- Industry: Art history
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Les exemples les plus courants des médias électroniques sont des enregistrements vidéo, enregistrements sonores, présentations de diapositives, CD-ROM et contenu en ligne. Le terme intègre également le matériel utilisé pour créer ces enregistrements ou présentations ; télévision, radio, téléphone, ordinateur. Une grande partie de la théorie entourant l'utilisation des médias électroniques par des artistes est basée sur l'essai séminal de Walter Benjamin de 1936, le œuvre d'Art à l'âge de la Reproduction mécanique, qui a discuté de la démocratisation de l'art, libéré de ses limites comme une entité unique grâce au développement de la reproduction photographique et des formes telles que cinéma, où il n'y a aucun original unique.
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King Edward VII de Grande-Bretagne était le fils de la Reine Victoria, dont la longévité signifiait qu'il n'a pas acquiescé au trône jusqu'en 1901, alors qu'il avait soixante ans. a lancé l'Entente Cordiale qui, en 1904, le début d'une ère nouvelle de bonnes relations avec la France. Il est mort en 1910. Comme Prince de Galles, il avait été célèbre pour son amour de la bonne vie et son règne et le terme Edwardian, est associé à la phase finale de la longue période de paix, de domination de la prospérité et de la classe supérieure et de luxe qui a été mis fin par la première guerre mondiale. En France, connue comme la Belle Epoque. Le grand peintre des riches Edwardian était Sargent, suivi De Laszlo, mais la vie des gens plus ordinaires a été dépeint de façon vivante par ex. Strang.
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Une série d'impressions identiques de la même surface d'impression. Depuis la fin du XIXe siècle le nombre d'estampes produites habituellement a été restreint et déclarée comme une « limited edition »; avant cela les impressions étaient souvent produites en nombre autant que le processus permettrait. Estampes d'artistes modernes sont généralement limités à un nombre précis, quoi que ce soit entre 2 et 1 000 ou plus. Parfois la quantité est dictée par le processus — la plaque s'use — mais plus communément il est limité par l'artiste ou l'éditeur, dans lequel cas la surface d'impression est généralement détruit. Editioned estampes sont généralement signés, numérotés et souvent datées par l'artiste. Une édition de vingt-cinq sera numéroté 1/25, 2/25, etc. , ceux-ci sont généralement accompagnées d'un certain nombre de preuve imprime, identique à l'édition ; ceux produits pour artiste sont marqués « AP » (preuve de l'artiste), celles de l'imprimeur ou l'éditeur 'PP' (preuve de l'imprimante). Épreuves de un certain nombre de travail peuvent également être faites. « Bon à tirer » (bon à imprimer) preuves fournissent un étendard pour guider l'imprimante.
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Terme français école de sens des beaux-arts. L'original Ecole des Beaux Arts issus de la fonction d'enseignement de l'anglais Académie Royale de Peinture et de Sculpture, fondée à Paris en 1648 (voir Académie). En 1816, l'école de la Académie Royale s'installe à un bâtiment séparé et en 1863, a été rebaptisée l'Ecole des Beaux Arts. La base de l'enseignement était l'art de l'art antique grec et romain, c'est-à-dire classique. Mais l'anatomie, la géométrie, la perspective et étude de nu faisaient également partie du programme d'études. En 1663, l'Académie a fondé le Prix de Rome, à un prix très prestigieux qui a donné gagnants une visite prolongée à Rome pour étudier l'art classique sur place. En 1666, l'Académie a également créé une branche à Rome pour fournir enseignement et une base pour ces étudiants. Français par la suite la plupart des grands villes établi leurs propre école des Beaux Arts. Le Prix de Rome a été aboli en 1968 à la suite de la révolte étudiante de la même année. à la fin du XIXe siècle que l'Ecole des Beaux Arts étaient devenu rival profondément conservatrice et indépendant, écoles surgirent à Paris, comme l'Académie Julian et l'Académie Colarossi. L'Ecole est resté le modèle de base pour une école d'art jusqu'à la Fondation du Bauhaus en 1919. (Voir aussi le Black Mountain College. ) La plupart des noms illustres dans l'art français, passé par l'Ecole jusqu'à et y compris certains des jeunes impressionnistes.
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Un groupe d'étudiants à la Kunstakademie Düsseldorf dans le milieu des années 1970 qui a étudié sous les influents photographes Bernd et Hiller Becher, connus pour leur dévotion rigoureuse à la tradition allemande des années 1920 de la Neue Sachlichkeit (nouvelle objectivité). Photographies des le becher étaient des photos claires et noir et blancs des archétypes industriels (houillère, châteaux d'eau, soutes à charbon). Andreas Gursky, Candida Höfer, Axel Hütte, de Thomas Ruff et de Thomas Struth a modifié l'approche de leurs professeurs en appliquant les nouvelles possibilités techniques et une vision personnelle et contemporaine, tout en conservant la méthode documentaire proposés leurs tuteurs.
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Un processus en creux dans laquelle les lignes incisées sont dessinées sur une plaque avec un sharp, a souligné aciculaires instrument (pas le burin gravure). Pointe sèche se fait généralement sur plaques de cuivre, comme le métal plus mou se prête à cette technique. Le processus d'incision crée un bord rugueux déchiqueté légèrement relevé aux lignes, appelées de la bavure. Fois la ligne incisée et spécifiquement la bavure reçoivent d'encre lorsque la plaque est essuyée, donnant l'impression ligne une apparence veloutée distinctive. En raison du caractère délicat de la bavure, pointe sèche est habituellement fait en petites éditions, s'arrêtant avant la bavure est écrasée par la pression de la presse taille-douce. Pointe sèche est souvent combiné avec d'autres techniques de gravure.
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Essentiellement, le dessin est une technique dans laquelle images sont représentés sur une surface plane en faisant des lignes, bien que les dessins peuvent également contenir des régions tonales, les lavages et les autres marques non linéaire. Encre, crayon, crayon, fusain et craie sont les matériaux couramment utilisés, mais dessins peuvent être des médias réalisés avec ou en combinaison avec la peinture et tout autre humide ou secs.
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Ce terme est associé avec les artistes qui ont documenté les dures réalités de la vie britannique pendant la grande dépression dans les années 1930. Dans une décennie dominée par le chômage de masse et de la misère sociale, un nouveau radicalisme s'est emparée de la politique européenne et artistes ont répondu à ces événements en adoptant un style réaliste était facile à comprendre. Ils ont cru que les deux dominant les mouvements artistiques de l'époque, l'Abstraction et le surréalisme, étaient trop obscures pour communiquer efficacement. En Grande-Bretagne, ceux qui ont partagé ces croyances se rassemblent au artistes International Association (AIA) et l'école de Euston Road. Certains de ces artistes a travaillé avec masse-Observation, une organisation créée pour enregistrer la vie quotidienne des gens ordinaires de travail .
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Une exposition d'art contemporain international qui s'est tenue à Kassel en Allemagne, à l'origine tous les quatre ans et depuis 1972, tous les cinq ans. Il est perçu comme l'une des plus importantes expositions d'art au monde. Fondé par l'artiste, l'enseignant et la conservatrice Arnold Bode en 1955, la première Documenta en vedette, entre autres, Pablo Picasso, Barbara Hepworth, Ben Nicholson et Max Beckmann. Il a été créé afin d'annoncer une nouvelle ère après les valeurs esthétiques réactionnaires de la période nazie. Parfois appelé le Musée du jour cent, qu'il nomme un nouveau directeur pour chaque exposition et le format est souvent ré-inventé.
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Une nouvelle approche pour réaliser sculpté sculpture présentée par Brancusi de 1906. Avant que sculpté sculpture a toujours reposé sur un modèle préliminaire soigneusement travaillé dehors. Souvent il était alors en fait découpé par les artisans employés par l'artiste. Le marbre des sculptures de Rodin ont été faites de cette façon. En taille directe, il n'y a pas de modèle et la forme finale évolue à travers le processus de découpage. Un important aspect de taille directe était la doctrine de la vérité pour matériaux (voir aussi empâtement). Cela signifiait que l'artiste respecté consciemment la nature de la matière, à mettre en évidence ses propriétés particulières et la beauté de la couleur et de surface de travail. Direct sculpteurs utilisaient une grande variété de types de marbre, de Pierre et de bois. Ils ont gardé à des formes simples qui ont respecté le tronc original de bloc ou un arbre. Surfaces étaient conservés sans encombrement en détail afin d'exposer la matière elle-même et ont été souvent soigneusement polies pour améliorer la couleur et les marquages. Les résultats étaient souvent très abstraits. Dans l'introduction directe de sculpture de Brancusi introduit une révolution dans la tradition de la sculpture sculpté. Après Brancusi, notable direct sculpteurs étaient Epstein, Gaudier-Brzeska, Hepworth et Moore.
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