- Industry: Art history
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Crée une branche particulièrement austère de l'art abstrait fondé par Vladimir Tatline et Alexander Rodchenko en Russie vers 1915. L'art cru constructivistes devrait refléter directement le monde industriel modern. Tatlin est fondamentalement influencé par des constructions de cubiste de Picasso (Construction 1914) qu'il voyait dans l'atelier de Picasso à Paris en 1913. Il s'agissait de natures tridimensionnelle faite de matériaux de rebut. Tatlin a commencé à faire ses propres, mais ils étaient complètement abstraite et est composé de matériaux industriels. En 1921, les artistes russes qui ont suivi les idées de Tatlin eux-mêmes appelaient constructivistes et en 1923 un manifeste a été publié dans leur magazine Lef: « la formation en matière de l'objet doit être substituée à sa combinaison esthétique. L'objet est d'être traité comme un tout et sera donc d'aucun discernable « style » mais simplement un produit d'une commande industrielle comme une voiture, un avion et autres semblables. Constructivisme est une maîtrise purement technique et l'organisation des matériaux. ' Constructivisme a été supprimée en Russie dans les années 1920, mais a été porté à l'ouest par Naum Gabo et son frère Antoine Pevsner et a été une influence majeure sur la sculpture moderne.
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Une extension du constructivisme en Grande-Bretagne depuis environ 1950 dans le œuvre de Victor Pasmore, Kenneth Martin, Mary Martin et Anthony Hill. Rythmes et se produisant naturellement proportionnel systèmes étayé leur art géométrique. Ils ont été inspirés par les théories de l'artiste américain Charles Biederman et exploré l'héritage de l'art « Constructive » faite dans les années 1930 par Ben Nicholson, Barbara Hepworth et Naum Gabo, dont la contribution pour le constructivisme russe a été exemplaire. Hill a insisté sur l'utilisation du terme constructionnisme pour le phénomène Britannique, mais le constructivisme se trouve plus couramment.
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Terme introduit par Van Doesburg en 1930 « Manifesto of Concrete Art » publié dans le premier et le seul numéro du magazine Art Concret. , Il a appelé à un type d'art abstrait qui serait entièrement libre de tout fondement dans la réalité observée et qui n'aura pas d'incidences symboliques. , Il a déclaré qu'il n'a rien de plus concrète ou plus réel qu'une ligne, une couleur ou un avion (un secteur plat de couleur). Artiste le Suisse Max Bill plus tard est devenu le porte-drapeau de l'art concret, organise la première exposition internationale à Bâle en 1944. Il a déclaré que le but de l'art concret est de créer "dans les choses qui n'existaient pas auparavant une forme visible et tangible — pour représenter les pensées abstraites en forme sensuelle et tangible". En pratique béton art est très proche de constructivisme et il y a un musée de constructif et l'art concret à Zurich, en Suisse.
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L'essor de la photographie conceptuelle dans les années 1960 a coïncidé avec les premières explorations dans l'art vidéo. Using caméras, artistes comme Richard Long et Dennis Oppenheim a commencé à enregistrer leurs performances et temporaires d'art fonctionne d'une manière qui est maintenant souvent qualifiée de pince-sans-rire. Le but était de faire des images simples et réalistes de l'oeuvre qui avait l'air aussi documentaire que possible. C'est le caractère piétonnier de la photographie, sa capacité inébranlable de photographier tout le même, que les artistes aimés, croyant que c'était l'art représenté sur la photo qui a été importante. Des précédents pour Photographie conceptuelle peut être trouvée dès le début du XXe siècle où Alfred Stieglitz photographié Marcel Duchamp les ready-made d'issu d'un urinoir, fontaine, pour une exposition à New York. La fontaine originale a été perdue, mais les photographies par Stieglitz restent et sont devenus des œuvres d'art en soi.
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Ce terme est entré en usage dans les années 1960 pour décrire une large gamme de types d'art qui n'est plus a pris la forme d'un objet d'art classiques. En 1973 un enregistrement pionnier des premières années du mouvement apparu sous la forme d'un livre, Six ans, par le critique américain Lucy Lippard. Les « six années » ont été 1966-72. Sous-titre le long du livre dénommé « art conceptuel ou information ou idée dit ». Artistes conceptuels n'affectez pas faire une peinture ou une sculpture et le fixer leurs idées à ce formulaire existant. Au lieu de cela ils penser au-delà des limites de ces médias traditionnels et ensuite travailler sur leur concept ou l'idée en quelque matériaux et quelle que soit la forme est appropriée. Ils étaient donnant ainsi la priorité de notion sur les médias traditionnels. D'où Conceptual art. D'où qu'il s'ensuit que l'art conceptuel peut être presque n'importe quoi, mais dans les années 1960, certaines tendances importantes est apparu comme art de Performance (ou Action), Land art et le mouvement italien Arte Povera (art pauvre). Pauvres entend ici en utilisant des matériaux de faible valeur tels que brindilles, chiffon, graisse et toutes sortes d'objets trouvés et de ferraille. Some Conceptual art consistait simplement de déclarations écrites ou des instructions. Beaucoup d'artistes ont commencé à utiliser la photographie, film et vidéo. Art conceptuel a d'abord été un mouvement des années 1960 et 1970, mais a été très influent depuis. Parmi les artistes Art & langue, Beuys, Broodthaers, Burgin, Craig-Martin, Gilbert et George, Klein, Kosuth, Latham, Long, Manzoni, Smithson.
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De manière générale n'importe quel morceau de musique ou par écrit, ou toute peinture ou une sculpture, peut être dénommé une composition. Plus précisément, le terme désigne la manière dont un artiste a organisé les éléments de l'ouvrage afin d'apporter une relation satisfaisante à l'artiste et, nous l'espérons, le spectateur. Dans l'art dans la tradition classique, triangulaires ou pyramidales compositions ont été utilisées parce qu'ils ont créé un sentiment d'équilibre et d'harmonie en arrangeant les chiffres dans une structure géométrique dans l'ensemble stable. Le voit par exemple dans le groupement à peu près conique des animaux dans les de George Stubbs juments et poulains. L'idée de la composition comme l'ajustement des relations des éléments de le œuvre au sein de la frontière de la toile, est demeurée incontestée à travers les bouleversements des premiers mouvements modernes tels que le cubisme et l'art abstrait. Puis dans les années 1940, le peintre expressionniste abstrait américain Jackson Pollock, a présenté ce qui allait s'appeler allover composition, et le concept traditionnel est devenu connu comme composition relationnelle. Cependant, Pollock semble encore généralement être composer au sein de la toile. Mais en même temps, l'abstrait expressionniste Barnett Newman a commencé à faire des peintures où des blocs de couleur s'est déroulé du haut vers le bas de la toile. Ce sont relationnelles dans la mesure où les proportions des couleurs ont été ajustées entre eux, mais ils étaient une composition radicales en ce que les blocs de couleur simplement couru sur le dessus et les bords inférieurs de la toile, qui Newman a délibérément laissé sans cadre. C'est Frank Stella dans la fin des années 1950, qui atteint une composition allover et fauché hors des limites de la toile à la fois.
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Couleurs complémentaires sont les couleurs qui se complètent - d'où le nom. L'effet de cet achèvement est d'améliorer les couleurs — ils ont l'air plus forts lorsque placés ensemble. C'est parce qu'ils contrastent avec l'autre plus qu'avec toutes les autres couleurs, et nous pouvons seulement voir coloris par contraste avec d'autres couleurs. Plus de contraste le plus de couleur. Si vous séjournez dans une chambre entièrement peint une seule couleur, après une dizaine de minutes que cela disparaîtra au gris. Couleurs les complémentaires sont les trois couleurs primaires, rouge, bleu et jaune et leurs secondaries. Mélanges de couleurs sont les couleurs obtenues en mélangeant les primaires dans toutes leurs combinaisons de paires. Donc les trois couleurs secondaires sont le verts, orange et violet. Paires de complémentaires sont rouge-vert, bleu-orange et jaune-violet. Artistes commença à devenir particulièrement conscient de l'importance des couleurs complémentaires après le développement de la théorie des couleurs scientifique au XIXe siècle. Cette théorie jouée un rôle important dans le développement de l'impressionnisme et le post-impressionnisme comme fauvisme et beaucoup par la suite de peinture moderne. The impressionnistes furent les premiers à noter que les ombres ne sont pas neutres mais sont de la couleur complémentaire de la lumière qui jette. Alors la lumière du soleil jaune jette une ombre violette. Le voit très bien dans femme assise de Monet sur un banc dans le pli de son bras et de la piscine de l'ombre à ses pieds.
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La notion d'art communautaire a évolué dans le post seconde guerre mondiale ère, hors de la notion de démocratie culturelle - le terme utilisé pour décrire les pratiques où la culture et l'expression artistique sont générés par des individus et des communautés plutôt que par les institutions du pouvoir central. Bien qu'il y avait eu plus tôt des expériences provisoires dans ce qui devint connu comme art de la Communauté, y compris par la fraternité préraphaélite du XIXe siècle, ce n'est que la fin des années 1940 que le concept de l'art de la communauté ont émergé et ont commencé à être considérée comme un moyen d'autonomiser les populations. Initiatives inclus mettant les plasticiens, comédiens et musiciens de travailler au sein des communautés pour créer des compositions, des pièces de théâtre et des peintures murales publics. Dans les années 1960, lorsque le changement social a été considéré comme possible, communauté art était considéré comme un moyen de donner la parole à la société privés de leurs droits.
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Dans les années 1960, un groupe d'artistes de la Pop a commencé à imiter les techniques d'impression commerciales et l'objet de bandes dessinées. The American peintre Roy Lichtenstein est notamment connue pour créer des peintures inspirées de bandes dessinées Marvel et incorporant et élargir les points de Ben jour utilisés dans l'impression de journaux - entourant ces avec des contours noirs similaires à ceux utilisés pour dissimuler les imperfections dans le papier journal bon marché. En même temps Andy Warhol a été également à l'aide d'images de la culture populaire, y compris bandes dessinées et la publicité, dont il reproduit à plusieurs reprises, ligne après ligne, sur une toile unique jusqu'à ce que l'image devenue floue et fanée. Peintre l'allemand Sigmar Polke a également manipulé le point du jour Ben, bien que, contrairement aux slicks conceptions graphiques de Lichtenstein, points de Polke a été splodges qui avait l'air comme des accidents de voyous dans la salle. Dans la même veine, Raymond Pettibon miné l'esprit innocent de la bande dessinée avec ses dessins encre-éclaboussé et commentaire sardonique.
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Terme initialement utilisé pour décrire le travail d'environ 1950 des peintres expressionniste abstrait Mark Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still, qui a été marquée par grandes zones de couleur plus ou moins plat unique. « The peintres tachistes » était le titre du chapitre traitant de ces artistes dans l'histoire révolutionnaire de l'américain universitaire Irvine Sandler, expressionnisme abstrait, publié en 1970. Autour de 1960 une forme purement abstraite plus du champ de couleur peinture a émergé dans les travaux d'Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland et autres. Il différente de l'expressionnisme abstrait en ce que ces artistes éliminé les deux le contenu émotionnel, mythique ou religieux du mouvement antérieur, et l'application hautement personnelle et picturale ou gestuelle qui lui sont associés. En 1964, une exposition d'artistes de trente et un associé de ce développement a été organisée par le critique Clement Greenberg à la Los Angeles County Museum of Art. Il a intitulé il Abstraction Post-Painterly, un terme souvent utilisé pour décrire le travail de la génération de 1960 et leurs successeurs. En Grande-Bretagne il y a une évolution majeure de la peinture de couleur de champ dans les années 1960 dans le œuvre de Robyn Denny, John Hoyland, Richard Smith et d'autres.
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