Kandinsky apparemment avait toujours été fasciné par les cavaliers à cheval (les chevaux sont des symboles du pouvoir, de liberté et de plaisir). Peinture A Kandinsky en 1903 s'appelle réellement le cavalier bleu. Bleu est une couleur qui a semblé souvent d'une importance particulière aux artistes et Kandinsky et Marc, dont la couleur préférée c'était le cas, il semble avoir eu une signification mystique. Der Blaue Reiter a été mis fin par la première guerre mondiale dans laquelle les deux Macke et Marc ont été tués.
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Art dégénéré est la traduction anglaise de l'expression allemande Entartete Kunst. , En 1933, le parti national-socialiste (Nazi) sous son chef Adolph Hitler est arrivé au pouvoir en Allemagne et a commencé à rendre l'art sous son contrôle. Tout de la technique modern a été étiqueté dégénéré. Expressionnisme s'est particulièrement démarqué. En 1937, les musées allemands sont purgées de l'art moderne par le gouvernement, un total de quelque 15 550 fonctionne étant supprimé. Une sélection de ces a été ensuite monter spectacle à Munich dans une exposition intitulée Entartete Kunst. Cela a été soigneusement mis en scène afin d'encourager le public à se moquer de le œuvre. Dans le même temps, une exposition a eu lieu de travail traditionnellement peint et sculpté, qui prône le parti Nazi et vue d'Hitler sur les vertus de la vie allemande: 'Kinder, Küche, Kirche' — en gros, famille, maison et l'église. Ironie du sort, cet art officiel Nazi était une image de miroir du réalisme socialiste des communistes haïs. Certains de la Degenerate art a été vendue aux enchères en Suisse en 1939 et plus a été éliminé par l'intermédiaire des concessionnaires privés. Sur 5 000 points ont été secrètement brûlées à Berlin plus tard cette année. L'enfant malade par Edvard Munch maintenant dans la Collection de la Tate, a été vendu à l'encan de 1939.
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Une forme de critique, qui consiste à découvrir, reconnaître et comprendre le sous-jacent — et tacite et implicite — cadres de formes culturelles tels que les œuvres d'art, des idées et des hypothèses. Tout d'abord utilisée par le philosophe français Jacques Derrida dans les années 1970, déconstruction affirme qu'il n'y a ne pas un seul intrinsèque signifiant se trouve dans un ouvrage, mais assez nombreux, et souvent ils peuvent être contradictoires. Livre La Vérité en peinture de à Derrida (1978), il utilise l'exemple de Gogh peinture ancienne chaussures avec lacets, faisant valoir que nous pouvons jamais être sûrs dont les chaussures sont dépeints dans le travail, ce qui rend difficile une analyse concrète de la peinture. Les assertions de Derrida puisque dans les années 1970, la notion de déconstruction a été une influence dominante sur de nombreux écrivains et artistes conceptuels.
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Mot français qui signifie littéralement décoller. Le terme est généralement associé avec le mouvement du Nouveau Réalisme (nouveau réalisme), bien que la première fois, il est apparu dans la presse était dans le Dictionnaire Abrégé du Surréalisme en 1938. Dans le contexte du Nouveau Réalisme il entend faire de l'art fonctionne à partir d'affiches déchirées du murs, les présentant comme des objets esthétiques et documents sociaux. Les artistes impliqués, tels que Raymond Hains, souvent cherchés de sites avec de nombreuses couches d'affiches afin que le processus de décollage a pris le caractère archéologique et était considéré comme un moyen de découvrir des informations historiques. De 1949 Hains faits travailler des affiches qu'il s'est déchiré sur les murs de Paris. En 1963, l'artiste allemand Wolf Vostell a ouvert le terme, mise en scène d'une série d'événements sous le titre Nein-9 Decollagen qui impliquait la télévision des images qu'il avait decollé — décoller de l'écran — et re-présenté. En 1962, Vostell avait fondé Décollage : Bulletin Aktueller Ideen, un magazine consacré aux écrits théoriques des artistes impliqués dans les événements, Fluxus, Nouveau Réalisme et du Pop art.
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Phase ou branche de symbolisme dans les années 1880 et 1890 et de nombreux artistes et écrivains considérés comme les deux. Terme est venu à utiliser des années 1880 par exemple de revue française Le Baju 1886. Se réfère généralement à des manifestations extrêmes de symbolisme mettant l'accent sur le spirituel, le morbide et l'érotisme. Matérialisme en partie inspiré par dégoût face à la corruption et rampant de décadents du monde moderne, en partie par le désir concomitante d'y échapper dans les sphères de l'érotisme de fantastique, esthétique, religieux. Influence clés art de Rossetti, puis Burne-Jones. Le clé artistes étranger Khnopff, Moreau, Rops ; en Grande-Bretagne Beardsley, Simeon Solomon. Livres clé Huysmans A Rebours (contre Nature) et Dorian Gray de Wilde.
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Nom du journal fondé en 1917 en Hollande par les pionniers de l'art abstrait, Piet Mondrian et Theo van Doesburg. Style de moyens en Néerlandais. Le nom De Stijl est venu aussi faire référence au cercle des artistes qui se sont réunis autour de la publication. De Stijl est devenu un véhicule pour des idées sur l'art de Mondrian, et dans une série d'articles dans les questions de la première année il a défini ses objectifs et utilisé, peut-être pour la première fois, le terme néo-plasticisme. C'est devenu le nom pour le type de l'art abstrait il et le cercle De Stijl pratiquées. Il était fondé sur une stricte géométrie horizontales et verticales. Les autres membres du groupe étaient Bart van der Leck, Vantongerloo et Vordemberge-Gildewart, ainsi que les architectes Gerrit Rietveld et JJP Oud. Mondrian s'est retiré De Stijl en 1923 après adoption de Van Doesburg d'éléments diagonaux dans son travail. Van Doesburg a continué la publication jusqu'en 1931. De Stijl avait une influence profonde sur le développement tant de l'art abstrait et de l'architecture moderne et de design.
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Un terme utilisé pour décrire la représentation visuelle de l'information, souvent statistique. Dans le passé, c'était généralement sous forme de carte ou un graphique, mais les ordinateurs permettent de représenter des données sous forme animée et interactive. Artistes utilisation visualisation de données comme un moyen de révéler et découvrir des aspects cachés de la société qui se manifeste sous des formes nouvelles de représentation sociale tels que les carnets web. Un exemple de ceci est le conteneur de dépôt, une œuvre d'art en ligne conçu par Golan Levin avec Kamal Nigam et Jonathan Feinberg, qui utilise les données de journaux web pour tracer la vie romantique des adolescents.
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Musées et galeries généralement emploient un nombre de commissaires qui sont chargés de la mise en scène d'expositions sur prêt temporaire, organisant des expositions de la collection propre du Musée et effectuer des acquisitions pour cette collection. Dans les vingt dernières années, le rôle du conservateur a évolué : maintenant il y a des conservateurs de freelance ou indépendants qui ne sont pas attachés à une institution et qui ont leur propre façon singulière de faire des expositions. Ces conservateurs sont invités à organiser, ou se proposer, expositions dans un large éventail d'espaces, intérieur et en dehors du système de Galerie établie, tant en ligne. Conservateur de le Suisse Harald Szeemann qui était le directeur de la Biennale de Venise en 1999 et en 2001 est un bon exemple d'un commissaire indépendant, comme c'est l'artiste et curateur Matthew Higgs qui est connu pour son petit budget, expositions bricolage qui ont inclus la publication Mentions légales, une exposition d'art qui a été postée aux personnes plutôt qu'exposée dans un espace de la Galerie.
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Renvoie à un épisode de l'histoire de la colonie d'artistes en Grande-Bretagne à St Ives, en Cornouailles. Depuis sa fondation en 1927, le St Ives Society of Artists était la société dominante de l'exposition de St Ives. En 1939, Barbara Hepworth, Ben Nicholson et Naum Gabo déménagent à St Ives formant le noyau de ce qui allait devenir un groupe fort et modern dans la colonie. D'environ 1943 que la St Ives Society a cherché à intégrer les artistes modernes dans ses expositions mais dans la pratique leur travail ont tendance à être accroché dans les endroits moins proéminent dans l'ancienne église, utilisé pour les expositions. En 1947, les artistes modernes ont commencé à organiser des expositions distinctes plus particulièrement dans la crypte de l'église elle-même. Ils est devenu connus comme le groupe de la crypte. Il y avait deux spectacles en 1947 et une troisième en 1948. Les artistes de St Ives le clivage entre moderne et plus traditionnels a été confirmé plus tard en 1947, lorsque le Sir Alfred Munnings notoirement réactionnaire a été élu Président de la société. Cependant, également en 1948, les membres du groupe crypte devient des membres fondateurs de la société Penwith des Arts. Enfin, cela créé une identité distincte pour les artistes modernes à St Ives et le groupe de la crypte n'avait plus aucune raison d'exister. Principal comprenait Wilhelmina granges-Graham, Patrick Heron, Peter Lanyon, John Wells, Bryan Wynter.
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